Dans un monde parallèle, une firme hi-tech vend à ses très fortunés clients ses "talents" consistant à téléguider neurologiquement des individus afin qu’ils commettent des meurtres ciblés. Tasya Vos, l’une de ces marionnettistes du subconscient, éprouve de plus en plus de difficultés à sortir de ses missions. Et la dernière qu’elle accepte pourrait bien lui être également fatale… En d’autres circonstances, on aurait été embarrassé d’évoquer le père à travers le fils. Mais ici, tout, du thème au style organique choisis par Brandon, renvoie au cinéma de David Cronenberg et tend à démontrer par l’exemple (et l’hémoglobine) la maxime « Bon sang ne saurait mentir ». Non qu’il s’agisse d’un film par procuration, plutôt de la perpétuation logique d’un esprit, de la manifestation d’un atavisme cinématographique. Avant que le concept soit énoncé et surtout banalisé dans toutes les gazettes, l’idée de l’Humain augmenté, quel que soit le moyen choisi (hybridation vidéo, amélioration psychique, branchement neuronal, mutation, duplication…) mais toujours à ses risques et périls, a t

/ Punk rap Chaque sortie de Bleu Russe est un mélange de surprise et d’évidence. Comme s’il était toujours là où l’on s’attendait à ne pas l’attendre… Et c’est peut-être bien cet équilibre – instable donc subtil – entre cohérence absolue et liberté totale qui donne à son œuvre autant de puissance. Ça n’a jamais été aussi limpide qu’à l’écoute de Poubelle Marron, un best-of soigneusement désordonné augmenté de quelques morceaux inédits, un autoportrait foutraque, malicieux, profond, dur et tendre : très ressemblant. Voilà cinq ans que David Litavicki (son nom sur ses papiers d’identité) a lancé ce projet solo de rap/rock/punk/pop/etc. Quatre albums et un EP dont ce nouveau disque retrace brièvement l’histoire, de son point de départ avec Javel, un premier tube sans batterie, au plus récent La beauté du geste, doux manifeste irrévocable. Une plongée dans tout ce qui fait le style de Bleu Russe : son écriture en cut-up ciselé, sa colère toujours justifiée contre les administrations, une certaine sublimation de la banalité des existences, des instrus précises et efficaces. Et surtout, un sérieux penchant pour le collectif. On compte beaucoup

S’il reste avant tout célébré pour ses œuvres les plus avant-gardistes et oniriques, marquées par leur approche "subjective" de la réalité (Perfect Blue, Paprika, la série Paranoïa Agent…), Satoshi Kon, disparu en 2010 à l’âge de 46 ans, n’en a pas moins jamais cessé d’aborder en filigrane, tout au long de sa courte mais irréprochable filmographie, les névroses profondes du Japon contemporain. Une exploration sociétale qu’on retrouve une nouvelle fois à l’œuvre dans Tokyo Godfathers, bouleversante quête de trois sans-abri pour retrouver les parents d’un bébé abandonné pendant les fêtes de Noël. Portrait touchant de trois parias cantonnés aux marges de la société (une femme transgenre au grand cœur, une adolescente fugueuse et revêche, et un père de famille ruiné, râleur et alcoolique), le film s’inscrit ainsi ouvertement dans les codes du conte de Noël, tout en les transcendant sans cesse par sa soif romanesque. À la fois récit initiatique, mélodrame flamboyant, chronique sociale, thriller haletant et fable rédemptrice, le métrage multiplie les registres sans jamais se perdre en cours de route, embarquant le spectateur dans un grand-huit émoti

C’est une semaine intense qui donne envie de rajeunir : du 24 au 31 octobre, le Cap de Voreppe propose pas moins de 27 films d’un éclectisme ébouriffant, à commencer par un ciné-concert du génial et hilarant Sherlock Jr. (photo) de Buster Keaton, ambiancé par le trio The French Bastards. On note des avant-premières pour les tout-petits (Le Quatuor à cornes : là-haut sur la montagne, Les Ours gloutons, Le Noël de Petit Lièvre Brun), les immanquables du moment (Calamity, Lupin III…), les prometteurs Petit Vampire, Le Peuple Loup, Fritzi et 7 jours, ainsi que de grandes reprises. De Miracle en Alabama à Akira en passant par La Jeune Fille à l’écho (curiosité lituanienne), il y a du choix. On conseillera pour finir de jeter un œil au documentaire Petites Danseuses qui en dit aussi long sur les rêves des parents que sur ceux des enfants…

Clocharde vivant recluse dans le silence d’un local sous un pont de Paris, Christine (Catherine Frot) voit surgir le petit Suli (Mahamadou Yaffa), un migrant africain dont la mère a été arrêtée pour se faire expulser. D’abord revêche avec l’enfant, Christine le prend sous son aile mitée et tente l’impossible : retrouver la mère… Le réalisateur Claus Drexel l’affirme d’emblée : Sous les étoiles de Paris est un conte. Silhouette hors d’âge et claudiquante, Catherine Frot fait en effet figure de Carabosse des égouts attendant d’être délivrée d'un mauvais sort par le petit chevalier Suli au terme de leur déambulation-apprivoisement initiatique. S'il révèle les invisibles au sein de la foule solitaire, ce film démarrant comme un diesel trouve quelques moments de grâce dans le lien entre les deux personnages, et quelques images choc : l’évocation d’une “cour des miracles“ peuplée de drogués sous un parking ou les terribles (et bien réels) plans sur les bidonvilles de migrants de l’autre côté du périph’. Sur un registre plus anecdotique, il s’agit sans doute de l’un des rares (le seul ?) films où les

N’hésitez pas à passer la porte de la galerie Tracanelli pour y visiter l’exposition du mois d’octobre ! Vous y découvrirez le travail de Marjolaine Robert de Saint Vincent qui se nourrit de son parcours atypique entre les Beaux-Arts et l’armée (eh oui !) ; les compositions picturales d’Adrian Kay Wong dans lesquelles des éléments figuratifs stylisés surgissent d’un entrelacs de motifs abstraits évoquant les tapisseries des années 1970 ; et surtout les expérimentations picturales de Julien Herz qui joue des superpositions et des styles pour créer des compositions assez surprenantes. Des emboîtements de formes géométriques bleu électrique et gris métallique y côtoient des surfaces en crépis et de nerveux gribouillis à la craie.

