La stratégie du choc

ECRANS | Panorama / Considérée comme une période dédiée aux films «sérieux», la rentrée cinématographique 2012 envoie un contingent de films excitants sur les écrans. Avec, déjà, quelques coups de cœur ! Christophe Chabert

Dorotée Aznar | Jeudi 22 décembre 2011

Photo : "Bullhead" de Michaël R. Roskam


En attendant de voir le biopic signé Eastwood autour d'Egar Hoover avec Di Caprio dans le rôle du chef du FBI très réac, très parano et un peu pédé ; en attendant de jauger l'accueil réservé à la résurrection en 3D de deux blockbusters à succès (Titanic et Star Wars épisode 1, que Lucas aurait mieux fait de retourner dans son intégralité) ; et en attendant de confirmer les rumeurs flatteuses qui entourent le nouveau Spielberg Cheval de guerre, il faut d'ores et déjà louer le cinéma américain qu envoie un putain de grand film dans les dents des spectateurs dès le 18 janvier. Rien d'étonnant, direz-vous, puisqu'il est signé David Fincher… Mais on pouvait craindre qu'il ne s'embourbe dans l'adaptation du Millénium de Stieg Larsson, qui avait donné un interminable téléfilm derrickien. Grave erreur ! Non seulement Fincher réussit ici une version 2.0 palpitante de cette daube arthritique, mais le 2.0 est également son territoire de jeu. De l'opposition narrative entre le journaliste Blomqvist et la punkette Salander, le cinéaste tire un clash esthétique et théorique où les images d'hier sont bousculées par l'irruption du numérique. Deux corps, deux époques, deux cinémas : ce Millénium est aussi audacieux que le précédent Fincher, The Social network.

La tête contre les murs

Pendant ce temps, en Europe, ça bouge dans tous les sens. En Russie, Andrei Zviaguintsev fait oublier son chiantissime Bannissement avec Elena (7 mars). Tout ici est affaire de conflit entre les riches (arrogants, égoïstes, mesquins) et les pauvres (beaufs, buveurs, bagarreurs) ; sauf que le cinéaste invente un personnage incroyable (la Elena du titre) qui navigue entre les deux et permet au film de bousculer tous les clichés… En France, Eric Guirado a curieusement signé un film au sujet proche (et qui sort le même jour), Possessions. S'il n'a pas l'ampleur cinématographique d'Elena, le film a pour lui un sacré culot, celui d'aller au bout de son fait-divers et de sa noirceur, refusant la leçon de morale et les jugements faciles : quelque chose ne tourne pas rond, nous dit-il, et le cinéma ne peut que s'en faire l'écho inquiet. Le déraillement, c'est aussi le sujet d'une authentique claque venue de Belgique : Bullhead de Michaël R. Roskam. Un film (de) fou, où ce jeune cinéaste virtuose malaxe histoire mafieuse déviante, drame existentiel et comédie sur l'impossible réconciliation entre Wallons et Flamands. Mélange aussi improbable que les pots belges que s'injecte son héros hallucinant, mais que Roskam maîtrise jusqu'au tournis des sens.  Un choc, encore un !

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Benni

ECRANS | Des hurlements à déchirer cœur et tympans, une rage indicible ancrée au plus profond des tripes ; des poings, des pieds prêts à voltiger en tout sens si par (...)

Vincent Raymond | Mercredi 24 juin 2020

Benni

Des hurlements à déchirer cœur et tympans, une rage indicible ancrée au plus profond des tripes ; des poings, des pieds prêts à voltiger en tout sens si par malheur quelqu’un d’autre que sa mère lui touche le visage et de trop brèves accalmies… L’existence de Benni, criarde jusque dans ses vêtements, ressemble à un sismogramme bondissant sans cesse de crête en crête, où chaque crise est suivie d’un black out cotonneux hanté de flashes roses — souvenirs-refuges, limbes de la vie d’avant de cette gamine affamée d’une mère dépassée. Souvent éprouvant parce qu’il montre une succession d’impasses éducatives et affectives, parce qu’il présente des faux-espoirs ou des situations de danger pour Benni ou pour son entourage, parce qu’il rend visible l’absence de solutions de prise en charge pour ces mineurs en souffrance, à un âge où une réparation psychique serait possible, Benni n’a rien d’une “belle” histoire. Nora Fingscheidt « porte la caméra dans la plaie », pour transposer l’expressi

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Nuits sonores, année de transition

MUSIQUES | « Pensées à la fois en rétrospective historique des musiques électroniques et dans une approche prospective, ces Nuits (...)

Sébastien Broquet | Mercredi 29 janvier 2020

Nuits sonores, année de transition

« Pensées à la fois en rétrospective historique des musiques électroniques et dans une approche prospective, ces Nuits tendent à proposer ce dont sera fait 2020 », écrit Pierre-Marie Ouillon, le directeur artistique du festival, dans sa présentation du programme. Effectivement, la présence de nombreux vétérans de la scène se remarque au premier coup d'œil : Jeff Mills, DJ Deep, Laurent Garnier, Kittin & The Hacker (leur première en live à Nuits sonores), 808 State, Ivan Smagghe, Manu le Malin, Marcel Dettman, Robert Hood, DJ Harvey, Squarepusher, David Holmes, Château Flight : ce pourrait être l'affiche d'une rave de la fin des années 90 ! On note aussi la forte présence des stars plus récentes squattant tous les lines-ups depuis trois ans, issues de la fort bienvenue vague féminine, comme Amelie Lens, Paula Temple, Anetha, Helena Hauff, Peggy Gou et Nina Kraviz. Cet aspect rétrospective est saillant mais répond aussi à un besoin constant : ces artistes restent celles et ceux dont le nom rassure et fait vendre les billets, et Fago

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Voici les 4 curateurs des Days de Nuits sonores 2020

MUSIQUES | C'est désormais un rituel : les journées de Nuits sonores, bonjour l'oxymore, débutent par l'annonce des quatre curateurs élaborant la programmation sur trois (...)

