Spécialiste incontesté des croisements entre compétitions de skate et concerts de rock (on leur doit notamment l’organisation du fameux Skate Rock Contest, dont on s’est déjà fait plusieurs fois l’écho dans ces pages), le Skatepark de Grenoble remet le couvert samedi 27 octobre de 17h à 1h à la Bifurk, avec une édition spécial Halloween qui s’annonce d’ores et déjà haute en couleur. Intitulée Halloween skate or treat, cette dernière accueillera ainsi, outre le traditionnel concours de déguisement associé à ce type d’événement, deux jam sessions distinctes de 20h à 21h et de 22h à 23h, entrecoupées de deux concerts. Alliant trash et death-métal pour un résultat « ravageur et percutant », Shräpnel se chargera d’ouvrir les hostilités entre 21h et 22h. Auteur d’un rock garage psychédélique à la fois sombre et groovy influencé par le versant le plus obscur des années 1960, le duo orgue/batterie Moonrite (photo) s’occupera quant à lui de clôturer cette soirée prometteuse aux alentours de 23h.

On aurait vite fait d'enfermer Calypso Valois, prénom de nymphe, nom grand-maternel plein de noblesse, dans ce cercle familial quelque peu oppressant ou ce réseau d'influences piégeux qui est le lot des fils et filles de. Mais ce serait ignorer l'écoute de son album Cannibale écrit et composée par elle seule, avec certes l'excellent Yan Wagner à la réalisation et Jean-Louis Piérot au mix. Un album qui, comme l'annonce son titre, se révèle vorace tant il semble vouloir se mettre sous la dent tout ce que la pop, française mais pas seulement, compte de variations, d'esthétiques, d'approches – en tirer une seule du lot serait comme tenter de jouer au mikado avec les composantes d'un disque qui vaut davantage que la somme de ses parties, en dépit de titres phares comme Le Jour, Vis-à-vis, Apprivoisé et bien sûr Cannibales (au pluriel, cette fois). En d'autres termes : on va ici un peu plus loin, sans pour autant la r

Que serait-il advenu si le Velvet Underground était né à Villejuif, Val-de-Marne ? Sans doute pas grand-chose, et la face du rock en eut probablement été changée. Pourtant, lorsque l'on écoute le titre éponyme d'une drôle de formation baptisée le Villejuif Underground, on se dit que, décidément, dans le monde merveilleux de la musique alternative, tout est possible. Y compris qu'un Australien vienne s'installer au sud de Paris pour y commettre l'un des projets les plus zinzins de ces derniers mois avec une poignée d'autochtones. L'homme se nomme Nathan Roche et, après une douzaine de groupes et trois projets solo derrière lui, il semble bien avoir trouvé dans le Val-de-Marne et avec ses trois compères du Villejuif Underground son eldorado musical. Au point de séduire le patron du label Born Bad, Jean-Baptiste Guillot, dont le VU est la dernière trouvaille et qui a publié l'EP (Heavy Black Matter) contenant le titre signature du groupe : Villejuif Underground. Entretemps, le quatuor avait publié un LP, mélange de garage, de bricolage et de "loureederie" (l'inaugural Visions for Shannon). Mais sur

Qui a vu le film culte Cannibal Holocaust (1980) n'en a sûrement jamais effacé les images de sa rétine. Dans ce vrai-faux docu longtemps interdit et si monstrueusement réaliste que son réalisateur, Ruggero Deodato, a dû apporter les preuves devant un tribunal italien que ses acteurs étaient encore en vie, un groupe de journalistes en quête de sensation et fort antipathiques part à la recherche d'une tribu cannibale au cœur de la forêt amazonienne et se fait recevoir avec les honneurs dus à son manque de savoir-vivre : les voilà transformés en brochettes humaines sauce état de nature, confirmant au passage l'adage selon lequel l'homme est un loup pour l'homme et que tel est pris qui croyait prendre. On ne sait guère à quelle sauce Jean-Baptiste Guillot, boss du label français indépendant Born Bad, s'attendait à être mangé lorsqu'il enfourcha sa moto à destination d'un coin reculé de Normandie à la rencontre d'une tribu elle aussi Cannibale, dont la réputation commençait à bruire à travers les feuilles jusqu'aux oreilles des suiveurs de l'émergence musicale – il était temps, les membres de Cannibale, la quarantaine bien tapée, avaient officié de

A-Wa Les trois sœurs Haim n'en finissent plus de passer près de chez nous – ce sera leur cinquième date dans la région en tout juste deux ans. Et de s'ouvrir toutes les portes depuis la parution de leur Habib Galbi, transformé en hit au fil des mois (y compris en Israël, chose très rare pour un morceau chanté en arabe) et flanqué d'un album tout aussi réjouissant baptisé du même nom. Soit des chansons issues du répertoire traditionnel yéménite qu'elles ont souhaité s'approprier, le malaxant de leurs multiples influences allant des Beach Boys (ah, les harmonies vocales !) à Kendrick Lamar. On est fans, surtout en concert. À la Rampe mardi 26 septembre Amadou et Mariam Ils sont loin les Dimanche à Bamako (15 ans déjà) qui ont mis Amadou et Mariam sur la carte de la musique internationale (après 15 ans d'une première carrière) et ont permis de démontrer que la musique malienne allait bien au-delà de la kora traditionnelle e