On s’en approche de plus en plus. En 1973, le film post-apocalyptique de Richard Fleischer apparaissait comme une dystopie du même acabit que La Planète des Singes : on frissonnait pour rire sans y croire vraiment. Légèrement dépassé dix ans plus tard, Soleil vert revient comme un boomerang aujourd’hui, en particulier grâce sa visionnaire séquence d’ouverture résumant la course à l’abîme créée par la révolution industrielle. Pollution, désertification, famines, inégalités sur-creusées, ciel ocre et humains légalement asservis (coucou Uber). Ne manque qu’un élément faisant tout le sel de ce film se déroulant en 2022, c’est-à-dire demain, que le Pays Voironnais vous propose de découvrir gratuitement mercredi 14 octobre à 20h30 au Cap de Voreppe, dans le cadre du mois de la transition alimentaire. Bon appétit !

Épatante revue indépendante d’une centaine de pages lancée en septembre 2017, Panthère Première investira la librairie Les Modernes du jeudi 1er au samedi 3 octobre, le temps de deux expositions, d’une discussion et d’un atelier de gravure à prix libre. Forcément, un nom aussi éclatant, ça interpelle, mais ce n’est pas pour autant, loin s’en faut, sa seule singularité, comme nous l’explique Gaëlle Partouche, fondatrice de la librairie de la rue Lakanal : « Panthère Première, c’est une revue de critique sociale, qui interroge la porosité entre ce qui relève de la sphère privée et ce qui relève de la sphère publique, et la manière dont nos vies privées sont traversées par le politique. » Proposant dans chaque numéro des thématiques à l’intersection de « ce qui est renvoyé à l’intime (famille, enfance, habitat, corps, maladie, sexualités…) et des phénomènes qui cherchent à faire système (État, industrie, travail, colonialisme, rapports de genre…) », la revue aborde une impressionnante diversité de sujets écrits et illustrés par des contributeurs et contributrices, mais sélectionnés par un collectif éditorial constitué exclusivement de femmes. Un choix d

Western ! À Grenoble et aux alentours (ce que l’on appelle de par chez nous le Dauphiné), Serge Papagalli est une légende qui foule les scènes de la région depuis maintenant 50 ans. Pour célébrer cet anniversaire comme il se doit, et avant de le croiser fin novembre sur grand écran dans le film Kaamelott (le fameux Guethenoc le paysan, c’est lui) d’Alexandre Astier, notre homme se lance dans le western-spaghetti et théâtral, lui qui revendique fièrement ses origines italiennes. Avec une douzaine de comédiennes et comédiens à ses côtés (dont pas mal de fidèles de chez fidèles toutes générations confondues), son Western ! était forcément très attendu par un paquet de monde. Dont nous. AM À la MC2 du mardi 13 au jeudi 22 octobre Au Théâtre Jean-Vilar (Bourgoin-Jallieu) vendredi 6 et samedi 7 novembre Au

Premier long métrage d’un illustrateur (Aurel) sur un de ses confrères (Josep Bartolí), en animation de surcroît, Josep raconte comment le personnage-titre, républicain espagnol réfugié en France fut en fait parqué dans un camp par les autorités et maltraité par tous les gendarmes... sauf un. Voilà qui résonne terriblement avec l’actualité des violences policières : y aurait-il une "tradition" de comportements individuels racistes, d'omerta, d’obligation de suivre le groupe, d’absence de contrôle par la hiérarchie ? Tout cela pèse violemment sur le récit, par ailleurs édifiant, éclairant l’existence mal connue des camps de concentration destinés aux réfugiés anti-franquistes, cette autre tache sur l’Histoire hexagonale. En confrère respectueux, Aurel efface ici son trait pour ne pas faire ombrage à celui de son devancier. Et l’animation, qui préfère un mouvement saccadé à une trop grande fluidité, fait bien écho au style tourmenté, expressionniste, de Josep. On saluera enfin un joli travail sur le magma des souvenirs, qui fait survenir la présence fluctuante de Frida Kahlo.

Agent travaillant pour une organisation gouvernementale, Tenet est chargé d’enquêter sur un trafic de matériaux aux propriétés physiques insolites puisqu’ils inversent le cours du temps. Derrière tout cela se cache un mafieux russe cruel, Sator, doté d’une belle femme malheureuse… Quand un concept surpasse la chair de l’intrigue… Nolan nous a habitués à manipuler — et de façon osée — les deux composantes “deleuziennes“ du cinéma : l’image-temps et l’image-mouvement. À modeler la texture de la première pour qu’elle accueille la seconde. Une démarche aussi productive qu’inventive entamée avec Inception, poursuivie avec Interstellar et étrangement Dunkerque (où le montage approfondissait différemment l’intrication d’espaces temporels disjoints et cependant parallèles). Tenet suit logiquement cette ligne, aussi sûrement qu’une obsession proustienne pour le temps perdu, avec donc ce qu’elle comporte de désespoir. Si les problématiques sont excitantes — irradier des objets ou des personnes pour qu’ils aillent à

En dépit de ses cinq années d’existence et d’une discographie mine de rien déjà conséquente, il nous aura fallu un certain temps pour apprivoiser la musique de Bleu Russe, projet solo de David Litavicki (Churros Batiment, Poupard…). Le temps peut-être pour l’artiste de s’affranchir de certaines influences originelles un peu trop présentes à ses débuts (celles du Toulousain Arnaud Michniak et de son groupe Programme pour n’en citer qu’une)… Et pour nous de s’habituer à son flow en mode spoken-word, assez particulier. Sortis respectivement en février et en mai, Serrures et Palmiers, son dernier album, et Missives d’Amour vol. 2, sa dernière mixtape, viennent cependant confirmer ce qu’on avait déjà pressenti lors de ses derniers passages live : l’alchimie entre chant et instrumentaux fonctionne désormais à plein régime, ces derniers, piochant dans une gamme de registres bien trop vaste pour être ici énumérée, dépassant amplement leur simple statut « fonctionnel » pour se révéler de précieux alliés à la création d’une ambiance propre à sublimer les textes incisifs de l’artiste. Désormais frontalement assumé, le caractère parfois bancal du projet est devenu un vérit

Champion de course, Jonas s’entraîne avec une ombre au-dessus de la tête : celle de son frère mort, qui jadis le soutenait. Déséquilibré par son absence, il se met à agresser des femmes nuitamment. Le jour, il donne le change : personne ne réalise vraiment la gravité de son état… Froid, clinique, sec… Tel semble Jonas, tel paraît être le film. Voudrait-on appuyer sur des clichés que l’on incriminerait en sus la rugosité du dialecte suisse-allemand, l’ambiance hivernale des entraînements dans les forêts boueuses ou sur le pavé bernois et l’image bleuâtre ! Nul besoin d'ajouter que Baumgartner s’est inspiré d’un fait divers pour charger la barque de ce douloureux long métrage peu bavard, et cependant fascinant dans sa limpidité : le mal-être de Jonas évident, dévorant, obsédant et antérieur à la disparition de son frère – on découvrira qu’ils ont tous deux été placés dans une famille d’accueil – n’est plus apaisé par la pratique hypnotique du fond. Il a trouvé un dérivatif plus puissant dans la transgression d’un interdit ; une décharge d’adrénaline supérieure aux endorphines. Une pulsion contre la raison.

