Hitchcock

Christophe Chabert | Mercredi 30 janvier 2013

Photo : DR


Quand il entreprend de tourner Psychose, Alfred Hitchcock sort du triomphe de La Mort aux trousses, un projet qu'il a longuement mûri et qui marque l'apogée de son style des années 50. Craignant de se répéter – et donc de lasser le public – il voit dans l'adaptation du roman de Robert Bloch, lui-même inspiré de l'histoire vraie du serial killer Ed Gein, un nouveau territoire à explorer, plus cru, plus choquant et plus viscéral.

C'est ce cinéaste, finalement plus occupé par le désir des spectateurs que par sa propre postérité, que croque Sacha Gervasi au début de Hitchcock, et c'est sa grande qualité – en plus de la légèreté gracieuse de la mise en scène : refusant les habituelles tartes à la crème sur le génie et son inspiration, il montre un metteur en scène pragmatique, calculateur et prêt à défier studios et censeurs.

Dans le film, Hitchcock a un double : son épouse Alma, véritable collaboratrice artistique qui, lassée de vivre dans l'ombre de son mari, entreprend de prêter son talent à un scénariste bellâtre. Tout cela est très juste historiquement – la bio de MacGilligan en avait fait un de ses angles – mais se révèle plus laborieux sur l'écran : la jalousie d'Hitchcock sonne faux, et ramène le film vers les clichés du biopic.

Gervasi arrive toutefois à contourner l'écueil en gardant en permanence un regard bienveillant sur ses personnages ; on l'avait déjà noté avec Anvil, Gervasi est un gentil qui aime les gentils, surtout ceux qui font de leur vie une passion. Hitchcock est en cela un terrain de jeu parfait pour sa première incursion dans le cinéma de fiction.

Christophe Chabert


Hitchcock

De Sacha Gervasi (ÉU, 1h38) avec Anthony Hopkins, Helen Mirren...

De Sacha Gervasi (ÉU, 1h38) avec Anthony Hopkins, Helen Mirren...

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Alfred Hitchcock, réalisateur reconnu et admiré, surnommé « le maître du suspense », est arrivé au sommet de sa carrière. A la recherche d’un nouveau projet risqué et différent, il s’intéresse à l’histoire d’un tueur en série.


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"The Father" : ça tourne pas daron

ECRANS | L'écrivain français Florian Zeller adapte l’adaptation britannique de sa pièce à succès en embarquant une distribution et une équipe technique expérimentées. Le résultat s’avère conforme aux craintes : un aimant à Oscar lisse et propret ayant plus à voir avec le théâtre que le cinéma.

Vincent Raymond | Jeudi 20 mai 2021

Octogénaire vivant dans un vaste appartement londonien, Anthony (Anthony Hopkins) sombre dans la démence. Pour lui, le temps se diffracte : il confond présent et passé, sa fille Anne (Olivia Colman) avec l’assistante de vie, oublie jusqu’à la mort de sa cadette… Sa perception relative de cette altération affecte son humeur, le rendant agressif et paranoïaque. D’ultimes protections avant le lâcher-prise final… Tant de dithyrambes ont déjà été dites et écrites sur Le Père (pièce et film) que porter un avis contraire semble tenir d’une posture stérilement provocatrice façon Serge Kaganski époque Amélie Poulain ; tentons toutefois d’avancer quelques arguments… S’il n’est pas rare qu’un triomphe de la scène trouve une prolongation "naturelle" sur les écrans, métamorphoser un matériau théâtral en projet cinématographique n’en demeure pas une affaire aisée. S’affranchir de la contrainte du huis clos que la scène impose généralement constitue la principale préoccupation des réalisateurs : certains s’en accommodent en créant d’artificielles "aérations" visuelles, d’autres laissent le flux et la tension verbale sculpter les séq

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"Jojo Rabbit" : j’avais deux camarades

Fiction | Un garçonnet, dont le confident imaginaire est Hitler, se retrouve à sauver des nazis une orpheline juive. Taika Waititi s’essaie au burlesque dans une fable maladroite ne sachant jamais quel trait forcer. Une déception à la hauteur du potentiel du sujet.

