Big Mac

ECRANS | Avec quatre films à l’affiche entre août et décembre, Matthew McConaughey est incontestablement la star de cette rentrée cinéma. Pourtant, qui aurait parié un kopeck sur cet ex-jeune premier romantique, Texan pure souche perdu à Hollywood où la valeur d’un acteur flambe plus vite que les cours de bourse ? Récit d’une métamorphose… Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mercredi 29 août 2012

«Tout ce que je connais, c'est le Texas !» C'est ainsi que les frères Coen ouvraient leur premier film, Blood simple. Cette maxime, Matthew McConaughey pourrait la faire sienne. Le Texas, il y est né, et sa première apparition marquante sur les écrans français le montrait en shérif d'un patelin texan dans le Lone star de John Sayles. Quinze ans plus tard, après bien des détours, c'est le Texas qui l'appelle à nouveau et lui permet d'endosser ce qui est sans conteste un de ses plus grands rôles à ce jour : le flic pourri qui arrondit ses fins de mois en jouant les tueurs à gage dans Killer Joe (en salles le 5 septembre), dernier film choc de William Friedkin. Mais que ce soit dans l'excellent Magic Mike de Steven Soderbergh en patron d'un club de strip-tease à Tampa, dans la tambouille érotico-policière The Paperboy (le 19 octobre) de Lee Daniels en journaliste gay revenant dans sa Floride natale pour enquêter sur un condamné à mort, ou encore dans le génial Mud (le 19 décembre) de Jeff Nichols où, mi-pirate, mi-hors-la-loi, il échoue sur une petite île dans le Mississipi, McConaughey ne cache plus ses racines sudistes. Ce qui était un handicap pour le jeune premier pasteurisé se rêvant tête d'affiche de superproductions hollywoodiennes et de comédies romantiques en série, est devenu un atout pour un comédien en pleine renaissance, enchaînant petits et grands rôles avec les cinéastes les plus farouchement personnels qui soient.

Dans l'ombre des stars

Jeune premier romantique : l'étiquette n'a de toute façon jamais collé avec McConaughey. Son physique bizarre, grand front et mâchoire prognate, qu'il a beau compenser en sculptant avec application abdos et pectoraux, jure avec les autres beaux gosses de sa génération. McConaughey n'a pas non plus fait la différence avec sa technique, si bien qu'entre la dure loi de la jungle hollywoodienne et les mauvais films dans lesquels il s'est aventuré (Sahara, un sous-Indiana Jones vite oublié, En Direct sur Ed TV, une critique proprette de la télé réalité qui ne tenait pas la comparaison avec le Truman Show, ou l'improbable Règne du feu, croisement gonzo entre héroïc fantasy et science-fiction post-apocalyptique), l'acteur aurait pu finir parmi les has-been du cinoche américain, enchaînant séries B et nanars jusqu'à l'oubli complet. C'est finalement la chance qui l'a remis à flot : il reprend au pied levé un rôle écrit par Ben Stiller pour son pote Owen Wilson, convalescent après une tentative de suicide, dans Tonnerre sous les tropiques. Il y est l'agent âpre au gain mais fidèle d'une méga-star hollywoodienne aussi stupide que lui. On ne saurait être plus clair : avec une dose d'autodérision insoupçonnée, McConaughey accepte d'aller jouer les seconds rôles dans l'ombre des acteurs hype du moment. Il se fait ensuite remarquer dans l'adaptation de La Défense Lincoln, avant de retourner jouer les seconds rôles de shérif texan dans l'encore inédit Bernie aux côtés de Jack Black.