C’était le genre d’événement à vous faire regretter de ne pas vivre à Paris : en avril dernier, la Cinémathèque française consacrait une impressionnante rétrospective au "cinéma de (mauvais) genre taïwanais" des années 60 à 80, composée de treize films rares et à peu près invisibles en toute autre circonstance. C’est donc peu dire que l’on est ravi du choix de la Cinémathèque de Grenoble de reprendre à son tour une partie de ce cycle jeudi 12 et vendredi 13 mars au cinéma Juliet-Berto, avec une sélection allant du film d’auteur contestataire (The Mountain, The End of the Track) au film de sabre en langue taïwanaise (The Vengeance of the Phoenix Sisters), en passant par la comédie sociale transgressive (The Elegant Mr Hu). Comme l’explique Wafa Ghermani, curatrice de la rétrospective, « le titre de la rétrospective joue sur la polysémie de l'expression mauvais genre. Il s'agit de mettre en avant des films qui tentaient de s'échapper de la chape du discours dominant imposé par le gouvernement nationaliste chinois en place. Les films officiels mettaient en scène une société idéale sous l'autorité du gouvernement. Les films

Singapour. Ling enseigne le chinois à des élèves de terminale à qui cette matière importe peu et peine à avoir un enfant. Épouse dévouée, elle s’occupe du père paralytique de son mari fuyant. L’un de ses élèves se rapproche alors d’elle, alors qu’au-dehors, la mousson s’abat sur le pays… Le hasard fait se succéder sur les écrans français à quelques semaines d’intervalle La Beauté des choses (1995), l’inédit de Bo Widerberg, et ce nouveau film d'Anthony Chen qui se répondent de façon stupéfiante. Bien que le contexte historique (la Seconde Guerre mondiale en Suède chez Widerberg, Singapour aujourd’hui chez Chen) et le point de vue (l’adolescent pour l’un, l’enseignante pour l’autre) soient opposés, la trame est identique : un lycéen un peu à part noue une relation "inappropriée" avec une enseignante mariée et délaissée par son époux, alors que gronde une menace extérieure (ici, climatique). Un argument de fantasme à deux sous (à dessous ?) qu’Anthony Chen habille de nombreuses ramifications signifiantes en composant l’entourage de Ling. Celle-ci apparaît en effet comme totalement marginalisée : à son foyer, elle s’occupe de son beau-p

« Sur l’impulsion du Centre dramatique national de Sartrouville, j’ai demandé à Magali Mougel, autrice que j’aime beaucoup, d’écrire deux monologues – un pour un comédien et un pour une comédienne – sur l’idée de l’identité garçon-fille vue sous l’angle de l’enfance. De là est né Elle pas princesse, lui pas héros. » Depuis 2016, ce spectacle tout public connaît un immense succès en France (déjà quelque 400 représentations) et même au-delà – il a été adapté à New York, où il tourne toujours. À sa tête, le metteur en scène Johanny Bert, que l’on a interviewé après avoir été plus qu’enthousiaste à la découverte de sa création. « Magali a écrit un texte fort qui pose les clichés que les enfants ont, mais aussi que les adultes peuvent, inconsciemment ou non, véhiculer – un garçon doit être comme ça, une fille doit se comporter comme ça… » Où l’on suit pendant une heure l’histoire de deux gamins qui, a priori, ne respectent pas les codes de leur genre – « Leili était petite, elle aimait les jeux d’aventure et rêvait d’aller chasser des oiseaux dans la forêt ; Nils, quant à lui, était un garçon plutôt fr

2017, dans le Nord de la France. Bastien, vingt ans à peine, est déjà un militant chevronné du FN. Auprès de son délégué départemental, guère plus âgé que lui, il prépare la campagne de Marine Le Pen et rêve d’intégrer les hautes sphères du parti. Une caméra le suit durant quelques mois… Déjà auteurs d’un très réussi documentaire conjuguant un dispositif original et une thématique sociétale on ne peut plus clivante (La Sociologue et l’Ourson, consacré au projet de loi du Mariage pour tous), Mathias Théry et Étienne Chaillou n’ont pas choisi la facilité avec ce sujet qu’on devine à mille lieues de leurs affinités politiques. Mais c’est sans ironie ni dédain, avec la sincère curiosité de sociologues, pour ne pas dire d’anthropologues, qu’ils s’attachent aux pas de leur "personnage", histoire de comprendre la logique son embrigadement, la dialectique du parti qu’il a rejoint et ses aspirations personnelles. Le terme de "personnage", renvoyant ordinairement à un corpus de fiction, n’a ici rien d’usurpé puisque La Cravate

Voilà, il fallait bien que cela arrive : les Blues Brothers ont désormais 40 ans — enfin, le premier film consacré à cette formation. Au départ blague potache et musicale née dans le Saturday Night Live, le groupe dirigé par Dan Ackroyd et John Belushi a accouché d’un film devenu rapidement légendaire pour sa folie douce et surtout sa B.O. Pas bête pour deux soul, les frères avaient eu l’idée de convier à l’écran (et sur microsillon, du coup) la crème des vinyles de l’époque : Ray Charles, Cab Calloway, Aretha Franklin, James Brown etc. Résultat : un film qui se regarde aussi avec les oreilles. Malin. Au Cinéma Juliet-Berto mercredi 29 janvier, à 20h.