Sébastien Broquet | Vendredi 15 novembre 2019

Voici les 4 curateurs des Days de Nuits sonores 2020

C'est désormais un rituel : les journées de Nuits sonores, bonjour l'oxymore, débutent par l'annonce des quatre curateurs élaborant la programmation sur trois scènes à La Sucrière et au Sucre en concertation avec l'équipe artistique du festival. Et c'est peu dire que cette année, le choix est pertinent : l'immense Jeff Mills va se prêter au jeu, et connaissant son exigence, sa vision large de la musique et de l'art en général, on peut imaginer une programmation dantesque pour ce mercredi 20 mai qui lui est confié. Deuxième choix fort : DJ Harvey prendra en charge le jeudi 21 mai. La tendresse que l'on a pour celui que l'on considère comme l'un des tous meilleurs DJs de la planète n'a d'égale que notre admiration pour sa connaissance encyclopédique des différents courants musicaux, avec une prédilection pour la house et le disco, mais on le sait aussi féru de rockabilly... On a déjà coché la date sur notre agenda. Plus classique mais néanmoins intéressant, les deux autres Days seront confiés à Helena Hauff (tendance techno sombre et dure) le vendredi 22 mai et à Honey Dijon (h

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Face au vent

ECRANS | Chorégraphe et danseuse à Buenos Aires, Monica apprend par téléphone la maladie de son père. Le temps de rentrer en Espagne, celui-ci est mort. Décidant de (...)

Vincent Raymond | Mardi 4 juin 2019

Face au vent

Chorégraphe et danseuse à Buenos Aires, Monica apprend par téléphone la maladie de son père. Le temps de rentrer en Espagne, celui-ci est mort. Décidant de demeurer sur place pour aider sa mère âgée à accomplir diverses formalités, elle renouera avec son passé et les siens… L’argument du “retour de l’enfant prodigue” n’est pas neuf ; et s’il a donné naissance a bien des variations, il contient souvent les mêmes éléments : la réconciliation sur le tard avec la parentèle ayant été à l’origine du départ — pour cause de rejet, d’indifférence ou de honte (celle-ci pouvant être éprouvée par l’enfant, rêvant d’une destinée loin de sa modeste extraction). Bien souvent encore, ces thématiques sont teintées d’autobiographies et traitées dans des premières œuvres. Espagnole exilée pour ses études en Argentine, Meritxell Colell qui signe ici son premier long de fiction coche au moins deux items. Mais c’est évidemment la manière dont elle habille cette trame qui importe ; en l’occurrence les retrouvailles sensuelles de son héroïne avec la terre de son enfance, et notamment c

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Comme un petit goût de reviens-y-pas : "The Dead Don't Die"

ECRANS | Centerville, États-Unis. Depuis la fracturation des Pôles, la terre est sortie de son axe et de drôles de phénomènes se produisent : la disparition des animaux (...)

Vincent Raymond | Mercredi 15 mai 2019

Comme un petit goût de reviens-y-pas :

Centerville, États-Unis. Depuis la fracturation des Pôles, la terre est sortie de son axe et de drôles de phénomènes se produisent : la disparition des animaux ou l‘éveil des macchabées qui attaquent la ville. Au bureau du shérif Robertson, on commence à lutter contre les zombies… Certes oui, l’affiche de The Dead Don’t Die vantant son « casting à réveiller les morts » a de la gueule. Mais empiler des tombereaux de noms prestigieux n’a jamais constitué un gage de qualité, ni garanti de provoquer le tsunami de spectateurs escompté par les producteurs. Voyez les cimetières, où l’on trouve pourtant la plus forte concentration de génies au mètre carré (et une proportion non négligeables de sinistres abrutis) : outre les taphophiles, ils ne rameutent guère les foules. Blague à part, cette affiche reproduisant luxueusement celle plus brute de décoffrage de La Nuit des Morts-Vivants (1968) annonce d’emblée la couleur : Jarmusch vient rejouer la partition du classique horrifique de George A. Romero. C’est loin d’être la premiè

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In My Room

ECRANS | Cadreur un brin irascible et je-m’en-foutiste, sans attaches amoureuses, Armin semble avoir prolongé son adolescence. Un lendemain de cuite, il s’éveille (...)

Vincent Raymond | Mardi 8 janvier 2019

In My Room

Cadreur un brin irascible et je-m’en-foutiste, sans attaches amoureuses, Armin semble avoir prolongé son adolescence. Un lendemain de cuite, il s’éveille dans un monde où l’humanité s’est étrangement évanouie. Il va devoir vivre en étant le dernier des hommes. Mais pas des Hommes. Largement repris depuis Defoe, le thème du naufragé a donné lieu à bien des variations insulaires, la taille de l’île variant de l’atoll à la planète — coucou, Matt Damon. Si d’ordinaire la question de la survie du malheureux survivant se pose comme la priorité cardinale, elle s’évacue ici très rapidement dès lors que l’on a intégré que ledit survivant se trouve tout sauf malheureux du sort qui lui est échu : l’éradication de ses congénères tient davantage pour ce misanthrope inavoué d’un rêve libératoire ou d’un accomplissement que d’une punition. Quant à sa subsistance, elle est assurée par les ressources désormais surabondantes d’une Terre édénique, même pas convoitées par quelque zombie ou opposant à cet idéal rousseauiste. En clair, Armin se trouve

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Nuit super héroïnes

ECRANS | Voici le genre de soirée auquel on aimerait convier Martin Solveig. Surtout pas pour le charger d’ambiancer les séances — il serait capable de demander (...)