Gueule cassée

Finalement, le vrai coup de bol de McConaughey, c'est que cette renaissance créative va tomber au moment où des cinéastes américains, et pas des moindres, redécouvrent le sud des États-Unis sans pour autant en livrer une vision caricaturale. Même quand le vétéran Friedkin fait de Killer Joe une galerie de rednecks dégénérés, cupides et méchants, il a l'intelligence de ne jamais offrir de contrechamp à cette microsociété dégénérée. Si bien qu'au milieu de cette famille d'idiots, McConaughey n'a aucun mal à imposer un certain raffinement et un charme vénéneux qui font de cette incarnation du mal à l'état pur un monstre de séduction comme on en n'avait pas vu depuis De Niro dans Les Nerfs à vif. Quant à Jeff Nichols, il trouve chez l'acteur une présence mythologique qui lui permet de très vite atteindre l'objectif qu'il s'est fixé : faire renaître dans une histoire originale l'esprit des grands récits d'aventure à la Mark Twain. L'interprétation que McConaughey fait de Mud le transforme en archétype du mauvais garçon traqué par la justice et porté par un idéal romanesque et amoureux aussi absolu qu'illusoire. Gueule cassée, verbe rare, sens de l'action et de l'instinct de survie, source de fascination et de crainte, il invente un personnage inoubliable dans un film qui ne l'est pas moins tout en prenant toute sa carrière à rebrousse-poil. Finalement, la scène qui décrit le mieux la mue de McConaughey, on la trouve dans Magic Mike : face à un miroir, il apprend à Adam (Alex Pettyfer), strip-teaseur novice, les bases du métier. Il se regarde dans la glace, mais son regard dévie et son reflet finit par nous regarder nous. Au-delà de l'exploit technique du comédien, cela en dit beaucoup sur l'acteur : autrefois, il cherchait à tout prix le regard du spectateur, narcisse hollywoodien comme il y en a beaucoup ; aujourd'hui, ce qu'il veut surtout, c'est que chacun de ses rôles soit un miroir tendu vers notre propre nature humaine dans ce qu'elle a d'ambivalente, de grandiose ou de pathétique. Welcome back, mister McConaughey !

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Polytech s'offre "Interstellar"

ECRANS | Rendez-vous mardi 5 mars à Mon Ciné pour (re)découvrir le bijou de Christopher Nolan sorti il y a cinq ans.

Vincent Raymond | Mardi 26 février 2019

Polytech s'offre

Il fut un temps où la Warner parvenait à concilier mieux qu’aucune major sa tête et son cœur (enfin, le muscle devant son cœur, son portefeuille), en abritant en son giron une foule d’auteurs garantissant à la fois prestige international et écrasants triomphes au box-office. De cette époque à Kubrick ou Kazan ne reste qu’un Eastwood bientôt nonagénaire. Parmi la relève, les Wachowski sont au purgatoire, Paul Thomas Anderson (hélas trop peu rentable) a été exfiltré ; Cuarón a succombé aux beaux yeux billets verts de Netflix. Demeure le fidèle Christopher Nolan, rarement décevant (c’est-à-dire souvent plus que profitable), qui de surcroît met le monde en transe avec ses histoires emplies de paradoxes scientifiques, d’effets visuels hypnotiques et de stars oscarisées par camions entiers. Tel Interstellar (2014). Encouragé par le succès d’Inception (2010), aventure exploratoire de l’infiniment intime des songes, où les protagonistes se dotaient du pouvoir d’investir et de modeler leurs mondes intérieurs à leur convenance (quitte à s’y trouver piégé), Interstellar poursuit dans le

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"Le Silence des autres" : l'Espagne face à son passé

Documentaire | de Almudena Carracedo et Robert Bahar (Esp, 1h35) documentaire

Vincent Raymond | Mardi 12 février 2019

Une loi d’amnistie générale des crimes commis pendant la période franquiste ayant été votée dans la foulée de la mort du dictateur en 1975, la justice espagnole n’a pas eu la possibilité de poursuivre les tortionnaires du régime. Mais de même que Pinochet avait été mis en accusation en Espagne, un groupe de victimes, de descendants de disparus et de parents dont les enfants furent volés a déposé plainte devant les tribunaux argentins, qui a jugé l’affaire recevable. Ce documentaire produit par Pedro Almodóvar relate leur longue procédure, toujours en cours… Une piqûre de rappel aux mémoires défaillantes ainsi qu’aux jeunes générations : une nation qui banalise ou oblitère les crimes d’une dictature au nom de la réconciliation s’expose à des contre-coups violents : résurgence de la haine et impossibilité pour les victimes de tourner la page. C’est justement ce qui se passe en Espagne où l’ombre du franquisme a continué à planer. Résultat ? Le parlement andalou vient d’accueillir ses premiers élus d’extrême-droite et certaines personnes n’ont toujours pas pu se reconstruire, quarante ans après. L’une d’elle explique bien son besoin non d’une vengeance (puisqu’elle pardon