Il y a quelque chose de radicalement punk dans l’approche du deejaying de la Hollandaise Marcelle Van Hoof, alias DJ Marcelle. Son désintérêt total pour les conventions du genre et ce à quoi un DJ-set "du moment" est censé ressembler n’a d’égal que sa formidable capacité à créer, à l’aide de ses trois platines vinyles, des collages sonores absolument uniques en leur genre. Agglomérats virtuoses et curieusement dansants d’univers musicaux disparates mais néanmoins complémentaires, les mixes de DJ Marcelle ressemblent à un vaste chaudron dans lequel on plongerait techno, bass music, avant-garde, post-punk, gazouillis d’oiseaux, dub, free jazz, folk, jungle, musiques orientales et afro-caribéennes pour les voir en ressortir transformés. Si cette démarche peu commune l’a longtemps laissée confinée dans l’underground, il semblerait que ces dernières années, les dancefloors des clubs et festivals du monde entier soient enfin assez ouverts pour accueillir DJ Marcelle. De Barcelone à Amsterdam en passant par l’Ouganda (en photo), elle ne cesse ainsi d’enchaîner les dates, convertissant à chaque fois un public sans cesse croissant à son univers freaky et libéré de toute contrainte foncti

Patron de la très conservatrice chaîne d’infos Fox News, Roger Ailes impose à ses collaboratrices ses exigences et privautés, ainsi qu’une impitoyable loi du silence. Jusqu’à 2016, où la journaliste Gretchen Carlson, mise sur la touche, révèle ses pratiques. Peu à peu, les langues vont se délier… L’an passé, un familier du registre comique avait signé avec Vice un portrait aussi documenté que vitriolé de l’ancien vice-président républicain Dick Cheney. Rebelote aujourd'hui avec Jay Roach, dont on se souvient qu’il fut révélé par ses séries potacho-burlesques (Austin Powers, Mon beau-père et moi…) avant de se reconvertir dans le biopic politique. Dans Scandale, le cinéaste – qui ne peut cacher ses sympathies démocrates – monte au front pour épingler les travers de la frange la plus conservatrice de la société américaine à travers la bouche d’égout qui lui sert d’organe quasi-officiel. Au moment où le scandale éclate, nous sommes à la fois à la veille de #MeToo mais aussi (et surtout) en plein dans la campagne présidentielle qui vit Trump gag

Star de cinéma, Fabienne vient de publier ses mémoires titrés La Vérité et va entamer un nouveau tournage. Sa scénariste de fille, Lumir, son époux et leur petite Charlotte, débarquent alors de New York. Leur séjour permettra de régler de vieilles querelles, mais aussi panser des plaies… « On ne peut se fier à sa mémoire ». Aux allures de mantra, cette réplique est un peu la clef de La Vérité : on l’entend sortir de la bouche de Lumir (reprochant les arrangements de sa mère avec la vérité dans son livre), mais aussi de celle de la fantasque Fabienne, faisant remarquer en retour à sa fille que le point de vue d’une enfant est trompeur. Si l’actrice revendique dans sa vie comme son art le "mentir vrai" d’Aragon, en assumant également une incorrigible mauvaise foi et ses caprices, elle sait, par le bénéfice de l’âge, que toute vérité est relative, subjective. Que la perfection qu’elle suppose, forcément impossible à atteindre. Et que l’écrit est un pis-aller au jeu, donc à la vie. Acteurs 1, scénaristes 0 ? Difficile de savoir qui aura le dernier mot ! Kore-eda accomplit ici une œuvre d’une v

04.12.19 > EVE Lean Chihiro Déjà trois années qu’on entend parler de Lean Chihiro, jeune rappeuse parisienne d’à peine 20 ans définie par un univers à la fois très singulier… et très dans l’air du temps : références à la pop-culture japonaise tous azimuts, stylisme irréprochable, flow ultra mélodique explorant les frontières entre chant et rap, affection particulière pour les infrabasses saturées au point de faire trembler les murs… Précisons qu’elle rappe essentiellement en Anglais, ce qui lui fait au moins un point commun avec les groupes ASM et Mû, avec lesquels elle partagera l’affiche de ce concert organisé par Retour de Scène. 06.12.19 > Ampérage DE_dust II Ça fait longtemps qu’on défend dans ces pages le DJ et producteur français Panteros 666, son approche très ouverte et décloisonnée des styles musicaux, sa passion sincère pour la grosse techno des années 90, la cyberculture et les nouvelles technologies… On est donc ravi de le voir venir présenter son nouveau projet en collaboration avec Romain Casa, DE_dust II, un live techno / acid / warehouse inspiré par le jeu vidéo Counter Strike

S’il n’est pas forcément le premier artiste électronique des années 2010 à avoir amorcé le grand retour vers les sonorités analogiques brutes et futuristes de la scène house de Chicago de la fin des années 80 et du début des années 90, force est de reconnaître que le Britannique Palms Trax, Jay Donaldson de son vrai nom, n’en a pas moins largement anticipé le mouvement. En témoigne son fabuleux EP inaugural sorti en 2013 Equation, première sortie d’un label, Lobster Theremin, devenu peu ou prou l’un des plus influents de la décennie dans le domaine de la house et de la techno. Pour autant, ce qui fait aussi la force du jeune DJ/producteur, aujourd’hui signé sur un autre label majeur, Dekmantel, c’est sa capacité à ne pas s’être laissé enfermer dans ce registre, aussi passionnant soit-il, pour mieux explorer, en particulier dans ses foisonnants DJ-sets, les innombrables influences lui ayant donné naissance. On trouve ainsi absolument de tout dans les mixes actuels de Palms Trax : disco vintage, house, soul, électro, techno, tribal, italo… C’est donc une très bonne idée de l’avoir invité à partager les platines avec l’Australien installé à Amsterdam Max Abysmal, résident

Nasser Djemaï est un artiste multicasquettes (auteur, metteur en scène et comédien) passionnant que l’on prend plaisir à suivre depuis le début de sa carrière entamée à Grenoble il y a une quinzaine d’années. Au fil de ses propres créations, il propose un théâtre ancré dans le réel, au plus proche de notre monde contemporain et de ses enjeux – il met par exemple souvent en scène des personnages immigrés ou issus de l’immigration, interrogeant ainsi finement la notion de construction identitaire. Pour sa sixième pièce tout juste créée à la MC2, il a quelque peu déplacé son regard en s’intéressant à une jeune trentenaire empêtrée dans des questions d’héritage ; d’où le titre Héritiers et cet astucieux décor d’immense maison bourgeoise. Mais a malheureusement perdu en pertinence. Car malgré une note d’intention (distribuée en salle) plus qu’explicite (« L’idée est qu’après notre propre mort vient celle de nos traces »), les tenants et aboutissants du texte deviennent confus au fil de la représentation, Nasser Djemaï ayant fortement chargé la barque de son récit comme s’il devait impérativement produire un discours exhaus