Vincent Raymond | Mardi 28 janvier 2020

Allemagne, années 1940. Tête de turc de sa section des Jeunesses hitlériennes, le malingre et craintif Jojo trouve du réconfort auprès d’un ami imaginaire, Adolf en personne. Tout s’embrouille lorsqu’il découvre une adolescente juive cachée dans les murs de sa maison… L’accueil enthousiaste rencontré par Jojo à Toronto, doublé d’un Prix du Public, en a fait l’un des favoris dans la course à l’Oscar. Sur le papier, le postulat du film a de quoi susciter la curiosité tant il semble cumuler les transgressions volontaires. Résumons : Jojo conte tout de même la fin de la Seconde Guerre mondiale côté allemand du point de vue d’un jeune féal du Führer, en adoptant un registre absurdo-burlesque avec des stars populaires, le tout sous la direction de Taika "Ragnarok" Waititi qui s’adjuge de surcroît le rôle d’Hitler. Ça fait beaucoup, mais pourquoi pas si une cohérence supérieure gouverne les choses ? Ce n’est malheureusement pas le cas. Hitler ? Connais pas… Waititi ne sachant pas quel ton maintenir, son film apparaît violemment hétérogène. Taillant sur mesure ses séquences aux

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Deux soirées avec Alfred Hitchcock à la Cinémathèque de Grenoble

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Vincent Raymond | Mardi 12 mars 2019

Deux soirées avec Alfred Hitchcock à la Cinémathèque de Grenoble

Au faîte de sa gloire hollywoodienne, Alfred Hitchcock se pencha au mitan des années 1950 sur le petit écran pour y semer de nouvelles graines. La récolte s’avéra tout aussi fructueuse que sur le grand, en témoigne la série Alfred Hitchcock présente dont il réalisa quelques épisodes, parmi lesquels la Cinémathèque de Grenoble a composé la programmation d’une soirée (prévue jeudi mars à 20h) promettant d’allier virtuosité et esprit ludique. Le lendemain, le public aura droit à un de ces exercices de style dont le Maître raffolait : avec Lifeboat (1944), sur un scénario de Steinbeck, Hitch s’offre un huis clos sur une embarcation de sauvetage, en résolvant ironiquement le problème de sa traditionnelle apparition – lui qui détestait de surcroît l’eau. Une curiosité à voir.

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Mercredi, le Ciné-Club diffusera le culte "Lost in Translation"

ECRANS | « Sur ce sentiment inconnu dont l'ennui, la douceur m'obsèdent, j'hésite à apposer le nom, le beau nom grave de tristesse » écrivait Françoise Sagan (...)

Vincent Raymond | Mardi 30 octobre 2018

Mercredi, le Ciné-Club diffusera le culte

« Sur ce sentiment inconnu dont l'ennui, la douceur m'obsèdent, j'hésite à apposer le nom, le beau nom grave de tristesse » écrivait Françoise Sagan en incipit de Bonjour tristesse. S’il comporte sa dose d’ennui partagé, le sentiment habitant les protagonistes du Lost in Translation (2004) de Sofia Coppola, à (re)voir mercredi 7 novembre à 20h au cinéma Juliet-Berto, a davantage à voir avec la langueur et le décalage. Soit la balade de deux désœuvrés pris au piège dans un hôtel japonais, trouvant dans leur complicité un dérivatif à leurs solitudes et leurs vies respectives, qui permit à Scarlett Johansson de quitter ses emplois d’ado boudeuse et d’accéder aux rôles de jeune femme. Et à Bill Murray de continuer à faire le Bill Murray. Ce qui n’est pas mal. Merci le Ciné-Club pour cette programmation qui ouvre un cyle "Au féminin".