Vincent Raymond | Mardi 11 décembre 2018

Nuit super héroïnes

Voici le genre de soirée auquel on aimerait convier Martin Solveig. Surtout pas pour le charger d’ambiancer les séances — il serait capable de demander aux spectatrices si elles veulent pogoter à l’entracte au bar ou tektoniker sur les génériques — mais pour lui prouver par l’image que ses réflexes paternalistes de fin de banquet appartiennent résolument à un autre âge. Cela fait bien longtemps que diverses amazones (mise d’ailleurs à l’honneur de la nouvelle livraison de la revue Carbone) en remontrent aux machos sur la toile, et il ne suffirait pas d’une nuit pour s’en convaincre. Celle programmée par l’Institut Lumière réunit cependant un joyeux panel de ces héroïnes ayant imposé leur marque dans un monde résolument taillé pour l’autre sexe. On commencera à 20h30 avec la complexe Lisbeth Salander version Rooney Mara dans Millénium : les hommes qui n'aimaient pas les femmes signé par Fincher, incarnation d’une perfection clinique parasitée par les né

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Millenium : Ce qui ne me tue pas

ECRANS | Quand elle ne “corrige“ pas les hommes trop violents avec leur épouse, Lisbeth Salander fait commerce de son génie du hacking. Or l’une de ses missions va (...)

Vincent Raymond | Mardi 13 novembre 2018

Millenium : Ce qui ne me tue pas

Quand elle ne “corrige“ pas les hommes trop violents avec leur épouse, Lisbeth Salander fait commerce de son génie du hacking. Or l’une de ses missions va très mal tourner : il faut dire qu’elle a piraté la NSA pour récupérer un logiciel capable de déclencher le feu nucléaire… Extra-ordinaire à bien des égards, la saga littéraire Millenium a trouvé en Langercrantz un prolongateur zélé qui l’a développée autour de son atout majeur : le personnage de Salander. Moins lisse et plus intrigant que le héros théorique Mikael Blomqvist, la pirate tatouée et surdouée est, dans son genre, un fameux modèle féminin. En inversant les rôles, c’est-à-dire en plaçant ici Lisbeth au premier plan et Blomqvist en force d’appoint, Millenium prendrait-il un virage féministe ? En apparence seulement : si on le soumet au test de Bechdel, on s’aperçoit vite que les rares femmes donnant la réplique (ou faisant face) à Lisbeth ont un homme au centre de leurs conversations quand il ne niche pas dans leur passif commun. Voire, plus retors, qu’elles se

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Silvio et les autres

ECRANS | Sergio, petit escroc provincial cherche à s’attirer les faveurs de Berlusconi afin de monter en gamme dans le bizness. S’il dispose des atouts nécessaires (...)

Vincent Raymond | Mardi 30 octobre 2018

Silvio et les autres

Sergio, petit escroc provincial cherche à s’attirer les faveurs de Berlusconi afin de monter en gamme dans le bizness. S’il dispose des atouts nécessaires (des jeunes femmes), il lui faut trouver la connexion idoine. Au même moment, dans sa villa, l’ex Cavaliere se prépare à revenir au pouvoir. La première séquence montre un agneau innocent entrant par mégarde dans la demeure de Berlusconi. Fatale erreur : fasciné par la télévision diffusant un jeu quelconque, il s’écroule raide, traîtreusement pétrifié par la climatisation glaciale, aussi sûrement que par une œillade de Méduse. Malheur à tous ces Icare et Sémélé ayant désiré approcher leur divinité : leur chute sera à la hauteur de leur orgueil. Cette ouverture en forme de parabole résume tellement bien le propos du film qu’on se demande, un peu inquiet, si ce qui suit peut être du même niveau. Même si Sorrentino fait une proposition intéressante en abordant Berlusconi par une périphérie canaille et envieuse, en retardant son apparition au deuxième voir troisième acte à la façon du Tartuffe

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Nobody's Watching

ECRANS | Comédien dans une série télé, Nico a plaqué l’Argentine du jour au lendemain pour tenter de percer à New York. Et ainsi s’éloigner d’une relation amoureuse (...)

Vincent Raymond | Mardi 24 avril 2018

Nobody's Watching

Comédien dans une série télé, Nico a plaqué l’Argentine du jour au lendemain pour tenter de percer à New York. Et ainsi s’éloigner d’une relation amoureuse toxique avec son producteur. Mais aujourd’hui, créchant à droite et à gauche, il galère en accumulant les petits jobs au noir… Ce portrait doux-amer d’un personnage à la poursuite d’une chimère (réussir à New York !) n’est pas exempt de charme ; il en faut pour masquer la vérité d’une situation rongée au fil des saisons par la précarité, les désenchantements et la nécessité d’avaler des concessions. En définitive, Nico exerce davantage ses talents de comédien lorsqu’il doit simuler pour ses proches une situation florissante — ou, à tout le moins, prometteuse. Nobody’s Watching, “personne ne regarde“ se révèle autant un constat qu’une mise en garde à son attention : qu’il soit devant la caméra de la supérette où il subtilise de quoi manger ou en concurrence avec d’autres comédiens, Nico semble invisible dans cette grande cité. Tout semble lui contester sa place, voir son identité — tel ce responsable d

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Helena Hauff, c'est Clear

MUSIQUES | Si Helena Hauff nous avait habitué à des sets de techno froide et martiale, conçue pour les hangars et les petits matins industriels, un peu dans l'esprit (...)