« Surtout ne touchez pas aux œuvres ! » Voilà généralement la première chose qu’entendent les enfants dès qu’ils mettent les pieds dans un musée. Bien qu’évidente pour des raisons de conservation, cette règle est un poil frustrante pour les marmots. Avec l’exposition L’Art et la Matière, le Musée de la Révolution propose de remédier à cette frustration et invite ses (jeunes) visiteurs à une expérience amusante qui consiste à appréhender les sculptures par le toucher. Le parcours proposé met progressivement en condition grâce à différentes expériences tactiles permettant d’affiner son toucher et son vocabulaire. Ensuite, une série de sculptures sur des socles rotatifs, permet de tripoter de véritables œuvres d’art et de se rendre compte à quel point notre sens du toucher est tout de même un peu atrophié… Une dernière section consacrée au modelage, à la taille et à la fonte, nous rappelle comment le toucher est un outil de travail pour les sculpteurs tandis que l'ouïe et l'odorat sont stimulés dans la découverte de ces techniques. Cerise sur le gâteau, l’exposition propose une œuvre géniale de Sophie Calle où des text

En paix avec sa sœur Anna et ses pouvoirs, Elsa règne désormais sur le royaume laissé par leurs parents. Mais un étrange appel qu’elle seule entend la pousse à aller vers une forêt enchantée réputée maudite. Là se trouvent les réponses aux questions qu’elle se pose depuis toujours… Peut-être aviez-vous entendu parler du premier opus, qui avait connu son petit succès – en particulier dans les cours de récréation et les karaokés. Taillée dans le même bloc narratif, cette suite à l’avenant est servie avec un supplément de sucre glace : Anna et Elsa étant réconciliées, l’enjeu dramatique majeur n’est plus leur opposition sororicide, mais le risque que l’une soit séparée de l’autre par des antagonistes qui, à une exception près, ne s’avèrent pas bien redoutables. Pour le reste, l’animation et la qualité des textures (en particulier celles de l’eau) demeurent d’une virtuosité stupéfiante, chaque plan semblant se présenter comme un manifeste technologique. Et naturellement, la bande-son se trouve saturée de chansons. Combien y en a-t-il ? Assurément trop et interchangeables pour Elsa et Anna racontant peu ou prou toujours des promesses de

C'est l'histoire d'une drôle de carpe et d'un lapin nonchalant, paire d'apparence mal branlée aux moitiés asymétriques et extravagantes. Elle, Ringer Catherine, fille de déporté, a fait la danseuse, du théâtre et même des films de sexe – son "service militaire" –, parce qu'il faut bien bouffer, ma bonne dame ; lui, Chichin Frédéric, échalas d'ascendance communiste, guitariste, a tâté du théâtre et de la tôle, parce qu'il faut bien payer ses erreurs, mon bon monsieur. Un couple dépareillé et fusionnel, un duo étincelant qui, depuis sa cuisine, mitonne des rythmes barrés en guise de petits plats, se batipse Rita Mitsouko : Rita comme la danseuse Rita Renoir ou comme Rita Hayworth, c'est selon, Mitsouko comme le sent-bon signé Guerlain que les dames bien nées s'arrachent quand eux s'attifent en (sacs) Félix Potin. La grâce et la crasse, la gloire et le caniveau comme réconciliés, rafistolés – pourquoi choisir ? – en une entité bien décidée à mettre un coup de tronche (et quelle tronche !) au paysage rock'n'roll hexagonal. Ces mariages arrangés devenus arrangeants infusent jusque dans la musique d'appétence glam, d'orientation orientale, de fun funky, d'aspiration afro, de

C’est peu dire que nous manque son regard d’épagneul breton authentique ; cet air d’éternel râleur abattu donnant plus de férocité encore à ses répliques pince-sans-rire et rendant sa gouaille parfois inquiétante. Jean Yanne (1933-2003) aura été à partir des années 1960 une sorte d’incarnation de l’esprit français – de son mauvais esprit plus souvent qu’à son tour. Son solide sens de la subversion allié à un goût pour le canular (reposant sur sa culture encyclopédique) fit le bonheur de la scène, de la radio et de la télévision (où il officia avec son alter ego Jacques Martin) avant de prendre toute sa mesure au cinéma. Premier à avoir dézingué les médias à la dérive dans le savoureux Tout le monde il est beau, tout le monde il est gentil (1972) qu’il réalisa et interpréta à partir de souvenirs choisis, Jean Yanne fut aussi l’un des comédiens les plus utiles pour les rôles redoutables de l’époque pompidolienne : une sorte d’Erich von Stroheim qu’on adorait détester. Le Ciné-Club célèbre ce Yanne ambigu à travers trois films ; trois perles noires défiant le temps autant que la morale.

Dans le dernier clip de Last Train, montage d'images réalisé par le guitariste Julien Peultier qui illustre The Big Picture, chanson-titre d’un deuxième album sorti en septembre, on peut voir le quatuor à différentes étapes de sa vie musicale, des premières répétitions alsaciennes aux concerts telluriques devant des foules immenses. On y voit surtout le chanteur Jean-Noël Scherrer électriser le public et le même, à 13 ans, martyriser une guitare trop grande pour lui dans quelque salon de rock'n'roll improvisé à la maison. Peut-être le jeune garçon d'alors s'imagine-t-il, comme tous les ados du monde, dans la peau d'une rock star, leader, chanteur et guitariste d'un groupe qui compterait dans le paysage rock français et même au-delà. Mais ce que le novice d'Altkirch (Haut-Rhin) n'imagine alors sûrement pas, c'est qu'une décennie plus tard, il sera aussi dirigeant et/ou associé de cinq sociétés, formateur, intervenant du Chantier des Francofolies, et surtout patron de Cold Fame, agence de diffusion et de production de concerts basée à Lyon

C'est un art que de savoir cultiver l'absence. Ces sept dernières années sans disque, Stephan Eicher les a comblées en faisant offrande de sa personne en une sorte de geste contre-voulzyenne. Rendu à l'impossibilité de donner un successeur à L'Envolée (2012), par quelque imbroglio avec sa maison de disques virant à la dispute d'apothicaires, le Suisse a occupé le terrain de l'absence en surinvestissant la scène. Jusqu'à en épuiser les possibilités : ici une formule à automates, là un orchestre balkanique et une beatboxeuse (expérience qui verra quand même naître un album d'auto-reprises fanfare-onnes baptisé Hüh). Rangé des querelles contractuelles, voici enfin que reparaît sans avoir jamais disparu le barde bernois. Discographiquement s'entend. Le single Si tu veux (que je chante), caressé de cordes sensibles, nous avait mis sur la voix de ces Homeless songs qui enfin trouvent un abri. S'étirent en plusie

