Prenant l’emblématique pièce May B (1981) comme fil rouge, le documentariste David Mambouch retrace le parcours de la chorégraphe Maguy Marin en sa compagnie et celle des membres… de sa compagnie. Un regard intime et familial embrassant près d’un demi-siècle d’une aventure chorégraphique particulière… Cela fait près de quarante ans que David Mambouch suit au plus près le travail de la chorégraphe, dans les coulisses et en bord, voire sur scène. Et pour cause : il est son fils. C’est donc de l’intérieur qu’il peut témoigner de la progressive construction d’une œuvre, dans sa cohérence et son intégrité morale (en résonance avec des enjeux sociaux et des problématiques historiques, économiques ou humanistes), mais aussi de ses nécessaires évolutions artistiques (comme l’introduction de la parole et le glissement vers la "non-danse") rendant plus intelligible encore le propos ou le message politique sous-tendant chacune des créations de l'artiste. Portrait collectif d’une femme de troupe ind

Le capitalisme c’est pas bien, et ça a fait beaucoup de mal : voilà, résumé de façon lapidaire, le propos de la dernière création de la chorégraphe Maguy Marin baptisée Deux mille dix sept – elle a cherché un titre longtemps, avant de choisir celui-ci, on ne peut plus factuel (la pièce a été créée l'an passé). Un propos largement documenté en amont qu’elle illustre, comme à l'accoutumée, avec force d'images soignées plus théâtralisées que chorégraphiées. Pourquoi pas (surtout que son analyse est pertinente), mais dans ce cas précis, tout est beaucoup trop appuyé, désincarné et long pour toucher le spectateur. Et semble même par moments daté de chez daté. « L'état social actuel est assez catastrophique, de plus en plus de gens tentent de survivre, prennent des bateaux pour vivre… Cette situation n'arrête pas de cogner » nous avait-elle répondu il y a quelques semaines lorsque, dans le cadre d'une interview à l'occasion de la reprise à la MC2 de son spectacle culte

Avec De Sainte-Foy-lès-Lyon​ à Rio : May B à la Maré, une fraternité, c'est une page de l'histoire de la danse que nous verrons à la MC2. Cette pièce n'a jamais cessé d'être présentée depuis sa création en 1981, à l'exception de pauses de deux ou trois ans : dingue ! La danseuse Lia Rodrigues (dont les travaux chorégraphiques récents ont été vus à Grenoble – Pindorama, Pororoca, Incarnat…) faisait alors partie de la distribution. Trente-cinq ans plus tard, elle l’a transmise aux élèves en formation continue de l'École de danse libre qu'elle a montée à la Maré, une des favelas les plus âpres de Rio de Janeiro. Le résultat est remarquable. Inspirée par l’œuvre du dramaturge Samuel Beckett (d’où le côté très danse-théâtre du résultat), May B posait déjà à l’époque tant d'éléments de ce qui fera la force du travail chorégraphique de Maguy Marin : une conscience politique aigüe des dominants et dominés mêlée à un souffle de vie qui affleure des décombres. Semblables à des zombies ayant passé des heures sous les gravas sans doute dus à un séisme ou des bomba

Maguy Marin, Anne Teresa de Keersmaeker, et maintenant Lucinda Childs... Que de succès féminins pour Ludwig van Beethoven et sa Grande Fugue, l'une de ses dernières pièces musicales composée entre 1824 et 1825. Ces trois grandes dames de la danse ont, chacune dans leurs univers dissemblables, été fascinées par ce quatuor à cordes, controversé à l'époque de sa création et aujourd'hui considéré comme le sommet de l’œuvre de l’Allemand. Car Beethoven y entremêle la puissance d'expression dramatique qu'on lui connaît à une forme de composition des plus complexes : une savante combinaison de sonate, de fugue et de variation, ainsi qu'une structure contrapuntique. Inventant sa danse au plus proche des partitions musicales qu'elle entreprend de travailler, on imagine alors la jubilation d'Anne Teresa de Keersmaeker devant un tel monstre sacré. Sa Grande Fugue, créée en 1992 et transmise au Ballet de l'Opéra de Lyon en 2006, dessine, avec huit interprètes