Sébastien Broquet | Mardi 5 décembre 2017

Helena Hauff, c'est Clear

Si Helena Hauff nous avait habitué à des sets de techno froide et martiale, conçue pour les hangars et les petits matins industriels, un peu dans l'esprit des Écossais de Slam dans les 90's, son dernier EP explore plus avant de nouvelles pistes salvatrices. Sorti sur le label Ninjatune, Have You Been There, Have You Seen It ne lâche rien côté radicalité. Mais le beat se fait moins cavalcade, comme sur l'épatant Gift, retour aux sources du genre, vers l'électro (le style originel, celui découlant du morceau Clear de Cybotron - qui date quand-même de 1983, pas la généralisation du terme actuel englobant toutes les musiques électroniques). Hauff a dû beaucoup écouter Drexciya et I.F. ces derniers temps, même si ces influences étaient déjà largement palpables précédemment : Nothing is what i know navigue clairement dans ces eaux-là, faites de rythmiques cassées et syncopées, de mélodies stridentes et obsessionnelles. Continuez mon enfant vous serez traité en conséquence (oui, c'est le titre du morceau) rajoute de la distorsion à cette base élect

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Quais du Polar : De la suite dans les idées

CONNAITRE | Le sort est injuste pour les auteurs de polars : ils suent sang et whisky pour inventer des personnages originaux, s’esquintent la santé à créer des (...)

Vincent Raymond | Mardi 29 mars 2016

Quais du Polar : De la suite dans les idées

Le sort est injuste pour les auteurs de polars : ils suent sang et whisky pour inventer des personnages originaux, s’esquintent la santé à créer des structures narratives innovantes, des formes stylistiques inédites et/ou des intrigues insensées… Tout ça pour qu’après leur trépas des godelureaux qu’ils ne connaissent en général ni des lèvres, ni des dents, reprennent la boutique d’un clavier enfariné ! Si la pratique semble hérétique dans l’édition francophone, à moins de travailler en famille (l’épouse et les enfants de Jean Bruce lui ont succédé aux commandes de OSS 117 et Patrice Dard a pris la relève de son paternel Frédéric pour la série San-Antonio), elle semble naturelle chez les voisins anglo-saxons, où de Sherlock Holmes à Hercule Poirot récemment (sous la plume de Sophie Hannah), la plupart des détectives de papier bénéficient d’un bonus en librairie. Les lecteurs sont loin de s’en offusquer : d’abord, parce que le cinéma a ouvert la brèche en multipliant adaptations et avatars des héros populaires ; ensuite parce que le culte de l’auteur se révèle moins exacerbé qu’on ne le croit. Cette année, Quais du Polar donn

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Le Souffle

ECRANS | Face au Souffle, on pense spontanément à un autre film venu de l’Est : La Terre éphémère, sorti en fin d’année dernière et hélas trop peu vu. Alexander Kott, (...)

Christophe Chabert | Mardi 9 juin 2015

Le Souffle

Face au Souffle, on pense spontanément à un autre film venu de l’Est : La Terre éphémère, sorti en fin d’année dernière et hélas trop peu vu. Alexander Kott, comme George Ovashvili, situe son film dans un bout de terre abandonnée — une maison branlante, un arbre, un lit qui sert de banc et le désert partout autour — où vivent un père et sa fille, très belle et saisie à l’âge de ses premiers émois. Deux garçons lui tournent autour, un Kazakh et un Russe, et de mystérieux militaires font irruption dans ce no man’s land sans qu’on sache précisément pourquoi. La comparaison ne s’arrête pas à l’intrigue : elle est aussi dans le dispositif formel, où l’absence totale de dialogues et le choix d’une sidération visuelle permanente s’équilibrent constamment. De chaque plan émane une spectaculaire beauté, la lumière, les compositions et les positions des acteurs créant une harmonie absolue. Il y a bien sûr un risque, que La Terre éphémère contournait par un sens solide de la dramaturgie : celui de tomber dans l’exercice de style contemplatif, d

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L’Espagne au coeur des Reflets

ECRANS | Aux derniers Goya, l’équivalent espagnol de nos César, deux films se tiraient la bourre dans la course aux récompenses finales : La Isla Minima (qui (...)

Christophe Chabert | Mardi 10 mars 2015

L’Espagne au coeur des Reflets

Aux derniers Goya, l’équivalent espagnol de nos César, deux films se tiraient la bourre dans la course aux récompenses finales : La Isla Minima (qui sortira en France sous le titre Marshland) et La Niña de Fuego. Deux films de genre, l’un tirant vers le cinéma criminel, l’autre vers le thriller. Cela fait longtemps qu’on loue dans nos colonnes la force des cinéastes espagnols lorsqu’ils s’attaquent à des territoires squattés par les productions anglo-saxonnes, mais cette reconnaissance par les professionnels — ainsi que par le public, les deux films ayant été de gros succès au box-office national — montre que, loin de s’être commué en académisme ou en opportunisme commercial, le cinéma de genre made in Spain est encore en pleine effervescence. Et ce malgré la crise qui a touché le pays et, par voie de conséquence, le financement de son industrie cinématographique ainsi que sa distribution — nombre de salles ont fermé leurs portes ces dernières années. Marshland : un thriller post-franquiste La Niña de Fuego et Marshland seront les deux événements majeurs de la nouvelle édition des Reflets du ci

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Leviathan

ECRANS | Quelque part, dans un bout de Russie oublié de tout, se joue un drame minuscule aux échos majuscules. Kolia vit avec sa seconde femme et son fils au bord (...)