« C’est une longue histoire, vieille de 25 ans. » Cette année, le festival œnologique et musical Le Millésime, qui émoustille les papilles et charme les oreilles de douces mélodies, est de retour pour célébrer son quart de siècle. Avec à l’honneur de ce cru 2019, Schubert et les vins de Savoie. « Il y a 25 ans, j’ai participé à l’organisation d’une manifestation pour laquelle une vingtaine de viticulteurs et leur œnologue étaient présents, explique Alain Gatheron, directeur du Millésime. J’ai appris mille choses pendant ce week-end de dégustation et j’ai réalisé à quel point ce monde-là était passionnant. C’est un peu comme ça qu’est née l’idée de faire un festival donnant aux gens des connaissances sur le vin qui leur permettraient de renouveler leurs conditions de dégustation. » Pour le directeur, musique et vin se marient bien car ces deux domaines « font appel à nos sens et à notre intelligence de manière indissociable ». Chaque année, six compositeurs de musique baroque, classique, romantique, moderne et jazz sont retenus en fon

On ne va pas se mentir : oui, la prestation impressionnante de Yugen Blakrok aux côtés de Vince Staples sur le titre Opps, issu de la BO du film Black Panther, a amplement contribué à braquer les projecteurs sur elle. Pour autant, il serait injuste de réduire la carrière de la MC sud-africaine, déjà longue d’une petite dizaine d’années, à ce seul coup d’éclat. Si cette dernière a su attirer l’attention du Californien Kendrick Lamar, en charge de la bande-son précitée, c’est avant tout parce qu’elle n’a cessé de développer un style bien à elle à la fois sombre, méditatif et inspiré. De son premier album (Return of the Astro-Goth, en 2013) à son dernier (Anima Mysterium, sorti en début d’année), la rappeuse du Cap décline ainsi sans fin un univers aussi cohérent qu’envoûtant aux résonances 90’s assumées, mais jamais écrasantes, dans lequel s’entrecroisent atmosphères de science-fiction vaporeuses, beats lourds, flow tranchant et assuré et propos engagés. Un peu comme si la scène hip-hop indépendante new-yorkaise de la fin des années 1990 s’était téléportée ving

Shake Shake Go C'est entre le live et l'infiltration d'internet que le groupe franco-gallois mené par Poppy Jones et Marc Le Goff s’est révélé, à force de tournées aux côtés de pointures comme James Blunt et Rodrigo y Gabriela et par la grâce d'un tube qui fit exploser leur notoriété à travers le monde – la ballade England Skies (2015), tête des charts digitaux, synchro en séries et dans la pub. Quelques mois plus tard sort l'album All in Time auquel succède l'an dernier Homesick mené par un autre single, beaucoup plus rock, Dinosaur. Le formatage est là et bien là mais la formule (on pense à des Lumineers avec une voix féminine) tape toujours dans le mille, mettant d’accord, en plus du public, une partie de la presse, des Inrocks au Figaro – qui sont pourtant rarement d'accord. À la Source jeudi 26 septembre Xavier Machault & Martin Debisschop Jamais à cours de projets, Xavier Machault s'

Emmanuelle, comment Cédric Kahn vous a-t-il présenté le rôle de Claire ? Emmanuelle Bercot : Cédric n’est pas quelqu’un qui présente les choses (sourire). En fait, j’ai lu et tout était clair. Mais à vrai dire, on n’a peut-être pas le même point de vue ni le même avis sur le personnage. Peu importe. De toute façon, il ne sait pas ce que j’ai dans tête quand je joue et je ne sais pas non plus ce qu’il a dans la sienne. Mais on réussit à se rejoindre par le travail sur le plateau. Catherine, qu’est-ce qui vous attendrit dans votre personnage ? Catherine Deneuve : Le fait qu’on sente que sa vie a été très portée par la famille. C’est une chose vraiment essentielle dans sa vie, je trouve ça assez touchant. On voit bien que la famille, c’est encombrant : il est difficile de garder ses membres ou les maîtresses ou les femmes. Mais c’est émouvant de consacrer sa vie à ça. Vous trouvez-vous des points communs avec elle ? CD : Je n’ai pas l’impression. En aviez-vous davantage avec les "mères" que sont Claire Darling dans

Pour son anniversaire, Andréa a convié enfants et petits-enfants dans la maison familiale. Mais l’irruption de l’aînée, Claire, met au jour (et à vif) plaies et dettes du passé. Entre la bipolarité de la revenante, les coups de sang du cadet et l’aboulie des autres, la fête a du plomb dans l’aile… Si les questions de corps au sens large – cul, inceste, maladie, décès… – constituent les habituels carburants dramatiques des réunions de familles cinématographiques souvent crues et psychologiquement violentes (Festen, La Bûche, Un conte de Noël…), aucune d’entre elles ne surpasse le tabou suprême que constitue le fric. Fille d’Andréa née d’un précédent lit, Claire veut récupérer l’héritage de son père qu’elle a placé dans la maison de famille où vivent sa mère mais aussi sa fille, qu’elle a abandonnée pour mener son existence instable et qui la hait. Dette d’amour, dette d’argent, silences embarrassés… Dans cette maison trop grande, dont les recoins pénombraux disent les non-dits coupables, personne, à l’exception du cadet, n’ose s’opposer à la fille prodigue ni prendre de décision : une lâcheté dilatoire et muette rè

Ash Le chorégraphe Aurélien Bory réalise souvent des portraits dansés de femme. Après Stéphanie Fuster et Kaori Ito, il a travaillé avec l’interprète indienne Shantala Shivalingappa. Le résultat est un solo envoûtant construit avec de nombreuses images évocatrices, notamment grâce à de la cendre au sol ou encore à une immense feuille de papier en fond de scène qui sert de percussions. Et à la présence magnétique de la danseuse, entre tradition et modernité. À l’Hexagone (Meylan) mardi 26 et mercredi 27 novembre L’Homme à tête de chou Créée en 2009 d’après l’album de Serge Gainsbourg repris par Alain Bashung (que l’on entend sur la bande-son mais que l’on n’a jamais vu sur scène, son état de santé à l’époque puis, factuellement, sa mort ne lui ayant pas permis d’être face au public), cette chorégraphie de Jean-Claude Gallotta est une pure merveille chargée en émotions qui n’est pas écrasée par ce double hommage (ce que l’on aurait pu craindre), mais au contraire aérée par la grammaire "gallottienne" ici à

Trois contes mêlant l’amour et la passion ; trois histoires à la lisière entre le rêve et la folie où la beauté des corps est cause bien des égarements… L’alléchante promesse de musiques signées Pontecorvo, Morricone, Prodominès ou Armand Amar peut légitimement susciter le désir du spectateur de découvrir ce film à sketches, dont l’affiche (outre les noms précités) assène de nouveaux arguments. Jouant sur l’esthétique érotique d’une femme nonchalamment étendue sur sa couche, à peine vêtue d’une chemise, elle incite à la curiosité l’amateur… d’estampes, disons. Il sera déçu, et pas seulement par la composante plastique de la chose, peuplée de nymphes hésitant entre la pose d’atelier et celle pour salle de bains. Quand le son n’est pas défaillant (un souffle carabiné parasite le premier segment, qui a dû se passer de sondier, de mixage ou des deux), ce sont des effets appuyés et un jeu outré qui confèrent au film un amateurisme grandiloquent. On peut ne pas le voir.