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"L'Échappée belle" : vieux routards que jamais

ECRANS | de Paolo Virzì (It.-Fr., 1h52) avec Helen Mirren, Donald Sutherland, Christian McKay…

Vincent Raymond | Mercredi 3 janvier 2018

Ella et John ont décidé de rouler vers le Sud à bord de leur vieux camping-car, comme autrefois, mais à l’insu de leurs enfants – ce qui n’est pas pour les rassurer, car John est atteint d’Alzheimer et Ella d’une autre saloperie. Il s’agit sans doute de leur dernière balade en amoureux… L’affiche et la thématique visent les spectateurs et spectatrices susceptibles de s’identifier à des comédiens avec qui ils partagent, outre les tracas de l’âge, le privilège d’appartenir à une génération "à part" : celle, notamment de la libération sexuelle ou des luttes contre la Guerre au Vietnam. Voir ces témoins du "flower power" sillonner, éberlués, leur Amérique en train de se recroqueviller sur Trump ou se pencher sur les causes de la rupture générationnelle existant entre ces géniteurs décomplexés et leurs enfants bien plus coincés aurait pu s’avérer captivant. Malheureusement, les considérations socio-politiques passent au second plan, s’effaçant au profit de séquences plus "faciles" en émotions. Et si l’empathie que l’on éprouve pour le duo Mirren-Sutherland atténue l’agacement, elle ne parvient toutefois pas à dynamiser ce film souffrant d’une rédhibitoire impress

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"Rebecca" forever

ECRANS | Le seul film d'Hitchcock qui ait obtenu l'Oscar du meilleur film sera projeté jeudi 21 décembre à Mon Ciné.

Vincent Raymond | Mardi 19 décembre 2017

Première incursion hollywoodienne d’Hitchcock à l’invitation de David O. Selznick, Rebecca (1940) hurle son extraction britannique par toutes les perforations de sa pellicule : du cadre à l’auteur du roman Daphne du Maurier en passant par les très shakespeariens interprètes Laurence Olivier et Judith Anderson (alias Mrs Danvers). Un fragment d’Angleterre presque intact qui remporta l’Oscar du meilleur film et qui convainquit Alfred de persister aux États-Unis. À y repenser, les votants étaient culottés de désigner un film dont la narratrice et héroïne (campée par Joan Fontaine) n’est pas nommée, où tout le monde semble la menacer, en particulier un personnage très occupé à vivre une passion homosexuelle quasi-nécrophile. Des thèmes prometteurs qui annoncent les chefs-d’œuvre à venir, mais que l’on ne savoure pleinement qu’après avoir effectué un pèlerinage à Manderley… À (re)voir jeudi 21 décembre à 16h30 à Mon Ciné (Saint-Martin-d’Hères)

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"Ghost in the Shell" : trois questions à Scarlett Johansson

ECRANS | Après "Lucy" (2013) et "Her" (2014), l'actrice incarne dans "Ghost in the Shell" de Rupert Sanders un nouveau rôle célébrant les noces de l’humanité et de la cybernétique. Propos recueillis lors de la conférence de presse.

Vincent Raymond | Mardi 28 mars 2017

Qu’est-ce qui vous attirée dans ce projet ? Scarlett Johansson : C’est difficile de dire ce qui m’a attiré de prime abord… C’est un long processus entre le moment où l’on en a parlé, et celui où l’on a tourné en Nouvelle-Zélande. Ce n’était pas très évident pour moi de comprendre au départ comment on pouvait transposer un "anime" qui est déjà un chef-d’œuvre et où trouver ma place. Le Ghost in the Shell de Mamoru Oshii est tellement introspectif et poétique, et cependant très froid. Je me suis demandée comment entrer dans ce personnage. Petit à petit, cette idée m’a hantée ; l’histoire est restée en moi. Quand j’ai rencontré Rupert Sanders, il travaillait depuis deux ans sur les visuels et on a commencé à parler. Nos conversations ont duré une année, et je me suis de plus en plus sentie investie émotionnellement dans ce personnage. Votre personnage investit un corps qui ne lui appartient pas pas. Est-ce une métaphore de votre métier d’actrice ? Lorsque l’on est actrice et que l’on joue, il y a une connexion intense entre le corps et l’esprit – c’est d’ailleurs ce

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"Ghost in the Shell" : humains, après tout

ECRANS | À l’instar de ces héros humains améliorés par les machines, ce film en prises de vues réelles s’hybride avec toutes les technologies visuelles contemporaines pour revisiter le classique anime de Mamoru Oshii (1997). Une (honnête) transposition de Rupert Sanders, davantage qu’une adaptation.