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"Le Silence des autres" : un bout d'histoire d'Espagne jeudi soir au Club

ECRANS | Alors que le gouvernement espagnol envisage de déménager le tombeau de Franco, et que des députés néo-franquistes ont fait leur entrée au parlement andalou, Le (...)

Vincent Raymond | Mardi 29 janvier 2019

Alors que le gouvernement espagnol envisage de déménager le tombeau de Franco, et que des députés néo-franquistes ont fait leur entrée au parlement andalou, Le Silence des autres, documentaire de Almudena Carracedo et Robert Bahar, tombe à point nommé. Il évoque les années d’après la dictature, et la loi d’amnistie générale votée en 1977 destinée à favoriser la transition démocratique. Seul "problème" : elle contenait l’interdiction de poursuivre les responsables de crimes (tortures, enlèvements...) durant la période franquiste. Sur le sol ibère en tout cas… L’un des témoins du film, Horacio Sainz Ollero, sera présent jeudi 31 janvier à 20h15 au Club pour l'avant-première du film (sortie prévue le 13 février).

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"Undercover - Une histoire vraie" : un deal est un deal

ECRANS | de Yann Demange (ÉU, 1h51) avec Matthew McConaughey, Richie Merritt, Bel Powley…

Vincent Raymond | Jeudi 20 décembre 2018

1984. Ricky, 14 ans, et son père font un commerce plus ou moins légal d’armes à feu auprès des gangs tenant le marché du crack dans les squats de Détroit. Flairant l’aubaine, le FBI transforme le jeune Ricky en dealer pour infiltrer le réseau. Sans lui laisser vraiment le choix… On ne peut plus explicite et programmatique, le titre français met l’accent sur l’authenticité des faits davantage que sur la figure de Ricky. Pourtant, c’est bien cet ado à moustachette qui est la colonne vertébrale de l’histoire, la mouche sur le hameçon lancé par un FBI avide de faire des grosses prises mais peu soucieux du devenir de l’appât après coup(s). Mais ne divulgâchons pas la fin… Si l’on a l’habitude des histoires de gangs et de mafia survitaminées par Scorsese et ses épigones, celle-ci semblera plus calme : Undercover ne superlative rien. C’en est même parfois troublant, puisque les séquences de nouba avec les caïds, les descentes de flics ou certaines scènes de tension familiale semblent sous-dramatisées ; en tout cas moins épileptiquement montées qu’à l’ordinaire. Une façon de fuir la convention, de se rapprocher du réalisme sans dou

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"Dark Way" de Quai d'Orsay : la britpop peut aussi venir de Grenoble

Concert de sortie d'album | Espoir fort appuyé en son fief grenoblois (Cuvée grenobloise 2015 ; une du "Petit Bulletin" en 2016 ; soutien du feu Ciel, de la Belle électrique, de la Ville de Grenoble...), le quatuor Quai d'Orsay, qui publie enfin son premier album "Dark Way" ce vendredi 13 octobre (jour du concert à la Source), se revendique pourtant, comme son nom l'indique, d'un ailleurs évident : l'héritage britpop. Et cela s'entend. En bien.