Lundi 15 juillet Pourquoi commencer doucement quand on peut d'emblée frapper fort ? C'est ce que semble nous dire le Cabaret cette année en son ouverture. Aux côtés du trip-hop local d'Aora Paradox, issu du cru annuel de la Cuvée grenobloise, le festival dégaine d'entrée ses deux plus grosses têtes d'affiche. D'abord, Camélia Jordana, créature Nouvelle Star qui n'a jamais su choisir entre le versant populaire de la chanson et une liberté d'expérimenter à tout va (en témoigne son dernier disque sous le nom de Lost). Ensuite, la grande Neneh Cherry, carton jamais démenti des années 1990 toujours sur le pont après un long hiatus et quelques collaborations dans les années 2000 (CirKus, The Thing). À 54 ans, cette pionnière du hip-hop féministe a toujours autant la rage contre tous les impérialismes politiques, comme le prouve son dernier album Broken Politics, produit comme le précédent par le très pointu Four Tet. Mardi 16 juillet Après une soirée

Comment le projet Une Plage en Chartreuse est-il né ? Catherine Contour : C’est une idée ancienne. Je vis dans la région depuis une vingtaine d’années et je suis amoureuse de la Chartreuse. La culture japonaise m’intéresse aussi depuis longtemps, notamment dans le rapport à la nature et au temps. Depuis trois ans, j’ai effectué plusieurs résidences en France et au Japon qui m’ont permis d’élaborer cette pièce mettant en résonance ce massif et la région du Kyushu. Je suis entourée pour ce projet par une équipe d’une quinzaine de personnes, constituée notamment de danseurs, musiciens et chercheurs. Quels parallèles dessinez-vous entre la Chartreuse et cette région japonaise ? Il existe pas mal de correspondances entre les deux, dans les paysages notamment. Tout comme certaines régions du Japon, la Chartreuse recèle des endroits sauvages, abrupts et contrastés, à la fois sombres et lumineux. Une certaine spiritualité reliée à la nature habite également ces deux lieux. Lors de ce

Réaliser un film sur une rock star aussi fantasque qu’Elton John ? Voilà le défi auquel s’est collé Dexter Fletcher en ne cherchant pas à raconter avec exactitude les événements passés mais en revendiquant « une course-poursuite imaginaire résolument loufoque et transgressive ». Et en privilégiant les moments-clés de la vie de l’artiste – sa rencontre avec son parolier Bernie Taupin, ses amours tumultueuses avec John Reid, son mariage blanc… Résultat ? Un film dans lequel la musique prend, bien évidemment, toute la place. Rocketman est ainsi nourri en séquences oniriques où la star et ses fans entrent en osmose grâce à une mise en scène dont les procédés (ralentis, envolés…) exacerbent l’émotion. Une émotion bien relayée par l’acteur Taron Egerton qui réinterprète toutes les chansons et s'enflamme dans des costumes outranciers. En découle un drama pailleté flamboyant, à la fois biopic et comédie musicale. Et un film très prévisible. À la gloire d’Elton Car bien que Lee Hall (l'auteur de Billy Elliot) ait été convoqué pour raconter l’enfance malheureuse

Une station de ski dont il ne reste que des vestiges (Saint-Honoré 1500, dans le sud de l’Isère, au-dessus du plateau matheysin) + deux compagnies basées à Grenoble (Ke Kosa de Giulia Arduca et Épiderme de Nicolas Hubert) = une demi-journée de danse contemporaine en pleine nature. Voilà comment on peut résumer le projet La Chaud vive !, sous-titré « rencontre au sommet » et proposé par ces deux chorégraphes qui racontent être littéralement tombés amoureux des paysages magnifiques entourant la station de ski désertée située sur la commune de La Chaud (d’où le jeu de mots). Ils proposeront ainsi trois spectacles plutôt courts (entre 20 et 40 minutes) et gratuits dans trois lieux différents de ce drôle d’espace, mais toujours à l’air libre. L’aventure commencera à 16h avec Toucher pas touché, toute nouvelle création de Nicolas Hubert (que nous n’avons donc pas vue) pour deux interprètes (dont Nicolas Hubert) et un musicien. Suivra, à 18h, « l’aventure chorégraphique et théâtrale » Cinquecento de Giulia Arduca, pour là a

« Le spectacle met le public dans un état de laisser-aller assez dingue. Il y a un côté : chacun peut être comme il a envie d’être, alors lâchons tout ! Au début, je ne comprenais pas pourquoi tout le monde gueulait autant, même pendant les chansons. Puis, au fil des représentations, j’ai compris. Et c’est plutôt agréable en fait ! » Depuis un an, un show né à Grenoble fait de plus en plus parler dans la région. Et galvanise littéralement le public comme nous l’avons constaté lors d’une représentation lyonnaise, et comme nous l’a confirmé le comédien grenoblois Colin Melquiond (dit Coco Mojito au plateau). Soit, sur scène en mode cabaret (avec bar ouvert pendant toute la représentation), des comédiens qui se transforment en drag-queens pour proposer une série de numéros en play-back sur différents morceaux tous interprétés par des femmes – Gloria Gaynor, Yma Sumac, Diam’s ou encore un improbable trio (dit "des secrétaires") composé de Dorothée, Jane Birkin et Karen Cheryl. Un choix de ne pas chanter en live à la base questionné par la troupe mais qu

Située dans le quartier Bouchayer-Viallet, au sein des anciennes usines Cémoi, l’association Solexine propose depuis 20 ans de nombreux projets d’éducation populaire à des personnes en situation de fragilité. Il est probable que cette mission ait joué dans la proposition que l’association a faite au Musée de Grenoble d’imaginer une exposition qui puisse être une réflexion sur la manière dont on se met en scène, en tant qu’artiste ou en tant que sujet, pour témoigner de ce qui nous traverse intimement ou socialement. Une exposition qui convoque de grands noms de l’art contemporain. Tandis que le dessin hyperréaliste d’Oscar Muñoz et la magnifique composition géométrique de Leonardo Cremonini jouent ainsi de l’absence de personnes pour inciter notre regard à imaginer les fictions susceptibles de se jouer dans ces intérieurs vides aux allures de décors, les photographies de Patrick Faigenbaum nous présentent deux sujets plongés dans leur « dé

En novembre dernier, le groupe Therapie Taxi, phénomène générationnel du moment chez les millennials multipliant les concerts sold-out, enflammait la Belle électrique le temps d’une soirée mémorable. Bonne nouvelle : Adé, Raph, leurs musiciens et tous leurs tubes (Hit sale, Salop(e), Avez ta zouz…) seront de retour à Grenoble l’an prochain, dans une salle encore plus grande : le Summum. Alors bloquez votre samedi 4 avril si vous êtes fan de ceux qui nous expliquaient dernièrement qu’être cru « est un exercice qui nous plaît, assez grisant ». La billetterie est déjà ouverte.