Vincent Raymond | Mardi 28 mars 2017

Dotée d’un corps cybernétique augmentant ses capacités humaines, le Major (Scarlett Johansson) a été affectée à la Section 9, une unité d’élite dépendant du gouvernement. Sa prochaine mission vise à combattre un criminel capable de pirater les esprits, mais aussi de lui révéler un passé qu’on lui a dissimulé… En s’appropriant le joyau de Oshii, Rupert Sanders touche à un tabou. Ghost in the Shell constitue en effet un jalon dans l’histoire des "anime" : il est le premier à avoir été universellement considéré comme un film "adulte" (en tout cas moins familial ou jeune public que les Takahata et Miyazake) ainsi qu’une œuvre de science-fiction visionnaire, dans la lignée des adaptations de Philip K. Dick ou Asimov. Sa narration elliptique, intriquant anticipation et tensions géopolitiques, ajoutée à son esthétique élégante et épurée, l’ont érigée en référence d’un futur dystopique… dépassé. Bien en chair Car depuis vingt ans, EXistenZ, Matrix puis la réalité virtuelle ont rattrapé certaines des projections de l’anime. Sanders et ses scénaristes l’ont donc "déshabillé", conservant l'essentie

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À vous de voir : l’embarras du choix à Saint-Egrève

Festival | Les Rencontres cinématographiques de Saint-Egrève reviennent pour « 6 jours de fête autour du cinéma ». En tout, 34 films dont 9 avant-premières et 10 films jeune public seront projetés. Présentation de cette deuxième édition prévue du 17 au 22 février, à la Vence scène.

Julien Homère | Jeudi 16 février 2017

À vous de voir : l’embarras du choix à Saint-Egrève

Pour ceux qui ont du temps libre et raffolent des buffets à volonté, le festival de Saint-Egrève À vous de voir promet pour sa deuxième édition un mélange de saveurs capable de rassasier la plus vorace des gourmandises. En guise de mise en bouche le vendredi 17 février, un concert des partitions de Nino Rota ou encore Georges Delerue donnera le "la" à "Musique et cinéma", la thématique du festival ici accommodée sur scène par 120 chanteurs servis show pendant 2 heures. Ce hors-d’œuvre déjà copieux avalé, optez pour un vol-au-vent à travers les montagnes mongols en compagnie de La Jeune Fille et son aigle (photo), documentaire d’Otto Bell. Si vous êtes soucieux des questions sociétales, vous ne resterez pas sur votre faim : Un paese di Calabria, là présenté par sa co-réalisatrice Shu Aiello, et Chez nous de Lucas Belvaux (en avant-première) montreront les côtés tantôt lumineux, tantôt sombres des crises migratoires européennes. Quant aux enfants, i

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"Tous en scène" : music-animal animé

ECRANS | de Garth Jennings (E.-U., 1h48) animation

Vincent Raymond | Mardi 24 janvier 2017

Pour sauver son théâtre d’une ultime faillite, Buster le koala mise sur un concours de chant ouvert aux amateurs. Une succession de mésaventures lui rend la chose plus ardue que prévue, alors même qu’il a réuni une troupe de talents hors du commun… Les studios Illumination (incubateurs des Minions) savent souffler le froid et le chaud avec les animaux : au consternant Comme des bêtes sorti l’été dernier succède ici en effet une efficace et entraînante comédie, bien moins bébête et puérile que le cadre référentiel (l’engouement autour des télé-crochets musicaux) ne le laissait craindre. L’absence de clins d’œil à outrance, d’un trop-plein de parodies ou d’allusions à des demi-stars vaguement dans l’air du temps contribue à la réussite de l’ensemble, qui tire avant tout parti de ses ressources propres : son intrigue et ses personnages, aux caractéristiques adroitement dessinés. Même les voix françaises font preuve d’une tempérance bienvenue ! Cela dit, il n’y a pas de quoi être étonné : un film encadré pa

