Cannes, entre la panne et le moteur

ECRANS | Curieuse édition du festival de Cannes, avec une compétition de bric et de broc pleine de films d’auteurs fatigués, et dont le meilleur restera celui qui annonça paradoxalement la résurrection joyeuse d’un cinéma mort et enterré. Du coup, c’est le moment ou jamais de parler des nouveaux noms que le festival aura mis en orbite. Christophe Chabert

Aurélien Martinez | Vendredi 25 mai 2012

Photo : Holy Motors, de Leos Carax


Comme il y a deux ans, le jour férié nous oblige à boucler avant la fin du festival de Cannes et la remise de la Palme d'or. Mais comme il y a deux ans, on a déjà hâte que l'affaire se termine, tant la compétition aura été laborieuse, et même parfois pénible à suivre. Surtout, sa diversité n'a pas été payante. En quelques heures, on pouvait passer d'un navet faussement personnel et vraiment putassier (le redoutable Paperboy de Lee Daniels, qui mérite des tomates après son déjà horrible Precious) à un sommet d'académisme moderniste à base d'acteurs inexpressifs, de dialogues séparés par d'interminables et grossiers silences et de plans sous tranxène sur des gars qui marchent dans les bois (le soporifique Dans la brume de Sergeï Loznitsa, qui mérite des œufs pourris après son déjà pontifiant My joy). Et on n'oubliera pas dans la liste le très Vogue Homme Sur la route de Walter Salles, où la beat generation est réduite à un clip publicitaire sur la mode des hipsters, ou encore le téléfilm de Ken Loach, La Part des anges, d'une fainéantise hallucinante que ce soit dans le déroulé de son scénario ou sa direction artistique inexistante. Cas à part : Carlos Reygadas qui, avec Post Tenebras Lux, semble avoir voulu faire son Oncle Boonmee, en oubliant quand même ce qui faisait la force de Weerasethakuhl, à savoir une vraie place laissée au spectateur. Ici, son talent (toujours à l'œuvre dans la plastique, impressionnante, du film) se dilue dans une nébuleuse narrative complètement opaque et qu'on n'a même pas envie de décrypter, de peur d'y découvrir un propos détestable qui affleure au gré des épisodes zarbis qui le parsèment.

Le cinéma est mort. Vive le cinéma !

Quant à Alain Resnais, on doit avouer qu'après avoir défendu du bout des lèvres Les Herbes folles, on sera beaucoup moins indulgent avec Vous n'avez encore rien vu, dont le parfum crépusculaire s'accompagne d'un retour un peu rance au théâtre français des années 50, celui d'Anouilh, donnant à l'ensemble un goût passéiste que le dispositif du cinéaste, aussi maîtrisé soit-il, ne vient jamais faire oublier. On sera d'autant moins indulgent que ce Cannes 2012 aura été irradié par un grand film parfaitement inattendu et qui n'est pas sans rapport sur le principe avec le Resnais. On parle bien sûr de l'incroyable Holy Motors de Leos Carax. En revisitant sa vie et son cinéma en compagnie de son comédien fétiche Denis Lavant, qui incarne un acteur prisonnier de ses propres rôles et contraint de les rejouer pour de vrai lors d'un long périple en limousine blanche, Carax aurait pu tomber dans l'aigreur aux relents godardiens du cinéaste qui ne peut plus tourner. Mais Holy Motors, c'est tout l'inverse : chaque bloc du film est une véritable célébration d'un cinéma qui se réinvente sans cesse et qui, face à la révolution qu'il traverse, entend non seulement faire de la résistance, mais aussi en prendre littéralement les commandes. Film fou, film génial, unique et absolument jouissif ; on y reviendra une fois la Palme acquise, ce qui pour nous ne fait guère de doutes.

No ? Si !

Si la tendance de la compétition fut aux grands cinéastes signant des (tout) petits films (on y ajoute du coup Kiarostami, même si Like someone in love n'est pas dénué d'intérêt, malgré sa paresse manifeste), les sections parallèles ont réservé de belles découvertes ou confirmations. À commencer par l'incroyable Beasts of the southern wild, premier film de Benh Zeitlin dont l'ampleur cosmique et l'élan vital démesuré auront provoqué les plus beaux frissons du festival. A la Quinzaine des réalisateurs, d'un fort bon niveau cette année, trois réalisateurs ont définitivement pris leur envol : Jaime Rosales, dont le Sueño y silencio est un beau film bergmanien, certes pas facile facile d'accès mais qui, à la différence de beaucoup d'œuvres contemplatives vues à Cannes, possède une réelle générosité de regard sur le monde qu'il décrit ; Ben Wheatley, pour qui la comédie noire et horrifique Sightseers est une récréation réussie après son énorme Kill list ; mais c'est surtout Pablo Larrain qui a explosé grâce à No, incroyable fiction retraçant le plébiscite organisé par Pinochet au Chili en 1988, racontée du point de vue d'un publicitaire choisissant de réaliser la campagne pour le «Non» (Gael Garcia Bernal, excellent). Larrain accomplit un sacré exploit : son film est à la fois expérimental dans sa forme (l'image ressemble à celle des VHS des années 80) et totalement prenant dans sa gestion du suspense autour de l'issue de la consultation. Un film intelligent, sans surmoi auteuriste mais avec un vrai point de vue, sans démagogie mais respectueux du spectacle et donc du spectateur. Ah, si tout Cannes avait été de ce niveau-là…

