La Terre outragée

ECRANS | Étrange film qui raconte en deux parties l’accident de Tchernobyl et ses conséquences vingt-cinq ans après sur une poignée de rescapés, avec la force visuelle du cinéma russe et la pesanteur psychologique du cinéma français. Christophe Chabert

François Cau | Vendredi 23 mars 2012

En 1986, tandis que la centrale de Tchernobyl explosait, la vie continuait dans les villages environnants. À Pripiat, Anya et Piotr se marient, et la joie de cet amour juvénile va, en pleine cérémonie, être obscurcie par une menace que personne ne soupçonne, sinon un ingénieur ayant immédiatement compris l'ampleur de la catastrophe. Piotr, pompier, est appelé pour éteindre le feu ; il n'en reviendra pas, laissant Anya seule et marquée à jamais par le drame. Cette histoire, c'est celle que raconte Michale Boganim dans la première partie de La Terre outragée. Loin de s'en tenir à une reconstitution façon docu-fiction, elle saisit littéralement le spectateur par la force d'évocation des images : personnages et décors ne semblent faire qu'un au sein de plans composés dans la tradition du meilleur cinéma russe, avec un lyrisme visuel qui rappelle Klimov, Tarkovski ou Kalatozov. Dans ce bout d'Ukraine hors du temps et insouciante, seule une statue de Lénine en plein cœur du village vient rappeler que la liberté n'est que conditionnelle. Une fois la catastrophe arrivée, la machine étatique se met en marche et Boganim filme quelques séquences terrifiantes où les hommes sont arrachés de force à cette terre devenue dangereuse…

Un mauvais film français dans un bon film russe

Cette première heure fulgurante a pourtant un défaut : l'irruption d'une voix-off en français, qui commente au passé et sur un ton méditatif les événements. Comme si un autre film couvait derrière celui que l'on regardait, et n'attendait que le signal de la réalisatrice pour envahir tout l'espace. C'est ce qui arrive dans une deuxième partie nettement plus contestable : vingt-cinq ans après, quatre rescapés reviennent sur les lieux du drame, devenue une ville fantôme où se croisent des ouvriers, des touristes et quelques Tadjiks chassés par la guerre. Non seulement les trajectoires de fiction paraissent soudain artificielles, mais Boganim recentre le film autour d'Anya (Olga Kurylenko, ancienne James Bond girl dans un étonnant contre-emploi), tiraillée entre son envie d'exil et sa fidélité à la terre de son amour perdu. La psychologie prend le pas sur l'action et le dialogue vient affaiblir la richesse de l'image. Quelque chose d'un certain cinéma d'auteur français parasite alors ce poème cinématographique, noir et inquiet, qu'était La Terre outragée.

entrez votre adresse mail pour vous abonner à la newsletter

"L’Homme qui tua Don Quichotte" : tout ça pour ça ?

ECRANS | Pendant un quart de siècle, le réalisateur Terry Gilliam a quasiment fait don de sa vie au Don de Cervantès. Un dévouement aveugle, à la mesure des obsessions du personnages et aussi vaste que son monde intérieur. Mais l’histoire du film n’est-elle pas plus grande que le film lui-même ?

Vincent Raymond | Mardi 22 mai 2018

De retour en Espagne où il avait tourné son film d’études inspiré de Cervantès, un réalisateur de pubs en panne créative (Adam Driver) retrouve le cordonnier (Jonathan Pryce) à qui il avait confié le rôle de Don Quichotte. Mais celui-ci se prend désormais pour le chevalier à la triste figure et l’entraîne dans sa quête… À un moment, il faut savoir terminer un rêve. Même quand il a tourné en cauchemar. L’histoire de la conception L’Homme qui tua Don Quichotte est l’une des plus épiques du cinéma contemporain, bien davantage que celle racontée par ce film aux visées picaresques. Palpitante et dramatique, même jusque dans ses ultimes et rocambolesques rebondissements. Idéalisée par son auteur pendant un quart de siècle, cette œuvre a gagné au fil de ses avanies de production une de nimbe de poisse à côté de laquelle la malédiction de Toutankhamon passe pour un rappel à la loi du garde-champêtre. Elle a aussi susc

Continuer à lire

"Frost" : ça craint en Ukraine

Là-balte si j’y suis | de Šarūnas Bartas (Lit-Fr-Ukr-Pol, 2h) avec Mantas Janciauskas, Lyja Maknaviciute, Andrzej Chyra, Vanessa Paradis…