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"Dalton Trumbo" : plaisir gourmand pour cinéphiles

ECRANS | de Jay Roach (E.-U., 2h04) avec Bryan Cranston, Diane Lane, Helen Mirren…

Vincent Raymond | Mardi 26 avril 2016

Vissé à sa machine à écrire, l'écrivain, scénariste et réalisateur américain Dalton Trumbo a signé parmi les plus grandes pages du cinéma hollywoodien (Vacances romaines, Spartacus, Exodus…). Mais il a aussi mené une vie personnelle et citoyenne romanesque. Le biopic que lui consacre Jay Roach, avec Bryan Cranston (Walter White dans la série Breaking Bad), relate le parcours de ce blacklisté haut en couleur, qui défia la chasse aux sorcières en industrialisant l’écriture sous prête-noms et glanant des Oscars à la barbe de McCarthy et de ses séides. S’il est enlevé et jouissif, à l’image du personnage, le film n’est qu’un instantané de son existence. Il se penche uniquement sur la période aussi conflictuelle qu’héroïque de l’après-guerre (Trumbo auteur reconnu et installé, a déjà publié Johnny Got His Gun), et fait l’impasse sur la fin de sa carrière (son passage à la réalisation avec Johnny Got His Gun). Un plaisir gourmand pour les cinéphiles, ravis de naviguer dans les coulisses hollywoodiennes parmi les légendes (sont ici convoqués Otto Preminger, John Wayne…) et un joli tour de force pour l’auteur de la série Austin Powers qui m

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"Vertigo" : et à la fin, il n’en reste plus qu’un…

ECRANS | Le chef-d'œuvre d’Hitchcock, devenu "Sueurs froides" en français, est sans doute l'un des plus grands films de l'histoire du cinéma. Oui oui.

Vincent Raymond | Mardi 8 mars 2016

Le temps aura fini par rendre justice à l’œuvre la plus spectaculairement audacieuse d’Hitchcock. Dédaigné à sa sortie – voire méprisé par un public décontenancé que le cinéaste britannique spécialiste du suspense ait eu l’outrecuidance de s’extraire de la case où il l’avait trop tôt relégué – Vertigo (Sueurs froides en français) n’a cessé au fil des ans de gagner des admirateurs à sa somptueuse cause. Au point qu’il détrône aujourd’hui l’étalon Citizen Kane de Welles au palmarès des films les plus importants de l’histoire du cinéma, selon le classement décennal de la revue de référence Sight & Sound. Rien d’étonnant à cela : Vertigo combine la beauté tragique d’une histoire d’amour mélodramatique et macabre à un canevas policier ; il est émaillé d’innovations techniques ahurissantes (dont le travelling compensé – ou "dolly zoom" – engendrant des distorsions optiques dont ne saurait plus se passer à présent), d’une séquence onirique avant-gardiste d’anthologie et de contributions si fameuses que sa distribution à des allures de "all star game". Saul Bass signe le générique, Bernard Herrmann compose une s

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Tokyo spleen pour Sofia Coppola

ECRANS | À la sortie de Lost in translation, Sofia Coppola n’était encore que la fille de son père et la réalisatrice d’un premier long prometteur, Virgin Suicides. (...)

Christophe Chabert | Mardi 20 janvier 2015

Tokyo spleen pour Sofia Coppola

À la sortie de Lost in translation, Sofia Coppola n’était encore que la fille de son père et la réalisatrice d’un premier long prometteur, Virgin Suicides. Tout va changer ensuite, au point de faire naître, comme c’est souvent le cas, des préjugés difficiles à décoller sur son cinéma qui, de Marie-Antoinette à The Bling ring, ne cessera de décevoir ses admirateurs. Raison de plus pour retourner aux sources du malentendu et ce grâce à une nouvelle séance des "Traversées urbaines" de la Cinémathèque. Dans Lost in translation, Coppola suit les pas de Bob, comédien américain en pleine dépression, venu à Tokyo tourner une pub pour un whisky. Ce comédien, c’est Bill Murray, qui grâce à ce rôle passera du statut d’acteur comique culte à celui d’égérie de la vague hipster du cinéma américain. En plein "jet lag" et paumé dans une ville dont il ne comprend ni la langue, ni les codes, Bob rencontre la jeune Charlotte qui, en attendant que son photographe de mari ne rentre à son hôtel, traîne son spleen et son ennui. Ensemble, ils