Christophe Chabert | Mardi 23 septembre 2014

Leviathan

Quelque part, dans un bout de Russie oublié de tout, se joue un drame minuscule aux échos majuscules. Kolia vit avec sa seconde femme et son fils au bord de la mer de Barents, dans une vieille maison que convoite le maire de la ville. Condamné à être expulsé, il fait appel à un avocat moscovite pour tenter d’infléchir la décision de la justice. Comme dans un western, cet étranger débarque en territoire inconnu et sa présence va bouleverser une micro-société déjà divisée, précipitant la tragédie tout en révélant les mœurs du pouvoir local. Sujet ô combien politique qu’Andreï Zviaguintsev va aborder par d’imprévisibles ruptures de ton. Lui, le cinéaste austère et grave du Retour et d’Elena, choisit de traiter toute la première partie comme une farce noire où les personnages, régulièrement imbibés de vodka, sont comme les reflets tordus et hilarants de la Russie éternelle, celle de Tchekhov ou de Mikhalkov, dont Leviathan serait l’antidote parfait. La caricature des édi

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Lone Ranger

ECRANS | Un gamin américain joufflu déguisé en cowboy fausse compagnie au cours d’une fête foraine à ses parents et va s’aventurer sous une tente qui célèbre l’histoire de (...)

Christophe Chabert | Mercredi 7 août 2013

Lone Ranger

Un gamin américain joufflu déguisé en cowboy fausse compagnie au cours d’une fête foraine à ses parents et va s’aventurer sous une tente qui célèbre l’histoire de l’Ouest américain. Dans cette attraction désuète à base de statues de cire façon musée Grévin, le gosse s’arrête devant la reproduction folklorique d’un campement avec un vieil Indien figé et fripé trônant en son centre. Soudain, ses yeux se mettent à bouger ; la statue était en fait un véritable indien, mais ce petit tour de passe-passe pose aussi le vrai propos politique de Lone Ranger. Ce n’est pas seulement ce qui reste d’une culture qui se retrouve dans cette scénographie tristement folklorique, mais aussi ses derniers descendants, contraints de rejouer muets et immobiles le rôle que les pionniers ont fini par leur donner, des sauvages pittoresques rétifs aux avancées de la civilisation capitaliste. De la part de Gore Verbinski et de Johnny Depp (qui, sous la couche de maquillage, incarne l’Indien Tonto), une telle ambition peut surprendre. C’est même un sacré pied de nez aux Pirates des Caraïbes, franchise née d’une attraction populaire des parcs Disney. Verbinski et Depp avaient déjà tâ

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Spring Breakers

ECRANS | «Spring break, bitches !» : c’est le slogan lancé sur une plage à l’attention de centaines d’étudiants américains ivres de bière et avides de sexe, en maillots (...)

Christophe Chabert | Mardi 26 février 2013

Spring Breakers

«Spring break, bitches !» : c’est le slogan lancé sur une plage à l’attention de centaines d’étudiants américains ivres de bière et avides de sexe, en maillots de bain ou topless, saisis sur fond de dubstep dans un ralenti qui vient souligner les défauts de leurs corps pas si parfaits. Ici, de la cellulite sur les fesses et les cuisses ; là, une trop visible marque de bronzage une fois le bikini tombé. «Spring break, bitches !» : c’est aussi un mot de passe qui ouvre sur une autre planète, soudain libérée de cette gravité qui pèse sur l’adolescence. Les parents, les cours, la morale, les interdits, tout cela disparaît quand ce nouveau magicien d’Oz qu’est le rappeur-gangsta James Franco, qui se fait appeler Alien, prononce la formule magique. Le magicien des doses L’apesanteur, Harmony Korine en fait le motif principal de sa mise en scène. Spring breakers se maintient une heure trente durant dans un flottement permanent, le cinéaste prélevant de brefs instants à l’intérieur des scènes pour construire une temporalité irréelle où le passé, le présent et le futur se télescopent sans cesse. L’expérience, hautement narcotique, pro

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Dark shadows

ECRANS | Dark shadows permet à Tim Burton de faire le point sur l’évolution de son cinéma ces dernières années. Il est frappant, à la vision du film, de voir qu’y (...)

Christophe Chabert | Jeudi 10 mai 2012

Dark shadows

Dark shadows permet à Tim Burton de faire le point sur l’évolution de son cinéma ces dernières années. Il est frappant, à la vision du film, de voir qu’y cohabitent parfois au sein d’une même séquence, souvent d’un champ à son contrechamp, le cinéaste enclin au bricolage et à l’artisanat mais aussi son pendant récent, le réalisateur converti au numérique se contentant de griffer ses plans en illustrateur prodige. Plus encore, cette dualité se retrouve dans les deux thèmes abordés par le scénario : la figure du freak confronté au monde de la norme, et sa déclinaison contestable qui en fait le défenseur d’une petite entreprise familiale qui irait vendre au monde entier sa bizarrerie. On se souvient de l’épilogue craignos d’Alice au pays des merveilles, où Alice reprenait le flambeau paternel pour aller envahir le marché chinois… C’est à peu près là que commence Dark shadows : Barnabas Collins (Johnny Depp, qui cabotine plus intelligemment que d’habitude) est, au XVIIIe siècle, le jeune héritier d’une fortune construite par ses parents, prolos de Liverpool devenus richissimes entrepreneurs dans un port de pêche du Maine, dont ils ont littéralement

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«Un divorce, une rupture définitive…»

ECRANS | Révélé par Quand tu descendras du ciel, un premier film qui prolongeait le court-métrage qui lui avait valu un césar, Éric Guirado avait connu son premier succès (...)

Christophe Chabert | Mardi 6 mars 2012

«Un divorce, une rupture définitive…»

Révélé par Quand tu descendras du ciel, un premier film qui prolongeait le court-métrage qui lui avait valu un césar, Éric Guirado avait connu son premier succès public avec Le Fils de l’épicier, un film qui s’inspirait des nombreux reportages réalisés au cours de ses années France 3 Rhône-Alpes. Aujourd’hui, après de longs mois d’attente, sort Possessions, libre adaptation de l’affaire Flactif. Dans l’entretien qu’il nous a accordé, il se livre avec une franchise devenue rare sur son métier de réalisateur, l’état du cinéma français et de la société française. On dit souvent qu’un cinéaste fait toujours un film contre le précédent, mais cela m’a paru rarement aussi flagrant qu’entre Possessions et Le Fils de l’épicier…Éric Guirado : C’est vrai, je ne sais pas si c’est conscient ou pas… J’aime beaucoup Le Fils de l’épicier, mais ce qui me dérangeait, c’est qu’au cours des cent proje

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Possessions

ECRANS | L’affaire Flactif (ou affaire du Grand Bornand) avait marqué la France : un couple de prolos du nord avait assassiné puis tenté de faire disparaître les corps (...)