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Estelle Charlier : "C'est dans les défauts que la marionnette prend vie"

ECRANS | Parmi la foule des collaborateurs de Leos Carax pour inventer "Annette", on peut notamment compter une compagnie de théâtre iséroise : La Pendue. Avec la complicité de son ami Romuald Collinet, Estelle Charlier est celle qui a donné un corps et un visage à la supposée petite fille prodige d'Ann (Marion Cotillard) et Henry (Adam Driver). Une marionnette qui n'est encore visible qu'au cinéma, mais qu'on peut aussi apprendre à connaître par les mots, grâce à sa créatrice...

Martin de Kerimel | Mercredi 21 juillet 2021

Estelle Charlier :

Comment avez-vous rencontré Leos Carax pour la première fois ? Estelle Charlier : Lui travaillait depuis un moment sur l'idée du personnage. Annette ne pouvait pas être une vraie petite fille et il ne souhaitait pas utiliser une image de synthèse ou un robot. Il tenait à utiliser un objet que les acteurs pourraient toucher et prendre dans leurs bras. Il s'est donc décidé pour une marionnette. En novembre 2016, j'ai été contactée : il cherchait plutôt des manipulateurs que des constructeurs, à cette époque, mais sans avoir encore choisi ce que serait le visage d’Annette. Il avait simplement les photos d’une enfant, qui m’ont beaucoup touchée. Je lui ai donc proposé de faire un essai de sculpture. C’est ainsi que nous avons commencé à travailler ensemble. Et ç’a été un travail au long cours… Un projet énorme : il y a plusieurs expressions du visage, plusieurs marionnettes, plusieurs âges et plusieurs types de manipulation. Mon complice, Romuald Collinet, a intégré l’équipe en janvier 2017. Le film aurait dû être tourné cette année-là, mais on a été interrompu après quatre mois. Finalement, le projet a

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"Annette" de Leos Carax : noces de son

Ouverture Cannes 2021 | Espéré depuis un an, avec son titre qui est une quasi anagramme d'attente, le nouveau Carax tient davantage de la captation d’un projet scénique que de ses habituelles transes cinématographiques. Vraisemblablement nourrie de son histoire intime, cette mise en abyme du vampirisme trouble entre artistes, artistes et modèles, artistes et environnement familial, dépose presque toute fragilité en multipliant les oripeaux chic, glamour et trendy. Parfait pour le tapis rouge de l’ouverture de Cannes, moins pour l’émotion…

Vincent Raymond | Mercredi 7 juillet 2021

Figurer en ouverture sur la Croisette n’est pas forcément une bonne nouvelle pour un film. A fortiori cette année, après deux ans de disette. Car ce que le Festival attend de sa première montée des marches, c’est qu’elle amorce la pompe à coup de stars, de strass et de flashs fédérateurs. L’œuvre qui abrite ces premiers de cordée se trouve souvent reléguée à l’enveloppe de luxe et encourt surtout le risque d’être vite oblitérée d’abord par le reste de la sélection, puis par le temps. On n’aura pas la cruauté de rappeler quelques pétards mouillés du passé… Cochant les cases de la notoriété grand public et auteur, Annette souscrit également à d’autres paramètres prisés par les festivals : une dénonciation à travers la comédie musicale cinématographie de l’égotisme des gens de la "société du spectacle", à l’instar du All That Jazz (Palme d’Or 1980) de Bob Fosse o

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"Wendy": île (et elle) était une fois

ECRANS | ★★★★☆ De Benh Zeitlin (É.-U, 1h52) avec Devin France, Lowell Landes, Shay Walker… En salles le 23 décembre.