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Les Recettes du bonheur

ECRANS | De Lasse Hallström (ÉU, 2h03) avec Helen Mirren, Om Puri, Charlotte Le Bon…

Christophe Chabert | Mardi 9 septembre 2014

Les Recettes du bonheur

Aux États-Unis, la mode est aux "books clubs", clubs de lecture pour ménagères qui s’ennuient et qui ne veulent rien tant que lire les bouquins conseillés par Oprah Winfrey puis en discuter entre elles autour d’une tasse de thé. Winfrey est d’ailleurs coproductrice de cette adaptation parfaite pour un hypothétique "movies club". Au croisement de toutes les modes (la cuisine, l’exotisme, les bons sentiments…), Les Recettes du bonheur raconte comment une gentille famille d’Indiens en exil décide d’ouvrir un restaurant dans le Sud de la France, en face d’un établissement étoilé au Michelin. Le fils est évidemment un chef né, capable d’apporter sa science des épices indiennes aux recettes du terroir et d’emballer au passage la jolie française (la Canadienne Charlotte Le Bon) qui bosse chez la concurrence. Lasse Hallström avait déjà fait le coup avec le terrible Le Chocolat : clichés touristiques et saveurs rances, comédie et mélo, casting international jusqu’à l’absurde – rien ne vient justifier dans le scénario que le personnage d’Helen Mirren soit anglaise, par exemple… Le plus embarrassant reste qu’après une heure quarante de ce

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Under the skin

ECRANS | Le corps extraterrestre de Scarlett Johansson arpente l’Écosse à bord d’un 4X4 pour y lever des quidams et les faire disparaître dans une étrange matière noire : pour son troisième long métrage, Jonathan Glazer ouvre grand la porte d’un cinéma sensoriel, expérimental, énigmatique, sidérant et résolument contemporain. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 24 juin 2014

Under the skin

Un œil s’ouvre sur l’écran, comme la conséquence d’un mystérieux alignement de cercles qui renvoient autant à des planètes en révolution qu’à des éclats lumineux, pendant que la bande son bourdonne en boucles entêtantes et en stridences de cordes. Quelque chose s’incarne donc lors du prologue abstrait d’Under the skin et la séquence suivante, celle qui va vraiment ouvrir le récit et lui donner son élan, en est l’expression immédiate : sur fond blanc, une femme nue en déshabille une autre avant d’enfiler ses vêtements. La silhouette, découpée en ombre chinoise soulignant sa plastique parfaite, se fait personnage en trouvant son costume, mais ce corps au-delà du réel s’est imprimé dans la rétine du spectateur comme un effet d’optique, donnant un sens concret à l’expression "enveloppe charnelle". Sous la peau, dans la peau Ce corps, c’est celui de Scarlett Johansson et, dans Under the skin, il vient effectivement d’ailleurs. Le film, avare en explications (et en dialogues), ne dira jamais où est cet ailleurs, mais l’alien, épaulée par un mystérieux motard, semble être venue sur terre dans un but aussi précis qu’intrigant : attirer des hommes seul

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Captain America : le soldat de l’hiver

ECRANS | Moins foireux que les derniers "Iron Man" et "Thor", ce nouveau "Captain America" séduirait presque par sa tentative de croiser son héros avec un film d’espionnage sombre et politique. Mais, comme d’hab’, ce sont les effets spéciaux et les incohérences qui l’emportent. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Dimanche 30 mars 2014