Christophe Chabert | Jeudi 1 mars 2012

Possessions

L’affaire Flactif (ou affaire du Grand Bornand) avait marqué la France : un couple de prolos du nord avait assassiné puis tenté de faire disparaître les corps d’une famille, dont les époux étaient aussi leurs propriétaires. Qu’on le prenne par tous les bouts, le fait-divers disait avec une grande brutalité l’écart béant qui se creusait entre ceux qui ont tout (réussite, argent, maison) et ceux qui doivent leur donner le peu qu’ils ont. Éric Guirado, en transposant librement cette histoire traumatisante, fait lui aussi un grand écart avec l’optimisme réconciliateur du Fils de l’épicier : Possessions est une œuvre au noir, jamais rassurante, et c’est cette obstination à plonger au fond de l’horreur qui en fait le prix. L’or blanc vire au rouge Le couple formé par Jérémie Rénier (gras et lourd : parfait !) et Julie Depardieu (inquiétante de ressentiment contenu) a tout du cliché : lui adepte du tuning, elle braquée sur des images de bonheur superficiel, co

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Elena

ECRANS | «Comme un oiseau sur la branche, j’ai essayé, à ma manière, d’être libre» chantait Leonard Cohen. Andreï Zviaguintsev commence effectivement par filmer (...)

Christophe Chabert | Jeudi 1 mars 2012

Elena

«Comme un oiseau sur la branche, j’ai essayé, à ma manière, d’être libre» chantait Leonard Cohen. Andreï Zviaguintsev commence effectivement par filmer longuement un oiseau sur une branche. Très longuement. Remonte le souvenir (douloureux) de son précédent Bannissement, sa Russie rupestre et mythologique, ses plans répétitifs… Souvenir qui se prolonge dans les premières scènes, où le cinéaste déploie sa précision photographique au service d’une lenteur trop calculée. On y découvre Elena aux petits soins avec Vladimir, vieillard glacial et autoritaire. Est-ce sa bonne ? Son épouse ? Les deux, en fait : Elena était femme de ménage mais a fini par se marier avec son employeur. Là encore, leur demeure bourgeoise figure une Russie hors du temps, figée, loin des temps présents. Et soudain, boum ! Elena sort, prend le métro et se retrouve de plain-pied avec le Moscou d’aujourd’hui. C’est un choc, que la mise en scène intensifie par des plans plus courts et la musique sérielle de

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Bullhead

ECRANS | Il y a quelques années, en plein déballage des affaires de dopage dans le cyclisme, on parla de «pot belge» pour désigner le cocktail de produits que (...)

Dorotée Aznar | Mardi 14 février 2012

Bullhead

Il y a quelques années, en plein déballage des affaires de dopage dans le cyclisme, on parla de «pot belge» pour désigner le cocktail de produits que s’injectaient les coureurs pour booster anatomie et performances. Moins connu par chez nous, à la même période et toujours en Belgique, un fait-divers fit sensation : le démantèlement d’un réseau organisé de trafic d’hormones bovines. C’est de ce dernier dont Michaël R. Roskam, qui fait une entrée remarquée dans le cinéma européen avec ce premier film estomaquant, s’inspire dans Bullhead ; mais impossible de ne pas penser, devant les pratiques intimes de son héros Jacky Vanmarsenille (Matthias Schoenaerts, bien plus fort que Jean-Claude Van Damme dans le registre taiseux musculeux), à l’illustration monstrueuse de ce qu’est un pot belge. Sauf que lui ne cherche pas à gagner des courses, juste à soigner un problème de virilité lié à un terrible «accident» survenu quand il était enfant. Vache de vie ! Si Bullhead se présente comme un polar mafieux tout ce qu’il y a de plus classique, avec ses familles rivales, ses hommes de main violents, ses flics aux aguets et son mouchard infiltré, Rosk

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Inquiétudes hexagonales

CONNAITRE | Si l’objectif de Drôle d’endroit pour des rencontres (aux Alizés de Bron) est de faire le point sur ce qui travaille le cinéma français — du moins celui qui (...)

Dorotée Aznar | Mardi 17 janvier 2012

Inquiétudes hexagonales

Si l’objectif de Drôle d’endroit pour des rencontres (aux Alizés de Bron) est de faire le point sur ce qui travaille le cinéma français — du moins celui qui n’est pas fait par les producteurs et les yes men de la réalisation — alors cette édition 2011 est de toute évidence une réussite. Car les films proposés illustrent, chacun à leur manière, l’inconscient d’un cinéma d’auteur qui n’a pas envie de rendre les armes. Cet inconscient s’avère particulièrement inquiet, ramenant échos des guerres passées et bruit des conflits en cours, lutte des classes d’autant plus violente qu’elle est niée par une partie de la classe dirigeante et montée des fondamentalismes religieux. Pas de quoi rire, et il faut appeler nos voisins belges au secours (Le Grand’Tour de Jérôme Le Maire, présenté le dimanche 29) pour trouver une vraie comédie au sein de la programmation. Noirs désirs L’Hexagone rumine donc des idées noires. Avec Possessions (le 28, en présence du réalisateur), Éric Guirado donne un sombre contrechamp à son feel good movie à succès Le Fils de l’épicier

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Millénium : les hommes qui n'aimaient pas les femmes

ECRANS | Avant de voir Millénium, il faut d’abord oublier le médiocre (télé)film suédois sorti en 2009, première adaptation du best-seller de Stieg Larsson. Ce n’est pas (...)