Vincent Raymond | Mardi 8 décembre 2020

Quand le train fantôme s’arrête en bas de chez elle, la jeune Wendy n’hésite pas : avec ses deux frères, elle quitte le bouiboui familial et la Louisiane pour l’aventure offerte par Peter Pan. Sur son île fantastique, les enfants s’ébattent libres, sans vieillir. Seule condition : respecter les règles… Depuis Les Bêtes du Sud sauvage (2012) on attendait le retour et la confirmation de Benh Zeitlin ; quel plaisir de retrouver son empreinte intacte dans cette adaptation de Peter Pan somme toute cohérente avec son univers épique à hauteur d’enfants, où l’action progresse par envolées spiralées, autant portées par un irrésistible mouvement musical et la voix off que par un somptueux flamboiement visuel ! À la fois conte, transe new age et opéra, le cinéma de Zeitlin (et tout particulièrement Wendy) fouille les sensations primales de l’enfance pour retrouver la sincérité originelle du regard. Ce qui n’exclut pas une certaine violence psychologique rappelant Sa Majesté des mouches : ladite enfance est dévorée par l’apprentissage (ou la

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"Pas sur la bouche" d'Alain Resnais : cinéma d'opérette

ECRANS | La Cinémathèque de Grenoble poursuit son cycle consacré au cinéaste disparu en 2014 avec ce savoureux film datant de 2003 au casting étincelant.

Vincent Raymond | Vendredi 13 octobre 2017

La Cinémathèque de Grenoble poursuit son cycle consacré à Alain Resnais dans un parfait désordre chronologique. Ne voyez là aucune malice : l’œuvre du cinéaste est d’un tel éclectisme et d’une telle originalité qu’elle parvient à se jouer singulièrement du temps. Et si certaines de ses réalisations les plus anciennes atteignent une atemporalité envoûtante, accentuée par la photographie noir et blanc, d’autres plus récentes prennent un plaisir gourmand et ludique à télescoper les époques. Dans le savoureux On connaît la chanson (1997, projeté lundi 16 octobre), c’était en sertissant ses dialogues d’extraits de refrains empruntés au vaste répertoire populaire du XXe siècle ; dans Pas sur la bouche (2003, projeté jeudi 19 octobre) c’est en adaptant une opérette années folles de Maurice Yvain. Intrigue bourgeoise délicieusement surannée à base d’amourettes croisées, de petites cachoteries et de grandes retrouvailles, ce film "parlant et chantant" réunit les sociétaires de la troupe (Sabine

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"L’Année dernière à Marienbad" d'Alain Resnais jeudi soir à la Cinémathèque

ECRANS | Parmi les innombrables perles scintillant dans le cycle Resnais programmé en ce moment par la Cinémathèque de Grenoble, figure celle imaginée en compagnie (...)

Vincent Raymond | Mardi 10 octobre 2017

Parmi les innombrables perles scintillant dans le cycle Resnais programmé en ce moment par la Cinémathèque de Grenoble, figure celle imaginée en compagnie d’Alain Robbe-Grillet, l’énigmatique et labyrinthique L’Année dernière à Marienbad (1961). Un film aussi captivant que lancinant, aussi agaçant que fascinant. Sorte de promenade dans les allées éternelles d’une mémoire rétive en spectateur statufié, ce voyage onirique et lauré d’un Lion ailé à Venise demeure hypnotisant grâce à la voix de Delphine Seyrig, aux allumettes de Sacha Pitoëff et les profondeurs à la Chirico. Jeudi 12 octobre à 20h, vous n’en reviendrez pas.

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"Jackie" : queen Kennedy, queen Portman

ECRANS | de Pablo Larraín (E.-U., 1h40) avec Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Greta Gerwig…

Vincent Raymond | Mardi 31 janvier 2017

Novembre 1963. JFK vient d’être assassiné et sa désormais veuve Jackie Bouvier-Kennedy reçoit un journaliste dans sa résidence glacée pour évoquer l’attentat de Dallas, mais aussi son avenir. Au fil de la discussion, elle se remémore pêle-mêle les jours heureux à la Maison-Blanche, les préparatifs des obsèques et la journée fatale… À l’instar de Neruda sorti il y a un mois, Jackie est un biopic transgressif où le sujet principal ayant la pleine conscience de sa future place dans l’Histoire se permet d’en soigner les contours en abrasant la moindre irrégularité apparente : la si lisse Mrs. Kennedy affirme ainsi ne pas fumer… en écrasant une de ses innombrables cigarettes ; la si droite Jackie tient debout… gavée de calmants et d’alcool. Dans la famille Kennedy, l’apparence prime sur l’expression publique d’un quelconque affect privé ; qu’importent les circonstances, Jackie se doit de participer à l’écriture de la glorieuse geste de cette dynastie. La construction achronologique du fi

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Soirées pré-Oscars avec "La La Land" et "Jackie"

Avant-premières | Deux gros événements cinéma à venir : samedi 21 janvier, "La La Land" sera en avant-première dans plusieurs cinémas de la ville. Et le mardi 24 janvier, c'est "Jackie" que les spectateurs du Club pourront découvrir avant sa sortie officielle. De quoi se préparer en beauté pour la cérémonie du 26 février.