Depuis maintenant une bonne dizaine d’années, a émergé en France toute une nouvelle vague de "sensations électro-pop-rock du moment", souvent très soutenues médiatiquement mais dont l’habillage arty/indépendant a parfois de plus en plus de mal à camoufler une fadeur absolument terrifiante. Soit, pour reprendre les termes de l’excellent critique musical Etienne Menu, « toutes ces choses hyper-standardisées qu'on voudrait faire passer pour de la musique pointue, alors qu'elles sont de l'indie FM calibré pour servir de musique de pub ou de jingle ». D’où la profonde sensation de soulagement et de bonheur ressentie à l’écoute de Basement Dreams Are The Bedroom Cream, premier album solo de Guillaume Marietta, chanteur du groupe français de rock psyché The Feeling Of Love. Recueil de chansons pop/folk lo-fi intimistes bricolées à l’abri des regards, Basement Dreams… ressuscite ainsi une certaine atmosphère psychédélique tout droit venue des 70’s, sans jamais tomber dans le piège de la citation à outrance pour autant. Lignes mélodiques à tomber par terre, arrangements d’une finesse infinie, chant sensible mais pas maniéré

En marge de l’optimisme béat du "flower power" et des "summers of love", les années 1960 ont également abrité en leur sein une déclinaison plus sombre et tripée de la contre-culture hippie, mêlant sexe, drogues, psychédélisme et rituels occultes. Cette dimension quasi gothique, reflet autrement plus réaliste d’une époque marquée par de nombreux troubles et explosions de violence, est très clairement celle qui a servi d’influence principale à la musique de Moonrite. Duo de garage rock psychédélique au format atypique (un orgue et une batterie) formé en 2014 par deux frères déjà très présents au sein de la scène rock grenobloise (Towerbrown, Firecrackers, Qasar…), Moonrite évolue ainsi dans un univers musical sombre, étrange mais néanmoins toujours groovy semblant tout droit sorti d’un film d’exploitation de série B. À l’occasion de la sortie de son premier album éponyme sur le label allemand Soundflat Records, le groupe viendra faire découvrir ses nouvelles compositions à l’occasion d’une "release party" au Maïly’s aux côtés de The Sex Organs, autre duo bien déjanté dont le "trash’n’roll" teinté de garage a su séduire le label suisse Voodoo Rh

Ouvert en mars dernier au 27 place Jean Prévost, en lieu et place du 69, le bar-restaurant le Maïly’s s’est transformé ces derniers mois en véritable plaque tournante pour les amateurs de concerts rock et assimilés. Convivial et sans prétention, le lieu ne se cantonne pas pour autant à la seule scène locale, comme le prouvent les deux très bons concerts qui y sont organisés cette semaine. Première étape dès ce mercredi 4 novembre (oui, là, maintenant, tout de suite) avec la formation garage/psyché/fuzz suisse The Jackets (en photo), signée sur le label Voodoo Rhythm, accompagnée en première partie du duo orgue/batterie local Moonrite qui réunit Yann Cracker de Towerbrown et Julien de Qasar autour d’un univers dark/pop/psyché furieusement 60’s. Puis rebelote dès le lendemain (le jeudi 5 donc, si vous avez suivi) avec une Fête Souterraine organisée par Franche Touche et le label parisien La Souterraine qui accueillera le rock hardcore d’Et Après ?, le synth-punk de Taulard, et enfin la garage pop mélancolique du quatuor parisien Requin Chagrin qui commence à beaucoup, beaucoup fair

Si, pour le commun des mortels, la musique des années 60 se résume avant tout aux groupes de pop, rock et folk anglo-saxons qui affolaient les charts de l’époque, une petite communauté disparate d’artistes a quant à elle focalisé son attention sur un versant musical nettement plus obscur de cette décennie : celui des illustrateurs sonores et compositeurs de musiques de films européens. Repliés dans leurs studios, loin des projecteurs, groupies et autres publics de fans transis, ces derniers ont donné naissance à un nombre assez sidérant de pépites musicales d’une richesse, d’une inventivité et d’une puissance d’évocation souvent sans commune mesure. Au-delà des crate-diggers et autres producteurs archivistes en quête de samples imparables, des artistes comme Ennio Morricone, Francis Lai, François de Roubaix ou Jean-Claude Vannier (pour ne citer que les plus connus) ont ainsi inspiré toute une nouvelle génération de musiciens séduits par leur mélange inspiré de psychédélisme, de prog-rock et de synthés vintage aux sonorités troublantes. À ce petit jeu là, difficile de trouver plus convaincant qu’Emile Sornin, leader du groupe Forever Pavot dont le to