Stéphane Duchêne | Mardi 10 octobre 2017

Sait-on encore ce qu'est la britpop, du nom de cette éruption panbritannique du mitan des années 1990 qui vit jaillir de son cratère quelques têtes ne parvenant jusque-là pas à s'extraire de l'anonymat (Pulp, Blur, Radiohead), quelques pépites pas très polies (Oasis, Supergrass) et des feux de pailles vaporisés jusqu'à l'horizon (Cast, Bluetones, Elastica, Shed Seven, Gene, Sleeper...) ? Une tradition bien plus ancienne remontant peut-être moins aux Beatles qu'aux Kinks ou aux Zombies ? Ou encore ce qui se produisit entre les deux, cette émergence d'un courant dit "ligne claire" incarné par Prefab Sprout, les Pale Fountains ou les groupes du label Sarah Records, largement coiffés par les Smiths, la banane et l'ego surplombants de Morrissey ? Ou tout cela à la fois sans doute, plus pas mal de choses glissées ça et là dans les interstices de l'histoire... Alors quand on dit des Grenoblois de Quai d'Orsay (Rémi Guirao, Basil Belmudes, Vadim Bernard et Charles Sinz) qu'en bon ministère des affaires musicales étrangères ils bichonnent les relations franco-britanniques et qu'ils relèvent de la britpop, de quoi parle-t-on ?

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"Gold" : mauvaise pioche cher Matthew McConaughey

ECRANS | de Stephen Gaghan (É.-U., 2h01) avec Matthew McConaughey, Bryce Dallas Howard, Édgar Ramírez…

Vincent Raymond | Mardi 18 avril 2017

Héritier poissard d’une famille de chercheurs d’or, Kenny Wells joue son va-tout en s’associant avec un géologue mystique… et découvre un filon extraordinaire en Indonésie. Devenu du jour au lendemain la coqueluche de Wall Street, il va pourtant choir pour escroquerie. Les Étasuniens raffolent de ce genre de conte de fées vantant l’obstination malgré les embûches : plus l’on trébuche, plus la sonnante récompense le sera aussi. Mais pour que ce conte "prenne" chez nous, il faut un minimum de notoriété du protagoniste, un destin réellement hors du commun ou bien un film résolument exceptionnel. Pas de veine, ce n’est pas le cas avec ce pensum dont on se moque comme un orpailleur de sa première pépite de pyrite de fer : le désir de revanche d’un fissapapa ruiné n’a rien d’exaltant. L’interprétation ne sauve rien : la mine des mauvais jours, Matthew McConaughey, en version chauve et bedonnante, semble mal remis de son Oscar. Moulinant des bras quand il n’écarquille pas des yeux figé sur place, il se perd dans un épouvantable jeu à la Tom Cruise. Seul intérêt du film : les costumes et décors, permettant de s’initier au vrai chic des nouveaux rich

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"Tous en scène" : music-animal animé

ECRANS | de Garth Jennings (E.-U., 1h48) animation

Vincent Raymond | Mardi 24 janvier 2017

Pour sauver son théâtre d’une ultime faillite, Buster le koala mise sur un concours de chant ouvert aux amateurs. Une succession de mésaventures lui rend la chose plus ardue que prévue, alors même qu’il a réuni une troupe de talents hors du commun… Les studios Illumination (incubateurs des Minions) savent souffler le froid et le chaud avec les animaux : au consternant Comme des bêtes sorti l’été dernier succède ici en effet une efficace et entraînante comédie, bien moins bébête et puérile que le cadre référentiel (l’engouement autour des télé-crochets musicaux) ne le laissait craindre. L’absence de clins d’œil à outrance, d’un trop-plein de parodies ou d’allusions à des demi-stars vaguement dans l’air du temps contribue à la réussite de l’ensemble, qui tire avant tout parti de ses ressources propres : son intrigue et ses personnages, aux caractéristiques adroitement dessinés. Même les voix françaises font preuve d’une tempérance bienvenue ! Cela dit, il n’y a pas de quoi être étonné : un film encadré pa

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Interstellar

ECRANS | L’espace, dernière frontière des cinéastes ambitieux ? Pour Christopher Nolan, c’est surtout l’occasion de montrer les limites de son cinéma, en quête de sens et d’émotions par-delà les mathématiques arides de ses scénarios et l’épique de ses morceaux de bravoure. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 4 novembre 2014