Vincent Raymond | Mardi 17 janvier 2017

Soirées pré-Oscars avec

À présent que les Golden Globes ont été remis, couronnant d'un septuor inédit de statuettes la comédie musicale La La Land de Damien Chazelle (réalisateur du fameux Whiplash), la cote du film pour les Oscars monte plus haut que le contre-ut de la Reine de la Nuit. Et le désir pour nous public de le voir avant sa sortie prévue la semaine prochaine, le mercredi 25 janvier, également. Le distributeur SND l'a bien compris ; aussi a-t-il consenti à programmer une batterie d'avant-premières un peu partout en France, histoire d'étancher les impatiences et d'alimenter davantage le bouche à oreille. Détail amusant : elles ont toutes lieu au même moment, samedi à 19h30. Quant à Jackie de Pablo Larrain, biopic de Mme Bouvier-Kennedy-Onassis, il a déjà fait forte impression à Venise, et pourrait valoir selon les échotiers un second trophée à Natalie Portman après celui remporté pour The Black Swan. Quoi qu’il en soit, le public hexagonal pourra se faire sa propre opinion avant la cérémonie prévue le 26 février,

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"Neruda" : attrape-moi si tu peux !

ECRANS | D’un authentique épisode de la vie clandestine du poète chilien Pablo Neruda, Pablo Larrain tire un dys-biopic tenant de la farce, du polar politique et du western. Une palpitante mise en abyme de la création artistique célébrant la supériorité de tout artiste sur le commun des politiques…

Vincent Raymond | Mardi 3 janvier 2017

1948. Immense figure populaire, poète encensé, Pablo Neruda est aussi un député communiste s’opposant avec vigueur au président Videla. Lequel profite des tensions entre les grands blocs internationaux pour justifier son arrestation. Mais Neruda, pareil à une anguille, échappe à la traque menée par l’inspecteur Óscar Peluchonneau (interprété par Gael García Bernal). Et s’il ne parvient pas à quitter le pays, il va jusqu’à instaurer à distance un dialogue taquin avec son obstiné poursuivant… En préambule à son film, le cinéaste chilien Pablo Larrain aurait pu reprendre le mot de Boris Vian, à propos de L’Écume des jours : « Cette histoire est entièrement vraie puisque je l'ai imaginée d'un bout à l’autre. » Car si Neruda ne respecte pas "l’Histoire" stricto sensu ; si rien n’est authentique dans ce film, rien n’est réellement inexact. Tansformer en acte artistique un biopic d’artiste lui donne sa saveur, sa beauté et pour tout dire son véritable sens. En effet, raconter l’alpha et l’oméga d’une carrière ne présente, à part pour les indécrottables fans, qu’un intérêt médiocre : c’est ce qui di

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Resnais, dernier voyage...

ECRANS | La disparition d’Alain Resnais est arrivée au moment où on s’y attendait le moins, juste avant la sortie du film où il semblait enfin conjurer le (...)

Christophe Chabert | Mardi 25 mars 2014

Resnais, dernier voyage...

La disparition d’Alain Resnais est arrivée au moment où on s’y attendait le moins, juste avant la sortie du film où il semblait enfin conjurer le spectre de cette fatalité en la remplaçant par une ode joyeuse aux années qui restent à vivre… Car depuis 1984 et son sublime et aride L’Amour à mort, ses films semblaient être des répétitions générales d’un départ annoncé. À l’exception du mineur et jovial I want to go home (1989), hommage aux bandes dessinées qu’il adorait et dans lequel il avait fait des infidélités à son cercle d’acteurs, tous étaient nimbés de ce parfum funeste. La pieuvre narrative de Smoking et No Smoking (1993) avait beau ouvrir une douzaine de récits potentiels, tous se concluaient au cimetière ; dans Les Herbes folles (2009), la mort s’invitait littéralement par accident dans l’épilogue ; et Vous n’avez encore rien vu (2012) mettait en scène non p

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Aimer, boire et chanter

ECRANS | Pour sa troisième adaptation d’Alan Ayckbourn et, donc, son tout dernier film, Alain Resnais a choisi de laisser en sourdine ses ruminations crépusculaires pour une comédie qui célèbre la vie et la vieillesse, les artifices du théâtre et la force du cinéma. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 25 mars 2014