Vincent Raymond | Mardi 27 mars 2018

Pour dépanner un ami, Rokas et Inga acceptent de convoyer une camionnette humanitaire de Lituanie en Ukraine. Sauf que la zone n’est pas si facile d’accès en période de guerre – une guerre dont Rokas n’avait même pas idée, et qui intrigue ce jeune homme sans but… Cinéaste du politique, voire du géopolitique, Šarūnas Bartas ne pouvait rester insensible à la situation ukrainienne et au chaos qu’elle produit. Un chaos mâtiné d’incertitudes et de danger, conforme à l’ambiance inquiétante de ses premiers films, explorant par la contemplation le flou des frontières et de l’attente. Pourtant, c’est par une structure des plus linéaires que Bartas engage son récit : il faut que ses deux protagonistes se perdent, littéralement ; qu’ils éprouvent la réalité de la guerre en discutant avec des "humanitaires" pour qu’ils se trouvent – ou, du moins, parviennent à orienter leur boussole intérieure. La curiosité de Rokas, cette irrépressible pulsion le menant au plus près du danger (histoire d’en apprécier la réalité mais aussi de tester le hasard) rappelle la démarche de John Locke, héros du Profession : Reporter (1975) de Michelangelo Antonion

Continuer à lire

"The Last Family" : il était une fois Zdzisław Beksiński

ECRANS | de Jan P. Matuszynski (Pol., 2h03) avec Andrzej Seweryn, Dawid Ogrodnik, Andrzej Chyra…

Vincent Raymond | Mardi 16 janvier 2018

Principalement connu des amateurs d’art et de faits divers, Zdzisław Beksiński (1929, assassiné en 2005) est un peintre polonais dont la singulière existence, au moins aussi atypique que ses toiles (classées "surréalistes"), méritait a minima un coup de projecteur. Créant de l’étrangeté par son hypernaturalisme, ce biopic propose une approche astucieuse des trente dernières années de ce plasticien vivant quasi reclus avec sa famille (comptant un fils bancal et suicidaire), en faisant se succéder de longues séquences empruntées à leur quotidien. L’acte créatif ne figure pas au centre du propos du réalisateur polonais Jan P. Matuszynski : c’est bien la vie privée, ce ferment de l’imaginaire, qui l’intéresse. Beksiński y apparaît comme exagérément stable dans des situations requérant des émotions chez des individus lambda (comme la maladie ou la mort de ses proches), doublé d’un authentique maniaque enregistrant tout, jusqu’aux conversations domestiques. Imperméable à ce qui se passe hors de son pâté de maison, il l’est aussi aux chamboulements considérables rencontrés par la Pologne durant ces trois décennies : c’est le

Continuer à lire

Oblivion

ECRANS | Après "Tron l’héritage", Joseph Kosinski avait toutes les cartes en main pour confirmer son statut de nouveau maître de la SF avec cette adaptation de son propre roman graphique. Hélas, le voilà rattrapé par son fétichisme kubrickien, qu’il tente vainement de transformer en blockbuster à grand spectacle. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Jeudi 11 avril 2013

Oblivion

Dans une des pubs qui l’avaient fait connaître, Joseph Kosinski s’amusait à faire circuler le spectateur dans la reproduction virtuelle de l’hôtel Overlook imaginé par Stanley Kubrick pour Shining. Dans Tron l’héritage, qui marquait ses débuts prometteurs au cinéma, il recréait la chambre de 2001 et faisait circuler ses personnages dans un bar qui ressemblait comme deux gouttes de lait à celui d’Orange mécanique. Autant dire que Kosinski fait une fixette sur l’immense Stanley ; ce qu’on ne lui reprochera pas, loin de là, mais disons qu’il faut avoir les épaules solides pour oser se mesurer à un tel monument. Face à Oblivion, qui croule sous les références à 2001 — jusqu’au nom d’une des boîtes de production du film, Monolith pictures ! — on ne peut que constater que cette obsession est filtrée par une culture geek avec qui elle ne fait pas forcément bon ménage. Et que l’univers visuel et virtuel de Tron collait dans le fond beaucoup mieux à l’

Continuer à lire

À la merveille

ECRANS | L’amour naissant et finissant, la perte et le retour de la foi, la raison d’être au monde face à la beauté de la nature et la montée en puissance de la technique… Terrence Malick, avec son art génial du fragment et de l’évocation poétiques, redescend sur terre et nous bouleverse à nouveau. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mercredi 27 février 2013

À la merveille

Les dernières images de Tree of life montraient l’incarnation de la grâce danser sur une plage, autre monde possible pour un fils cherchant à se réconcilier avec lui-même et ses souvenirs. C’était sublime, l’expression d’un artiste génial qui avait longuement mûri un film total, alliant l’intime et la métaphysique dans un même élan vital. Autant dire que Terrence Malick était parti loin, très loin. Comment allait-il revenir au monde, après l’avoir à ce point transcendé ? La première scène d’À la merveille répond de manière fulgurante et inattendue : nous voilà dans un TGV, au plus près d’un couple qui se filme avec un téléphone portable. Malick le magicien devient Malick le malicieux : l’Americana rêvée de Tree of life laisse la place à la France d’aujourd’hui, et les plans somptueux d’Emmanuel Lubezki sont remplacés par les pixels rugueux d’une caméra domestique saisissant l’intimité d’un homme et d’une femme en voyage, direction « la merveille » : Le Mont Saint-Michel. La voix-off est toujours là, mais dans la langu

Continuer à lire