Interstellar

Un an à peine après Gravity, au tour de Christopher Nolan de s’aventurer dans l’espace pour en donner une image scientifiquement correcte et réaliste avec Interstellar. Le futur du film est une vision à peine déformée de celui qui nous attend, marqué par la pénurie de céréales et les dérèglements climatiques, au point de pousser l’homme à chercher par-delà notre système solaire d’autres planètes habitables. Nolan centre son approche sur une famille purement américaine, dont le père décide de rejoindre une équipe d’astronautes pour s’engouffrer dans un « trou de ver » et rejoindre une autre dimension du temps et de l’espace. L’intime et le cosmos, les paradoxes liés à la relativité temporelle, les autres mondes dominés par des éléments uniques et déchaînés (l’eau, la glace) : c’est un territoire ambitieux qu’arpente Nolan. Mais plutôt que d’en faire une plongée vers l’inédit, il le ramène vers sa propre maîtrise, désormais avérée, pointant toutes les limites de son cinéma. Dans l’espace, personne ne vous e

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Dallas Buyers Club

ECRANS | Le réalisateur de "C.R.A.Z.Y." s’empare de l’histoire vraie de Ron Woodroof, Texan pure souche, bien réac’ et bien homophobe, qui s’engage contre l’industrie pharmaceutique américaine après avoir découvert sa séropositivité. D’une édifiante linéarité, n’était la prestation grandiose de Matthew McConaughey. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Lundi 3 février 2014

Dallas Buyers Club

L’histoire est incroyable mais vraie, et comme souvent dans ce type de fictions à sujet, l’argument semble suffire à donner au film un poids dramaturgique. Alors que le sida commence à faire des ravages dans la communauté gay — la mort de Rock Hudson et son tragique coming out post mortem font la une des journaux — un électricien Texan bas du front, qui fait du rodéo et conchie les homos (dans son jargon, ce sont des «fiottes» ou des «pédés») découvre qu’il est séropositif. Son monde et ses valeurs s’écroulent, d’autant plus que les médecins ne lui donnent que trente jours à vivre. Après un petit cours accéléré en bibliothèque et la rencontre avec une doctoresse sincère et pure — Jennifer Garner — il découvre que 1) un traitement basé sur l’AZT peut retarder la maladie ; 2) ledit traitement fait en définitive plus de mal que de bien, mais que 3) il existe d’autres médicament qui, à défaut de traiter le virus lui-même, peuvent s’attaquer aux maladies opportunistes déclenchées par la déficience du système immunitaire. Problème : les labos et le gouvernement, main dans la main car on est dans l’Amérique libérale et reaganienne, font tout pour empêcher leur

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"Le Loup de Wall Street" : voyage au bout de l'enfer (du capitalisme)

ECRANS | La vie de Jordan Belfort, courtier en bourse obsédé par les putes, la coke et surtout l’argent, permet à Martin Scorsese de plonger le spectateur trois heures durant en apnée dans l’enfer du capitalisme, pour une fresque verhovenienne hallucinée et résolument burlesque, qui permet à Di Caprio de se transcender.

Christophe Chabert | Vendredi 27 décembre 2013

« Greed is good. » C’était la maxime de Gordon Gecko / Michael Douglas dans le Wall Street d’Oliver Stone. Un film de dénonce balourd qui a eu pour incidence contre-productive de transformer Gecko en héros d’une meute d’abrutis cocaïnés et irresponsables, trop heureux de se trouver un modèle ou un miroir selon le degré d’avancement de leur ambition. Jordan Belfort, auquel Martin Scorsese consacre cette bio filmée de trois heures et à qui Leonardo Di Caprio prête ses traits, est de cette génération-là, celle qui a eu Gecko pour modèle et son slogan comme obsession. Le film, passé son prologue provocateur (grosse bagnole et coke à même l’anus d’une prostituée) attrape d’ailleurs son héros dans un instant paradoxal : le lundi noir de 1989 où, alors qu’il s’apprête à concrétiser son rêve et devenir courtier à Wall Street, la bourse plonge et avec elle une partie de l’économie mondiale. Faux départ, retour à zéro : l’itinéraire de Jordan Belfort s’édifie sur un moment de purge financière supposée assainir le système et qui ne fait que préparer l’avènement d’une corruption plus grande encore, par de jeunes loups ayant tiré