Dorotée Aznar | Mercredi 11 janvier 2012

Millénium : les hommes qui n'aimaient pas les femmes

Avant de voir Millénium, il faut d’abord oublier le médiocre (télé)film suédois sorti en 2009, première adaptation du best-seller de Stieg Larsson. Ce n’est pas difficile, tant la mise en scène de David Fincher, impressionnante de fluidité et de rapidité, laisse loin derrière les laborieuses velléités illustratives de Niels Arden Oplev. Mais il faut aussi oublier le livre lui-même, et se comporter comme Fincher et son scénariste Steven Zaillan l’ont fait : doubler le plaisir feuilletonesque créé par une intrigue aux ramifications multiples d’un autre récit, purement cinématographique, qui n’aurait été qu’esquissé par l’auteur entre les lignes de son propre roman. De fait, si on a pu s’interroger un temps sur l’intérêt que Fincher portait à Millénium, et se demander s’il n’allait pas, comme à l’époque de Panic room, s’offrir un exercice de style récréatif avec cette nouvelle version, le générique (comme souvent chez lui) dissipe immédiatement les soupçons : sur une musique hardcore de Trent Reznor, Atticus Ross et Karen O., des corps noirs et liquides comme du p

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La Piel que habito

ECRANS | La Piel que habito se déroule à Tolède l’année prochaine, mais il se passe aussi bien avant ce présent qui n’est pas le nôtre. De ce laps temporel qui enjambe (...)

Christophe Chabert | Mercredi 6 juillet 2011

La Piel que habito

La Piel que habito se déroule à Tolède l’année prochaine, mais il se passe aussi bien avant ce présent qui n’est pas le nôtre. De ce laps temporel qui enjambe gentiment notre actualité pour aller fouiller dans le passé et anticiper un futur proche où la science sans contrôle ne servira plus que les désirs de ceux qui la maîtrisent, Pedro Almodóvar fait plus qu’une pirouette narrative ; c’est un vrai geste de cinéaste, retournant aux sources de son œuvre pour lui donner un nouveau souffle, là où ses derniers films avaient tendance à s’enfoncer dans un auto-académisme à base de scénarios virtuoses et réflexifs et de mélodrames au féminin mis en scène avec une élégance glacée. Il faut remonter à Matador ou La Loi du désir pour trouver chez lui une histoire aussi tordue, qui n’hésite pas à emprunter les voies du cinéma de genre (le fantastique en tête, avec des références très assumées aux Yeux sans visage de Georges Franju et au Frankenstein de James Whale) pour distraire à tous les sens du terme le spectateur de son horreur fondamentale. Que l’on ne dévoilera pas, histoir

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Le Discours d'un roi

ECRANS | La razzia effectuée par "Le Discours d’un Roi" sur les nominations aux Oscars n’a rien d’étonnant ; le film semble calibré pour séduire l’Académie, répondant au (...)

Christophe Chabert | Mercredi 26 janvier 2011

Le Discours d'un roi

La razzia effectuée par "Le Discours d’un Roi" sur les nominations aux Oscars n’a rien d’étonnant ; le film semble calibré pour séduire l’Académie, répondant au cahier des charges du cinéma historico-culturel. Il y a un sujet, véridique — l’accession au trône du Roi Georges VI, contrainte et forcée, et ses déboires oratoires liés à un bégayement intempestif ; des numéros d’acteurs au cabotinage gênant — on a vu Colin Firth meilleur qu’ici, même s’il en fait moins que Bonham Carter en précieuse ridicule. Et il y a une forme, emphatique et arty, un surfilmage constant fait de décadrages voyants et de courtes focales sur des décors sans profondeur, qui donne parfois l’impression de regarder autant les tapisseries que les acteurs. Le film hurle si fort sa subtilité qu’il en devient lourd, notamment dans des dialogues qui ne ratent jamais l’occasion de récapituler avec des grandes sentences théâtrales le propos et les états d’âme des personnages. Les séquences de rééducation sont censées fournir un contrepoint comique à cette grandiloquence ; mais voir le futur Roi éructé tel un malade de la Tourette des «fuck» et des «shit» est amusant une fois, pas dix. On regrette amèrement la dis

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Millenium 3 – la reine dans le palais des courants d’air

ECRANS | Terrassé par un second volet dont l’origine télévisuelle n’excusait en rien le rythme amorphe, on se lance dans l’ultime film de la saga avec expectative. (...)

Dorotée Aznar | Jeudi 8 juillet 2010

Millenium 3 – la reine dans le palais des courants d’air

Terrassé par un second volet dont l’origine télévisuelle n’excusait en rien le rythme amorphe, on se lance dans l’ultime film de la saga avec expectative. De fait, pendant toute la première partie où Lisbeth Salander se retrouve coincée à l’hôpital, on a bien affaire au même succédané suédois de "Derrick", avec de fulgurantes scènes de violence - placées de façon quasi sadique dans le récit, pour réveiller l’infortuné spectateur qui rejoignait enfin les bras de Morphée. Une fois que le règlement de compte judiciaire final s’enclenche, l’intérêt – ce lâche - revient forcément au galop. On serait presque pris d’enthousiasme si à la réflexion, on évitait de se dire que les sept heures de projection (huit pour la série télé) aurait bien mieux servies à la lecture des romans originaux… FC

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Millénium 2 - La Fille qui rêvait d'un bidon d'essence et d'une allumette

ECRANS | La première adaptation cinématographique de la trilogie de Stieg Larsson avait séduit les fans des romans par son ambiance putride, soulignant les (...)