Aimer, boire et chanter

Dans Aimer, boire et chanter, il y a, comme dans tous les films d’Alain Resnais, un dispositif formel fort et très visible. Trop ? C’est ce que l’on pense lors des premières séquences, où le choix de toiles peintes découpées en rideaux pour les entrées et sorties est d’un goût contestable. Cette théâtralité, qui renvoie à la pièce d’Alan Ayckbourn que Resnais adapte ici (la troisième après Smoking / No Smoking et Cœurs) est cependant justifiée par le leitmotiv qui lance chacun des actes : Colin (Hyppolite Girardot) et sa femme Kathryn (Sabine Azéma) répètent eux-mêmes une pièce de théâtre, mais n’en dépassent jamais les premières répliques, la vie et le naturel finissant par reprendre le dessus. On ne verra jamais cette pièce à l’écran, tout comme on ne verra jamais son acteur principal, George Riley, dont son médecin Colin révèle la mort prochaine. Alors que ses amis (le couple formidable Caroline Silhol / Michel Vuillermoz), son épouse (Sandrine Kiberlain) et son rival (André Dussollier) s’inquiètent, se lamentent ou se réj

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Berlinale 2014, jour 4 : l’ombre de Terrence

ECRANS | "Things people do" de Saar Klein. "The Better angels" de A. J. Edwards. "In order of disappearance" de Hans-Peter Molland. "Aimer, boire et chanter" d’Alain Resnais (sortie le 26 mars)

Christophe Chabert | Mercredi 12 février 2014

Berlinale 2014, jour 4 : l’ombre de Terrence

On est déjà au milieu de notre Berlinale et plusieurs constats s’imposent. D’abord, la compétition est éclectique, et les deux exemples qui vont suivre dans notre billet du jour vont le prouver. Ensuite, le festival est de bonne facture. Si on le compare au voisin cannois, il connaît moins de très hauts, mais aussi moins de bas — peut-être passe-t-on à travers les gouttes et faisons-nous des choix judicieux dans son gargantuesque programme. Enfin, il fait une météo superbe à Berlin, et c’est la meilleure surprise de la semaine. Si on avait le temps — mais, à cinq films par jour, c’est mission impossible — on irait bien flâner dans la ville, profiter du séjour… Allez, boulot, boulot, menuise, menuise ; il faut parler des films qui s’accumulent dangereusement au fil des jours. Deux héritages malickiens À chaque festival international, la même question se pose : y verra-t-on un nouveau film de Terrence Malick ? Le maître en a trois sur le feu, et Berlin n’aura pas eu la primeur de son Knight of cups, dont on ne sait trop dans quelles ornières de montage il a pu tomber. Pas de Malick en compétition donc, mais le panorama du festival a fait planer s

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Aller de Lavant

CONNAITRE | Si la scène a bel et bien été, ces dernières années, le lieu de prédilection de Denis Lavant, c’est avant tout le cinéma qui a révélé au public ce drôle de corps, (...)

Christophe Chabert | Vendredi 5 avril 2013

Aller de Lavant

Si la scène a bel et bien été, ces dernières années, le lieu de prédilection de Denis Lavant, c’est avant tout le cinéma qui a révélé au public ce drôle de corps, athlétique et fougueux, et ce visage qui fût un temps lisse comme celui d’un adolescent lunaire, puis patiné par on ne sait quelles épreuves. Le cinéma et surtout un cinéaste : Leos Carax, qui vit en lui un parfait alter ego, tel Léaud pour Truffaut, et avec qui il construisit la première partie de son œuvre, celle d’avant l’éclipse. Boy meets girl, d’abord, qui sera projeté dimanche au Méliès : un jeune homme à la dérive dans un Paris qu’il a cartographié selon ses histoires amoureuses, rencontre lors d’une soirée mondaine une femme elle aussi un peu paumée, et c’est le coup de foudre. En noir et blanc, Carax filme un Lavant bredouillant, se perd en surimpression dans son regard immense et sombre, ou le laisse s’échapper dans des courses folles. Parfait prolongement des cuts et dissonances que le cinéaste aime créer à l’image et au son, Lavant est un corps taillé pour son cinéma, un acteur fait pour les raccords brutaux mais aussi pour les trav

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No

ECRANS | Le référendum de 1988 au Chili, pour ou contre le dictateur Pinochet, raconté depuis la cellule de communication du "Non" et son publicitaire en chef : ou quand la radicalité formelle de Pablo Larraín se met au service d’un véritable thriller politique, haletant et intelligent. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Jeudi 28 février 2013