Sur une scène plongée dans la pénombre, des bourdons martèlent leurs masses électroniques en fusion sur le tambour de nos tympans. Un véritable enfer techno au beau milieu duquel, incongrus, six danseurs entament une farandole sur six plans inclinés. Un pas sur le côté, deux pas en avant, main dans la main, ils filent ensemble leur petite joie de vivre collective alors qu'autour d'eux, les rasoirs d'acier de la musique découpent l’espace et le temps en lamelles acérées. Il y a "bit" et "bit" semble vouloir dire Maguy Marin à travers ce contraste ; rythme et rythme. Si important pour la chorégraphe, ce n'est pas le tempo ou la cadence répétitive du mouvement, mais le cœur rythmique de chaque individu, comme de chaque collectif. La musique qui bat entre nous Maguy Marin entremêle ainsi les cadences infernales de la techno avec les rythmes d'une farandole, petite frise humaine se découpant sur le plateau, s'égayant en gestes presque enfantins, montant et descendant les pentes de la vie et du monde... « La seule question qui vaille au fond, déclare la chorégraphe, c'est : comment produire de la musicalité entre nous ? Comment les rythmes

Ils transpirent, étouffent, en bavent littéralement, les danseurs du ballet de l'Opéra de Lyon derrière leurs masques à la fois poupons et étranges, trop à l'étroit dans leurs habits boursouflés... Pour Cendrillon, sa première création en 1985 avec le ballet de Lyon, Maguy Marin ne ménage pas ses interprètes ni les fondements de la danse classique. « Je ne renie pas cette pièce même si elle est très loin de moi ; à présent, je ne suis plus trop dans cet esprit. Mais ça fait partie d'un processus. C'est un exercice intéressant de se confronter à une partition et un livret déjà écrits, ça permet de traverser des choses singulières et de passer entre elles pour exprimer autre chose, justement. » La pièce de répertoire est transposée ici dans un univers de jouets, de pantins maladroits, de pantomime, où le féerique et la naïveté s'y disputent à la cruauté et aux angoisses infantiles. Cendrillon est un peu godiche en esquissant ses entrechats et en se raccrochant à son balai ; son prince est un peu fade et fat dans ses mouvements aux raideurs de soldat de plomb. Maguy Marin a inclus tellement d'obstacles et de difficultés dans sa pièce que celle-ci exige par

Petit Bulletin : Pourquoi quittez-vous la direction du CCN ?Maguy Marin : Je suis à Rillieux [une ville à la périphérie de Lyon – NDLR] depuis douze ans. Avant, je dirigeais le CCN de Créteil... Aujourd’hui, j’ai envie de créer en dehors de mes fonctions de directeur d’un CCN. Ensuite, je pense que le CCN de Rillieux existera réellement en tant que structure quand il ne sera plus attaché à un seul nom. Et, si j’ai eu beaucoup de plaisir à être à Rillieux, cela m’a demandé également une présence très suivie. J’ai envie de retrouver un autre temps de travail. On a pu lire que vous souhaitez « reprendre votre liberté », est-ce bien de cela dont il s’agit ? La liberté, c’est un bien grand mot. S’engager à la tête d’une structure comme le CCN, c’est un peu comme avoir un enfant : quand on l’a, on ne peut plus sortir tous les soirs. Cela demande beaucoup d’attention, beaucoup de présence. Ce n’est pas que je n’ai pas été libre pendant douze ans, mais je n’avais pas la possibilité de partir en résidence dans une autre ville, de m’absenter trop longtemps. Je reprends ma mobilité plus que ma liberté. Je vais limiter m

Depuis plusieurs années, Maguy Marin ralentit et intensifie le geste chorégraphique : elle a fait marcher de manière répétitive ses interprètes au milieu de grands miroirs dans Umwelt, les a assis devant des pupitres dans Ah ! Ah !, et les compose en différents tableaux quasi picturaux dans Turba. Cette pièce, créée en 2008, est pourtant un hymne au désordre, au chaos fertile en nouvelles formes de vie... Il s'agit en l'occurrence d'une adaptation du De Natura Rerum de Lucrèce, poème philosophique épicurien, où tout n'est que mouvement et transformation ! Mais si la turbulence ne se traduit pas ou plus à travers la mise en mouvement des corps, elle se concrétise d'une autre et géniale façon en faisant circuler les intensités de leurs présences sur scène, les images qu'ils cristallisent un instant, en éclatant aussi le texte de Lucrèce dit par les danseurs en différentes langues. Ce théâtre-danse du fragment et de l'éclat est très proche du théâtre composite et polyphonique de François Tanguy. Pièce chorale, Turba fait danser les émotions, les mots, les masques, les "cadrages", les chants, les costumes, les tableaux (avec des références évidentes à Velasquez par exemple)...