C'est un événement attendu à Grenoble que le dévoilement de la programmation du festival Cabaret frappé qui, tel un phare dans la nuit (certes courte) de juillet, vient éclairer l'été grenoblois. Et surtout l'animer musicalement. Avec toujours chevillées au corps et au cœur (de la programmation donc) une certaine idée de l'éclectisme et une idée certaine de la gratuité, puisque le prix est, rappelons-le, de nada, walou, que tchi. Or, à ce tarif défiant toute concurrence, rien qu'en ouverture lundi 15 juillet, on nous offre la très tendance caméléone Camélia Jordana et la légende Neneh Cherry. Et le lendemain, deux pépites, deux ovnis même, venus tout droit de la belle province (le Québec) pour lesquels la critique s'enflamme : Hubert Lenoir et Charlotte Cardin. S'ensuivront comme ça, au débotté (l'entièreté de la programmation est à consulter en bas de cet article), pour les jours suivants : un autre ovni

Reporter talentueux mais un peu trop intègre, Fred démissionne quand un magnat pourri rachète son journal. Au même moment, Charlotte Field, la secrétaire d’État visant la Maison Blanche, recherche une plume. Coup de bol, elle a été la baby-sitter de Fred quand il était ado… Actualisation d’un thème hollywoodien ô combien classique (le mariage de la carpe et du lapin ou, plus prosaïquement, de la belle et la bête), ces retrouvailles sont conformes à ce que l’on peut espérer, compte tenu de la présence glamour de Charlize Theron et de celle, plus transgressive, de Seth Rogen : une charmante comédie sentimentale, relevée d’une sauce façon Farrelly – on vous passe l’ingrédient principal. À l’inévitable romance permettant à Madame Parfaite (modèle de luxe, avec élégance incarnée) de fendre l’armure et à Monsieur Tout-le-monde (version très hirsute) de quitter sa posture d’adolescent rebelle, s’ajoutent les possibilités de comédie offertes par le contexte politico-médiatique, dans les coulisses d'une Maison Blanche occupée par un clown moins intéressé par la conduite de la Nation que les directives de ses donateurs ou sa future re

Si, pour le commun des mortels, le terme "électro" sert avant tout de bannière un peu floue pour définir l’ensemble des musiques électroniques, il désigne aussi un courant musical bien spécifique, né au début des années 1980 de la rencontre entre la synth-pop des groupes Kraftwerk et Yellow Magic Orchestra et les rythmiques naissantes du hip-hop. À la suite du succès massif du Planet Rock d’Afrika Bambaataa en 1982, l’électro va se diffuser comme une traînée de poudre, de Los Angeles à Miami en passant par Détroit, où, sous l’influence de Juan Atkins et de son groupe Cybotron, elle va progressivement donner naissance aux rythmes 4x4 répétitifs de la techno… qui ne tarderont pas à l’éclipser sur les pistes de danse. Si elle reste depuis confinée à un relatif underground, l’électro n’a pourtant jamais vraiment disparu, et reste la principale force motrice d’artistes comme DJ Stingray. Patience et longueur de temps DJ depuis 1983 et producteur depuis 1987, Sherard Ingram de son vrai nom est pendant longtemps resté dans l’ombre. Alors que tant d’artistes de Détroit voient leur carrière décoller, il passe les années 1990 à tra

Pourquoi avoir choisi d’aborder ce sujet ? Comme toujours, c’est la conjonction de plusieurs choses. On part souvent d’un roman qu’on adapte à l’écran ; là j’avais envie d’une démarche inverse, de partir de tout le travail d’enregistrements, d’entretiens et de reportages fait par David Thomson sur tous ces jeunes qui s’engageaient pour la Syrie et sur ces repentis qui en revenaient. Comme c’était de la matière brute, vivante, et qu’il n’y avait pas de source policière ni judiciaire, j’ai eu envie de mettre ça en scène ; de donner des corps, des visages, des voix. Dans les dialogues du film, il y a beaucoup de greffes, d’injections qui viennent de la parole de ces jeunes radicalisés. Mais j’avais envie que ça devienne un objet de cinéma : la fiction, c’était pour moi le regard sur ces radicalisés de quelqu’un de ma gén

On en parlera beaucoup plus longuement dans un mois, lorsque le spectacle repassera à Grenoble (samedi 1er juin à la Bifurk) mais sachez déjà que Les 12 Travelos d'Hercule est une réussite qui fait plaisir à voir ! Soit des comédiens qui, le temps d’une soirée, deviennent des drag-queens et font du playback sur des chansons très, mais alors très variées. Comme ça, ça semble facile, mais oh que ça ne l’est pas ! Alors prenez vite vos places, car vu le succès que rencontre cette aventure depuis ses premières dates grenobloises l’an passé, ça risque de très vite afficher complet.

Printemps 2015. Dirigeant un centre équestre, Muriel (Catherine Deneuve) se prépare à accueillir Alex (Kacey Mottet Klein), son petit-fils en partance pour Montréal. Mais ce dernier, qui s’est radicalisé au contact de son amie d’enfance (Oulaya Amamra), a en réalité planifié de gagner la Syrie pour effectuer le djihad. Muriel s’en aperçoit et agit… Derrière une apparence de discontinuité, la filmographie d’André Téchiné affirme sa redoutable constance : si le contexte historique varie, il est souvent question d’un "moment" de fracture sociétale, exacerbée par la situation personnelle de protagonistes eux-mêmes engagés dans une bascule intime – le plus souvent, les tourments du passage à l’âge adulte. Ce canevas est de nouveau opérant dans L’Adieu à la nuit, où des adolescent·es en fragilité sont les proies du fondamentalisme et deviennent les meilleurs relais des pires postures dogmatiques. Muriel, ou le temps d’un départ Sans que jamais la ligne dramatique ne soit perturbée par le poids de la matière documentaire dont il s’inspire, L’Adieu à