Si, pour le commun des mortels, la musique des années 60 se résume avant tout aux groupes de pop, rock et folk anglo-saxons qui affolaient les charts de l’époque, une petite communauté disparate d’artistes a quant à elle focalisé son attention sur un versant musical nettement plus obscur de cette décennie : celui des illustrateurs sonores et compositeurs de musiques de films européens. Repliés dans leurs studios, loin des projecteurs, groupies et autres publics de fans transis, ces derniers ont donné naissance à un nombre assez sidérant de pépites musicales d’une richesse, d’une inventivité et d’une puissance d’évocation souvent sans commune mesure. Au-delà des crate-diggers et autres producteurs archivistes en quête de samples imparables, des artistes comme Ennio Morricone, Francis Lai, François de Roubaix ou Jean-Claude Vannier (pour ne citer que les plus connus) ont ainsi inspiré toute une nouvelle génération de musiciens séduits par leur mélange inspiré de psychédélisme, de prog-rock et de synthés vintage aux sonorités troublantes. À ce petit jeu là, difficile de trouver plus convaincant qu’Emile Sornin, leader du groupe Forever Pavot dont le to

Carlos, tailleur discret de Grenade, aime les femmes. Mais attention, il les aime bien préparées. Aussi habile avec un fil et des aiguilles qu’avec un couteau de boucher, il déguste ses victimes selon un rituel presque monotone, sans en tirer de plaisir apparent. On a présenté les choses avec un poil d’ironie, mais Amours cannibales en est résolument dépourvu. Au contraire, la froideur de la mise en scène renvoie plutôt à la "glaciation émotionnelle" tant vantée par Michael Haneke. Même lorsqu’une histoire d’amour, une vraie, se profile entre Carlos et la sœur d’une des femmes qu’il a tuées, Cuenca ne déroge pas à sa grammaire : plans tirés au cordeau, absence de musique, quête de distance et d’atonie dans l’approche des événements. Cette forme-là, respectable dans son principe mais devenue très académique à force d’être mise à toutes les sauces, est assez contre-productive dans le cas d’Amours cannibales. On n’est jamais loin du pléonasme tant la grisaille et l’absence de passion semblent envahir en permanence et l’action, et les personnages, et l’approche visuelle de Cuenca. Même les scènes gore ne créent pas vraiment de malaise, fondues dans l’apathi

« Dur plutôt que pessimiste. » David Bobée, jeune metteur en scène de Cannibales, résume ainsi son propos. « Ce n’est pas une thèse sur la société d’aujourd’hui mais le regard subjectif de personnes trentenaires sur ce mode de vie-là, sur cette image du bonheur que l’on nous donne comme quelque chose d’attirant » nous expliquait-il en interview. Car oui, Bobée ne se pose pas en donneur de leçons, mais élabore un spectacle sensitif total, d’une beauté plastique subjuguante (avec l’utilisation habile de la vidéo). Dans un grand loft aseptisé, déshumanisé et Ikéaïsé (notre homme a véritablement compris tout ce que le mot scénographie voulait dire), évoluent ainsi une demi-douzaine de jeunes acteurs-acrobates, au son du rock indé (Radiohead) ou du folk envoûtant (Herman Düne). On n’en dira pas plus, car Cannibales est une proposition à vivre plus qu’à commenter, mais vous comprendrez aisément que l’on est plus qu’enthousiastes ! On émettra simplement une réserve, qui pourrait paraître de taille mais qui ne l’est point : le texte de Ro

Petit Bulletin : Cannibales semble être un spectacle générationnel sur des trentenaires paumés entre l’être et l’avoir ?C’est une des grandes thématiques du spectacle, troisième volet d’une trilogie réalisée avec l’auteur Ronan Chéneau – avec qui je bosse depuis une dizaine d’années. Cette trilogie est née au moment où l’on avait vingt-cinq ans et où, en ayant tiré au maximum sur l’adolescence, il fallait bien que l’on accepte notre statut d’adulte, avec toutes les questions sous-jacentes : qui est-on, dans quoi s’inscrit-on, dans quelle société, comment on agit dessus, ou comment on ne peut pas… Donc effectivement, c’est très générationnel puisque cela parle d’ici, de maintenant, et avec nos yeux. Avec nos yeux, car ce n’est pas une thèse sur la société d’aujourd’hui mais le regard subjectif de personnes trentenaires sur ce mode de vie-là, sur cette image du bonheur que l’on nous donne comme quelque chose d’attirant. Votre vision a l’air assez pessimiste, notamment à cause du titre de la pièce…C’est dur plutôt que pessimiste. Le titre et la première scène du spectacle [« Un couple de trentenaire rentre chez-lui, s’embrasse,