No

Format carré, couleurs baveuses, image dégueu : on se demande d’abord si, à l’ère de la projection numérique, l’opérateur ne nous a pas joué un sale tour en glissant une vieille VHS dans un magnétoscope acheté sur Le bon coin. L’arrivée à l’écran de Gael Garcia Bernal achève de semer la confusion, et pour peu que l’on ne sache rien de ce que No raconte, on est en droit de se demander où Pablo Larraín veut nous emmener. Pourtant, tout va finalement faire sens. L’auteur de Tony Manero et Santiago 73, post mortem, achève avec No une trilogie sur l’histoire du Chili sous Pinochet, et sa radicalité formelle trouve ici une justification nouvelle. Nous sommes en 1988 et, face à la pression populaire, le dictateur fait un geste d’ouverture en organisant un référendum pour approuver ou rejeter sa présidence. L’opposition fait appel à un jeune publicitaire, René Saavedra, pour monter la campagne du "Non" à Pinochet. Celui-ci, ni particulièrement politisé, ni franchement hostile au régime, accepte pour une raiso

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De la rouille dans le moteur

ECRANS | Le Top 2012 de la rédaction et de nos lecteurs consacre deux films français, ce qui n’est pas forcément à l’image d’une année cinéma où le bon cinéma est venu de partout : des indépendants américains, du cinéma d’animation ou des cinéastes hors la loi. Bilan détaillé. Christophe Chabert

Aurélien Martinez | Mercredi 26 décembre 2012

De la rouille dans le moteur

En près de six ans de Top Flop, on n’avait jamais vu ça : un quatuor français en guise de vainqueurs et de perdants de notre référendum. Côté winners,  De rouille et d’os de Jacques Audiard et Holy Motors de Leos Carax ; côté losers,  Un plan parfait de Pascal Chaumeil et Stars 80 du tandem Langmann / Forestier. À signaler que votre Top Flop est, niveau réalisateurs, similaire à celui de 2009, où Un prophète avait fini 1er du top, et à celui de 2008 avec Astérix aux jeux olympiques premier du flop. Mais

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Le Top / Flop de la rédaction

ECRANS | Les dix meilleurs et les dix pires films de 2012 selon la rédaction du Petit Bulletin.

Christophe Chabert | Jeudi 20 décembre 2012

Le Top / Flop de la rédaction

Le Top 10 de la rédaction 1. Holy Motors de Leos Carax 2. Moonrise Kingdom de Wes Anderson 3. Cheval de guerre de Steven Spielberg 4. Les Bêtes du sud sauvage de Benh Zeitlin 5. Cosmopolis de David Cronenberg 6. Kill list de Ben Wheatley 7.

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Les Bêtes du sud sauvage

ECRANS | Auréolé de prix dans tous les festivals, de Sundance à Deauville en passant par Cannes, le premier film de Benh Zeitlin raconte, au croisement de la fiction ethnographique et du conte fantastique, une bouleversante histoire d’enfance et de survie. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mercredi 5 décembre 2012

Les Bêtes du sud sauvage

Il était une fois une petite fille qui s’appelait Hushpuppy et qui vivait avec son père dans le bayou en Louisiane, sur une île marécageuse que ses habitants avaient baptisée « le bassin ». Ce "Il était une fois" colle parfaitement aux Bêtes du sud sauvage : il dit à la fois sa force de témoignage quasi-documentaire et sa nature de conte pour enfants. Autant dire que Benh Zeitlin convoque des puissances contradictoires pour créer la souveraine harmonie qui baigne son film : d’un côté, l’urgence de conserver une trace de ce bout d’Amérique oubliée, bientôt englouti au sens propre comme au figuré (le souvenir de l’ouragan Kathrina est l’arrière monde évident du film), et de l’autre lui donner la fiction qu’elle mérite en l’inscrivant dans une vision cosmique. L’infiniment grand est en effet regardé depuis l’infiniment petit : à la hauteur d’une enfant de 6 ans (la surprenante Quvenzhané Wallis), qui livre ses pensées naïves mais pleines de bon sens sur les événements qu’elle traverse, matérialisant ses peurs à travers une menace sourde dont l’avancée vient régulièrement percer le récit d’une pointe de fantastique. Car si sa réalité est celle de la lente agonie de

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Vous n’avez encore rien vu

ECRANS | À presque 90 ans, Alain Resnais est manifestement entré dans le crépuscule de sa carrière. Cela fait quelques films qu’on le dit, et on peut se demander si (...)

Christophe Chabert | Vendredi 21 septembre 2012

Vous n’avez encore rien vu

À presque 90 ans, Alain Resnais est manifestement entré dans le crépuscule de sa carrière. Cela fait quelques films qu’on le dit, et on peut se demander si le réalisateur n’a pas fini par inclure cette donnée comme un clin d’œil au spectateur – le titre de son dernier film, Vous n’avez encore rien vu, en est l’exemple manifeste. On a tendance aussi à louer sa "fantaisie" et sa "légèreté", mais c’est plus par indulgence coupable que par lucidité critique : la naphtaline s’emparait lentement de son cinéma, et elle vire ici à l’embaumement pur et simple. Le dispositif, très sophistiqué, voit une troupe d’acteurs réunis dans la dernière demeure d’un metteur en scène de théâtre qui les a tous dirigés dans une version ou une autre d’Eurydice. En guise de testament, il leur fait projeter la captation de sa dernière création, où la pièce est interprétée façon théâtre contemporain par de jeunes comédiens. Face aux images, ils vont revivre - rejouer leur rôle dans des décors réalistes ou numériques, effaçant la frontière entre le réel et sa représentation. C’est très malin, mais très répétitif aussi, et surtout lesté par le texte d’Anouilh, ampoulé, daté, fondame