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« J’aime peindre avec un large pinceau »

ECRANS | Il n’a que 34 ans, une silhouette d’éternel adolescent et un entretien avec lui se transforme vite en conversation familière avec un passionné de littérature et de cinéma. Jeff Nichols ressemble à ses films : direct, simple et pourtant éminemment profond. Propos recueillis et traduits par Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 23 avril 2013

« J’aime peindre avec un large pinceau »

Vous avez écrit Mud avant Take shelter, c’est ça ?Jeff Nichols : Plutôt pendant… Mais j’avais conçu l’histoire de Mud bien avant Take shelter, quand j’étais encore à l’université, il y a dix ans de cela. J’avais posé les grandes lignes du récit, dessiné les personnages. C’est seulement à l’été 2008 que je m’y suis vraiment consacré et que j’ai écrit coup sur coup Take shelter et Mud. Pourquoi l’avoir tourné après, alors ?Pour plusieurs raisons. L’une est pratique : Take shelter coûtait moins cher que Mud. Après mon premier film, Shotgun stories, j’avais eu d’excellentes critiques, mais il n’avait pas rapporté d’argent, en particulier aux États-Unis, donc personne ne frappait à ma porte pour me demander de tourner un autre film. Je savais que Mu

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In the Mud for love

ECRANS | Dès son troisième long-métrage, Jeff Nichols s’inscrit comme un des grands cinéastes américains actuels : à la fois film d’aventures, récit d’apprentissage et conte aux accents mythologiques, "Mud" enchante de sa première à sa dernière image. Critique et entretien. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 23 avril 2013

In the Mud for love

Il aura donc fallu près d’un an depuis sa présentation cannoise pour que Mud atteigne les écrans français. C’est long, certes, mais les spectateurs qui vont le découvrir – parions que, toutes générations et tous goûts cinématographiques confondus, ils en sortiront éblouis – verront ce que le critique pris dans la tempête festivalière ne faisait que deviner à l’époque : Jeff Nichols a signé ici une œuvre hors du temps, un film classique dans le meilleur sens du terme qui s’inscrit dans une tradition essentielle au cinéma américain, reliant Moonfleet, La Nuit du chasseur, E.T., Un monde parfait ou le True Grit des frères Coen. Des films qui parlent de l’Amérique à hauteur d’enfants, avec ce que cela implique d’émerveillement et de désillusions. Des films qui font grandir ceux qui les regardent en même temps qu’ils regardent grandir leur héros. C’est dire l’ambition de Jeff Nichols : Shotgun stories et

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Paperboy

ECRANS | De Lee Daniels (ÉU, 1h48) avec Nicole Kidman, Zac Efron, Matthew McConaughey…

Christophe Chabert | Jeudi 11 octobre 2012

Paperboy

Le mirage continue autour de Lee Daniels : après les louanges déversées sur ce navet putassier et obscène qu’était Precious, le voilà sélectionné à Cannes pour un film encore pire, Paperboy. Daniels a désormais un style : en tant qu’auteur, il raconte à peu près n’importe comment ses histoires, passant d’un point de vue à un autre, ne choisissant jamais un angle pour traiter les sujets qu’il brasse, en général pleins de bonne conscience (ici : racisme, peine de mort, identité sexuelle). En tant que cinéaste, c’est la fête puisque l’image, déjà enlaidie par l’utilisation de filtres glauques pour faire vintage, est triturée avec d’incompréhensibles surimpressions, ralentis et anamorphoses, avant d’être baignée dans de la musique rétro. En tant qu’homme, Daniels aimerait provoquer (il faut voir Nicole Kidman se livrer à de pathétiques simagrées sexuelles pour mesurer l’étendue des dégâts), émouvoir (on n’a jamais vu mort d’un personnage aussi peu touchante à l’écran) et pousser à l’indignation. Mais le seul souvenir que laisse Paperboy, c’est celle d’un type q

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Killer Joe

ECRANS | Avec ce Killer Joe à la rage juvénile, William Friedkin, 77 ans, est de retour au sommet. Bug montrait déjà une hargne retrouvée, mais aussi des limites par (...)