Dorotée Aznar | Vendredi 25 juin 2010

Millénium 2 - La Fille qui rêvait d'un bidon d'essence et d'une allumette

La première adaptation cinématographique de la trilogie de Stieg Larsson avait séduit les fans des romans par son ambiance putride, soulignant les déliquescences d’une société suédoise montrée sous son jour le plus corrompu et misogyne. Malgré ses défauts de rythme manifestes, le long-métrage de Niels Arden Oplev s’en tirait avec les honneurs, bien aidé par son binôme d’acteurs principaux. Pour la suite de la saga, un nouveau réalisateur prend le relais, et tout de suite, c’est une autre paire de manche. Daniel Alfredson se repose entièrement sur le cahier des charges esthétiques du premier volet, s’efface au point de rendre sa mise en scène totalement transparente. Et l’intrigue de dévider ses maigres soubresauts avec un manque d’efficacité tout à fait remarquable, encore un peu plus entamé par une poignée de scènes complètement à côté de la plaque (dont un combat de boxe valant son pesant). D’héroïne emblématique, Lisbeth Salander est reléguée au rang de justicière de série Z, et Mikael Blomkvist tire la tronche. Le dernier volet sort dans un mois, on l’attend avec une infinie patience. FC

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Une robe dans la soupière

ARTS | Danseuse, plasticienne, Mariaelena Roqué est une figure bien connue de l’art contemporain en Catalogne (200 000 visiteurs se sont déplacés pour admirer ses (...)

Dorotée Aznar | Lundi 26 avril 2010

Une robe dans la soupière

Danseuse, plasticienne, Mariaelena Roqué est une figure bien connue de l’art contemporain en Catalogne (200 000 visiteurs se sont déplacés pour admirer ses œuvres lors d’une exposition organisée à Barcelone en 2006). Mais le nom de Mariaelena Roqué est aujourd’hui indissociable de celui de Carles Santos, artiste déjanté et pianiste de génie. Car depuis 1987, ils ne se sont plus quittés. De leur imaginaire commun sont nés seize spectacles loufoques, décalés ou provocants où le piano demeure l’élément central et le corps en mouvement le terrain des expérimentations de Mariaelena. Pour Carles Santos, Mariaelena Roqué créé des costumes de scène, revisitant toutes les époques, ne reculant devant aucune audace, aucune matière ni aucune forme. Métal, cheveux, papier sulfurisé, film alimentaire, câbles téléphoniques se mêlent ainsi aux matières nobles pour inventer des œuvres monumentales ou fragiles, baroques à l’excès ou épurées, sensuelles ou engagées. Une vie au muséeAu Musée des Arts décoratifs, on est d’abord frappés par la scénographie toute particulière. Entre les pièces d’orfèvrerie ancienne et contemporaine, les porcelaines, les peintures et le mobilier français de la

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Alice au pays des merveilles

ECRANS | Cette adaptation d’Alice au pays des merveilles n’en est pas vraiment une. Le récit de Lewis Carroll est réduit à un flashback de trois minutes en cours de (...)

Christophe Chabert | Vendredi 19 mars 2010

Alice au pays des merveilles

Cette adaptation d’Alice au pays des merveilles n’en est pas vraiment une. Le récit de Lewis Carroll est réduit à un flashback de trois minutes en cours de film, et Tim Burton lui préfère l’Alice presque adulte de De l’autre côté du miroir. Mais c’est surtout le court poème Jabberwocky qui sert de matière principale à l’intrigue. Curieux tripatouillage scénaristique que le cinéaste confesse à haute voix à travers le personnage du chapelier incarné par Johnny Depp, qui s’obstine à faire d’Alice un garçon, comme s’il jouait dans un autre film. Avec un certain cynisme, Burton désigne ainsi ce qui l’intéresse ou pas dans cette lourde commande : la chenille opiomane plutôt que le lapin à gilet, l’univers de la reine rouge plutôt que celui de la reine blanche, les mésaventures de la bande déglinguée autour du chapelier plutôt que les aventures d’Alice… On a surtout l’impression que le cinéaste se contente de greffer son packaging habituel (sa signature graphique, ses acteurs, Danny Elfman…) sur un blockbuster boulimique et en trop bonne santé, un "Narnia" baroque, synthétique et en 3D — autant de partis pris qui corsètent la mise en scène plus qu’ils ne la libèrent.

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Sweeney Todd

ECRANS | Mèche blanche tombant sur des yeux cernés au crayon noir, Sweeney Todd revient en bateau vers Londres, la ville de «toutes les pourritures». Un travelling (...)

Christophe Chabert | Mercredi 30 janvier 2008

Sweeney Todd

Mèche blanche tombant sur des yeux cernés au crayon noir, Sweeney Todd revient en bateau vers Londres, la ville de «toutes les pourritures». Un travelling impressionnant nous fait découvrir les rues grouillantes et les bas-fonds de cette capitale saisie à un moment de son histoire qu'on se garde bien de nous révéler... C'est dans une pension bancale aujourd'hui tenue par une plantureuse faiseuse de tartes écrasant les cafards avec son rouleau à pâtisserie que Todd vécut autrefois le drame qui a bouleversé sa destinée : convoitant sa jeune et jolie femme, le puissant Juge Turpin a condamné un modeste coiffeur nommé Benjamin Barker à la prison à vie. C'est en mort-vivant aux rasoirs aiguisés et à la soif de vengeance sans limite que Barker, devenu Todd, va orchestrer quinze ans après la mise à mort du juge. Et c'est en virtuose de la mise en scène que Tim Burton va lui donner chair, dans un festival d'images baroques, macabres, drôles, poétiques, en poussant son récit jusqu'à sa logique la plus noire : pas vraiment de gentils ici, puisque tous se livrent à leurs passions les plus sombres et dévastatrices, et finissent par se déchirer au sens strict (gorges tranc

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