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Un été sous influence

ECRANS | L’été, c’est la saison des reprises sur grand écran, avec une belle rétro Cassavetes au Club, la copie neuve de "Lola" de Jacques Demy au Méliès, et des films en plein air au parc Paul-Mistral. Christophe Chabert

Aurélien Martinez | Lundi 16 juillet 2012

Un été sous influence

C’est en France que le culte autour de John Cassavetes a pris sa source. Quelques années après sa mort, cinq de ses films ressortent en salles en copies neuves et marquent durablement l’esprit des cinéphiles mais aussi des cinéastes, qui iront s’inspirer de la méthode Cassavetes avec plus ou moins de bonheur. Ces cinq films, les revoici cet été au Club dans des copies numériques. Avec Shadows (1959), il tourne en même temps que la Nouvelle Vague française un film aux méthodes assez proches : décors et lumières naturelles, acteurs non professionnels, sujet pioché dans la réalité (un frère et une sœur, tous deux noirs mais lui plus noir de peau qu’elle, confrontés au racisme ordinaire) et quête de la spontanéité et de la vérité par le jeu comme par la caméra. Le cinéaste, parti sur l’idée d’improvisation, finit par y renoncer et retourne le film intégralement, avec un vrai dialogue qu’il passe du temps à répéter avec ses comédiens. La méthode Cassavetes est née, et elle explose en 1968 avec Faces, où se développe son goût pour les situations d’embarras et de crise. Elle atteint son sommet grâce au superbe Une femme sous influence (photo), avec l’éblouiss

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Leos et les bas

ECRANS | Six films (dont un court-métrage) en 28 ans, avec de grandes galères et de longues traversées du désert : la filmographie de Leos Carax est un roman. Christophe Chabert

Aurélien Martinez | Vendredi 29 juin 2012

Leos et les bas

1984 : Boy meets girlLe programme du titre n’est pas trompeur : dès son premier film, Leos Carax s’affirme avant tout comme un metteur en scène plus que comme un raconteur d’histoires, souvent banales chez lui. En noir et blanc, il filme la rencontre entre Alex, ado lunaire, et Mireille (Perrier), comédienne rongée par le mal-être. L’influence de Godard est sensible dans les nombreuses dissonances visuelles et sonores qui forment déjà le style Carax, mais aussi dans la rumination sur le cinéma en déclin, assassiné par la vidéo. 1986 : Mauvais sangLe tournage, compliqué, de ce deuxième film couronné par le prix Louis Delluc, va forger la réputation d’un Carax perfectionniste et irresponsable. Avec le recul, on voit bien quel mur le cinéaste s’apprête à se prendre en pleine face : alors qu’il radicalise encore son esthétique, où chaque plan doit être une œuvre en soi et où le scénario (qui entrecroise histoire d’amour, polar et trame d’espionnage) n’est que le prétexte à cette quête de la sidération, Carax engloutit des fortunes que même certains films « populaires » n’osent pas impliquer. Par ailleurs, Ma

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Voyage en Caraxie

ECRANS | Étonnant retour en grâce de Leos Carax avec "Holy motors", son premier long-métrage en treize ans, promenade en compagnie de son acteur fétiche Denis Lavant à travers son œuvre chaotique et un cinéma mourant. Qui, paradoxe sublime, n’a jamais été aussi vivant que dans ce film miraculeux et joyeux. Critique et retour sur une filmographie accidentée. Christophe Chabert

Aurélien Martinez | Vendredi 29 juin 2012

Voyage en Caraxie

Dans Boy meets girl, premier film de Leos Carax, Alex (Denis Lavant, déjà alter-ego du cinéaste au point de lui emprunter son vrai prénom) détache un poster dans sa chambre et découvre une carte de Paris dessinée sur le mur où chaque événement de sa vie a été reliée à une rue, un monument, un quartier. Ce plan, c’est celui de la Caraxie, cet étrange espace-temps construit à partir des souvenirs personnels et cinématographiques du cinéaste, celui qu’il a ensuite arpenté jusqu’à en trouver le cul-de-sac dans son film maudit, Les Amants du Pont-Neuf. Au début d’Holy motors, Leos Carax en personne se réveille dans une chambre, comme s’il sortait d’un long sommeil. Sommeil créatif, pense-t-on : cela fait treize ans qu’il n’a pas tourné de long-métrage. Le voilà donc qui erre dans cette pièce mystérieuse qui pourrait aussi, si on en croit la bande-son, être la cabine d’un bateau à la dérive ; et ce qu’il découvre derrière un mur n’est plus un