Christophe Chabert | Vendredi 31 août 2012

Killer Joe

Avec ce Killer Joe à la rage juvénile, William Friedkin, 77 ans, est de retour au sommet. Bug montrait déjà une hargne retrouvée, mais aussi des limites par rapport au matériau théâtral qu’il se contentait de transposer sagement à l’écran. L’auteur, Tracy Letts, est aussi celui de la pièce qui a inspiré Killer Joe ; cette fois, il a pris le temps de bosser avec Friedkin une vraie adaptation cinématographique, aérée et fluide. Choix plus que payant : le dialogue brillant de Letts trouve dans la mise en scène de Friedkin un allié de poids, le cinéaste étant trop content d’aller en découdre avec son thème de prédilection : l’omniprésence du mal. Killer Joe montre une famille de Texans dégénérés vivant dans un mobile home insalubre : le père apathique, la belle-mère nympho, le fils magouilleur et la fille candide, Dottie. Complètement fauchés, ils décident de mettre à mort la mère pour toucher son assurance-vie. Comme ils sont aussi lâches que méchants, ils font appel à un flic pourri pour commettre l’irréparable. Joe pose une condition : la virginité de Dottie en guise de caution. Si l’innocente Dottie devient naturellement la victime de la cupid

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Magic Mike

ECRANS | Au seuil d’une retraite annoncée, Steven Soderbergh met le turbo et enchaîne les films marquant un réel accomplissement artistique, transcendant les genres et les sujets — ici, la chronique d’une poignée de strip-teaseurs en Floride — par une alliance parfaite entre réalisme et stylisation. Christophe Chabert

Aurélien Martinez | Jeudi 16 août 2012

Magic Mike

Début juillet, Piégée (Haywire) avait confirmé la santé actuelle de Steven Soderbergh, à la fois prolifique (un film tous les quatre mois en moyenne) et d’une grande liberté face aux matériaux pourtant mineurs qu’on lui refourguait. Dans ce thriller d’espionnage au féminin, il prenait à contre-pied tous les codes et les figures de style canonisés par la franchise Jason Bourne en laissant l’espace et le temps aux scènes d’action pour se déployer dans un réalisme scrupuleux et pourtant totalement cinégénique. Piégée, c’est la rencontre parfaite entre un réalisme documentaire (Gina Carano, l’héroïne, était une authentique championne d’arts martiaux) et une stylisation constante dont Soderbergh assure la maîtrise à tous les niveaux, à la fois chef-opérateur et monteur de ses films. Cet accomplissement, déjà en germe dans The Informant ou Contagion, et dont le brouillon raté était les deux volets du

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Hoghe entre tension et attention

SCENES | Si la danse est a minima une succession de poses et de mouvements dans l’espace, Raimund Hoghe, sur les pas de Pina Bausch (dont il fut 10 ans le (...)

Aurélien Martinez | Lundi 7 mai 2012

Hoghe entre tension et attention

Si la danse est a minima une succession de poses et de mouvements dans l’espace, Raimund Hoghe, sur les pas de Pina Bausch (dont il fut 10 ans le dramaturge), y insuffle une dramatique supplémentaire fondée sur une idée-sensation simple : la tension. Les marches lentes de ses interprètes en ligne, leurs figures frontales face au public, les gestes minimalistes pris dans l’épaisse durée d’un rituel font de tout spectacle de Hoghe un moment des plus singuliers. L’hypnose y est parfois déchirée par un solo effréné, une course folle, des hurlements. C’est encore l’ambivalence, le basculement du désir à la haine, d’une ambiance à une autre, d’une Passion de Bach à un morceau de Dalida, qui trament Si je meurs, laissez le balcon ouvert. Créée en 2010, cette pièce pour neuf danseurs (avec Hoghe lui-même et son corps bossu) est un hommage à Dominique Bagouet (1951-1992) dont Hoghe ne copie pas la gestuelle, mais tente de garder l’esprit, « notamment cette tendresse des rapports humains qui traverse ses pièces, cette façon particulière de prendre contact avec l’autre, de le toucher, sans qu’il soit question directement de sexe ». La tendresse, l’humour et la délicatesse

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Une bouteille à la mer

ECRANS | De Thierry Binisti (Fr-Isr, 1h39) avec Agathe Bonitzer, Mahmud Shalaby…

François Cau | Jeudi 2 février 2012

Une bouteille à la mer

«Si les gens se tiraient moins dessus et qu’ils faisaient plus l’amour, il y aurait plus de paix dans le monde», disait Audrey Hepburn dans Ariane. «Vous êtes quoi ? une fondamentaliste religieuse ?», lui rétorquait Gary Cooper. Une bouteille à la mer illustre la réplique d’Hepburn en version correspondance (la bouteille à la mer du titre, puis des mails) entre une jeune française installée avec sa famille en Israël et un Palestinien isolé dans la bande de Gaza. Mais Thierry Binisti oublie d’y adjoindre la répartie ironique de Cooper, et son film, tout de bons sentiments téléfilmés, ne décolle jamais de cet œcuménisme un peu usé sur la question. C’est problématique quand l’histoire réduit le conflit à une affaire d’œil pour œil, dent pour dent, négligeant au passage la disproportion des moyens militaires entre les deux forces — qui plus est, dans le film, ce sont les Palestiniens qui frappent les premiers. Dernier point : pour le héros, la France fait figure de terre d’asile parfaite pour commencer une nouvelle vie. On ne peut s’empêcher de penser, en notre for intérieur, qu’il déchantera quand Claude Guéant l’accueillera à la frontière !

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La mort aux trousses

SCENES | Il est assez rare que des spectacles de danse durent plusieurs heures. C’est pourtant le cas avec celui de Raimud Hoghe prévu à la MC2 pour le mois de (...)

François Cau | Vendredi 6 janvier 2012

La mort aux trousses

Il est assez rare que des spectacles de danse durent plusieurs heures. C’est pourtant le cas avec celui de Raimud Hoghe prévu à la MC2 pour le mois de mai. Aujourd’hui soixantenaire, l’Allemand aux talents multiples (il touche au théâtre, à la danse, à la littérature…), fut notamment le dramaturge de Pina Bausch entre 1980 et 1990. Depuis, il développe une approche particulière de la chorégraphie, avec tout un travail autour de la répétition, évoquant ainsi le rituel. Son Si je meurs laissez le balcon ouvert, inspiré par la dernière des chorégraphies de Dominique Bagouet (artiste mort du sida en 1992), est ainsi présenté comme un « protocole compassionnel », pour accueillir « l’inflexion des voix chères qui se sont tues ». Pour info, la création reçut un accueil dithyrambique de la part d’une partie de la presse lors de sa présentation en 2010 au festival Montpellier Danse. De notre côté, on ne sait pas quoi en penser, on ne l’a pas (encore) vue !

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La Défense Lincoln

ECRANS | De Brad Furman (EU, 1h58) avec Matthew McConaughey, Marisa Tomei…

François Cau | Jeudi 19 mai 2011

La Défense Lincoln

Cette adaptation du roman de Michael Connelly est plutôt une bonne surprise. Le réalisateur parvient à capter le stress urbain sans abuser d’affèteries esthétisantes et en creusant l’isolement de son héros. A ce titre, il convient de souligner l’excellente performance de Matthew McConaughey (décidément à son aise dans les rôles d’avocat), et la bonne tenue globale de l’ensemble du casting. Sur une trame des moins originales (c’est là où le bât blesse), Brad Furman a compris, à l’inverse de bon nombre de ses petits camarades hollywoodiens, que l’une des plus pertinentes façons de contrer l’efficacité télévisuelle en matière de drame policier est de jouer sur l’atmosphère ou la caractérisation des personnages. Ce qui fait de La Défense Lincoln un divertissement carrément honorable. FC

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