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Les Herbes folles

ECRANS | D’Alain Resnais (Fr, 1h44) avec André Dussollier, Sabine Azéma…

François Cau | Jeudi 29 octobre 2009

Les Herbes folles

«Et si… Et si…» La voix-off des Herbes folles (celle d’Edouard Baer) pose son principe de possibles incongrus, de hasards débouchant sur la rencontre entre des êtres mal dans leur peau, dans leur couple, dans leur vie… Un «Incident» (titre du livre de Christian Gailly dont le film est l’adaptation) banal, le vol d’un sac, va provoquer un grand remue-ménage entre Marguerite (qui l’a perdu) et Georges (qui en a retrouvé le contenu dans un parking). Marguerite est seule, Georges vit avec femme et enfants mais, première surprise, c’est lui le plus instable des deux. Et c’est lui qui, au détriment de toute logique (sauf celle du scénario !), va faire enfler le fait-divers, persécutant par amour une femme dont il ne sait pourtant rien. Le goût du roman contre la monotonie de l’existence : c’est l’idée derrière le nouveau film-anguille d’Alain Resnais, qui s’offre comme un contre poison à l’amertume dépressive du précédent Cœurs. Vif, coloré, imprévisible, drôle, il est pourtant lézardé par les angoisses habituelles de l’auteur, quand bien même des herbes folles (comprenez : libres, incontrôlables) pousseraient au milieu de ce béton fissuré.CC

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Tony Manero

ECRANS | De Pablo Larrain (Brésil, 1h38) avec Alfredo Castro, Amparo Noguera…

François Cau | Lundi 9 mars 2009

Tony Manero

Oh le beau projet casse-gueule que voilà : démontrer l’horrible absurdité du régime de terreur instauré par Pinochet dans les heures les plus sombres de son régime, via le prisme forcément déviant d’un fan de Tony Manero (le personnage interprété par John Travolta dans La Fièvre du Samedi Soir), dont le parcours chaotique résonne symboliquement avec les exactions du gouvernement chilien. Autant vous dire que le film de Pablo Larrain exige de son spectateur une suspension d’incrédulité à toute épreuve ! Théoriquement, le film est de fait passionnant dans l’exploitation de son postulat narratif carrément improbable, sur sa volonté kamikaze de s’attacher à la froide description d’une névrose qui finira par dévorer son protagoniste déconnecté des réalités l’entourant. Formellement, Pablo Larrain abuse un peu trop d’une complaisance misérabiliste surlignant ses intentions au lieu de leur donner l’ampleur voulue, en particulier dans sa description crue du marasme sexuel de son personnage principal. Le réalisateur nous plonge la tête dans le sordide et le pathétique sans oser s’en relever, et s’enferme volontairement dans le cinéma à thèse pour festivalier en goguette. Dommage.

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Alain Resnais, notre aimé

ECRANS | Hommage / Alain Resnais, 85 ans, 17 long-métrages, des courts, des documentaires à tout jamais marquants, éternellement présents, toujours uniques et (...)

| Mercredi 11 juillet 2007

Alain Resnais, notre aimé

Hommage / Alain Resnais, 85 ans, 17 long-métrages, des courts, des documentaires à tout jamais marquants, éternellement présents, toujours uniques et novateurs. Le Festival du Court Métrage lui rend à juste titre hommage, à travers la projection ouverte à tous d ‘I want to go home, un long-métrage sorti 1989 sur l’esprit français radiographié par un auteur de bandes dessinées (projeté 4 juillet à minuit à la Salle Juliet Berto), et les deux jours de stage d’analyse filmique qui, ne pouvant accueillir qu’une trentaine de personnes par soucis d’échanges à taille humaine, est, malheureusement déjà complet. Les heureux participants découvriront lors de ces deux journées, des perles. Dont Van Gogh (1948) le premier court-métrage réalisé par Resnais : les œuvres du maître y sont filmées avec une caméra qui semble pénétrer la peinture par l’effacement du cadre, procédé que l’on retrouve dans Paul Gauguin (1950). À travers Guernica (1950), Resnais aborde la guerre d’Espagne. Avec Nuit et Brouillard (1955), il délivre un document poignant sur le génocide nazi. On le constate, sa réflexion sur les sujets politiques, sur les évènements sociaux graves, son souci d’humanisme sont la sève de ses

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