Captain America : le soldat de l’hiver

Que ferait un héros 100% patriotique comme Captain America face au scandale des écoutes de la NSA ? Prendrait-il parti pour Obama et le gouvernement américain, ou jouerait-il les contre-pouvoirs au nom d’une démocratie bafouée ? Dans le fond, ce Soldat de l’hiver ne raconte pas autre chose. Désormais bien intégré au XXIe siècle, Captain America doit faire face à un complot d’ampleur nationale dont les ficelles sont tirées par un gouverneur corrompu et dont le but est de détruire le S.H.IE.L.D. et d’éliminer son directeur, Nick Fury. Le tout repose sur l’accomplissement tardif du projet nazi Red Skull, qui formait le centre du premier volet, et qui devient ici une arme pour effectuer une drastique sélection pas naturelle du tout entre les êtres humains. Évidemment, le scénario est proche du grand n’importe quoi, comme l’était déjà celui de Thor 2, ce qui n’est pas loin d’être un énorme problème quand on sait que tous ces films post-

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Her

ECRANS | En racontant l’histoire d’amour entre un homme solitaire et une intelligence artificielle incorporelle, Spike Jonze réussit une fable absolument contemporaine, à la fois bouleversante et effrayante, qui dresse un état des lieux de l’humanité d’aujourd’hui du point de vue du surhumain. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 18 mars 2014

Her

Imaginez le monolithe de 2001 l’odyssée de l’espace apparaissant de nos jours dans un Apple store et donnant naissance à des milliers d’Hal 9000 domestiques qui essaimeraient dans les processeurs de nos téléphones portables et adopteraient la voix de la femme ou de l’homme de nos rêves… C’est peu ou prou ce qui arrive dans Her, le nouveau film d’un Spike Jonze en pleine maturité créative. Son héros, Theodore Twombly – un nom sans doute choisi en référence au peintre et photographe Cy Twombly – y traîne une déprime tenace suite à une rupture amoureuse. Il travaille dans un open space dont les murs sont des aplats colorés façon Pantone où il rédige des lettres d’amour pour les autres, avant de rentrer tristement dans son appartement hi-tech jouer à des jeux vidéo et pratiquer le sexe on line avec des inconnues. Jonze fait de lui le prototype de l’homme ordinaire du XXIe siècle : celui qui ne converse plus guère qu’avec son oreillette, c’est-à-dire, d’un point de vue extérieur, qui parle seul dans les rues d’une ville anonyme à l’architecture écrasante – en fait, un croisement invisible entre Los Angeles et Shanghaï. Lorsque sort un nouvel

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Nouveau départ

ECRANS | Un père de famille endeuillé achète un zoo pour offrir une nouvelle vie à ses enfants et se retrouve à la tête d’une communauté en souffrance. Superbe sujet à la Capra, que Cameron Crowe transforme en fable émouvante où l’on apprend à rêver les yeux ouverts et les pieds sur terre. Christophe Chabert

François Cau | Vendredi 13 avril 2012

Nouveau départ

Et si on en finissait avec le cynisme, le second degré, la misanthropie light du temps présent ? Après Spielberg et son magnifique Cheval de guerre, c’est au tour de Cameron Crowe, qui signe ici son meilleur film depuis Presque célèbre, de travailler à recréer l’espoir naïf d’un monde où la mort et la crise sont surmontées non par l’ironie, mais par un optimisme lucide. C’est de cela dont il est question dans Nouveau départ (réglons une bonne fois pour toutes le sort de ce titre français pourri : le film s’appelle We bought a zoo, On a acheté un zoo). Benjamin Mee (Matt Damon, excellent, et à nouveau surprenant après The Informant, True Grit, Contagion…), reporter casse-cou qui a bravé bien des épreuves sauf une, la mort de sa femm

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La Corde

ECRANS | Inspiré d’une pièce de théâtre à huis clos, "La Corde" est l’un des grands classiques d’Alfred Hitchcock, qui restera dans l’histoire pour être le premier film en couleur du maître du suspens, et surtout une splendide tentative de réalisation d’un long-métrage en un seul plan-séquence. Aurélien Martinez

François Cau | Lundi 12 avril 2010

La Corde

« Le crime parfait peut être un art. Tuer peut procurer autant de joie que de créer. » Brandon, étudiant charismatique, a décidé de suivre les préceptes de son ancien directeur d’école. Ce dernier considère ainsi que le crime est « l’apanage d’une petite élite », elle seule capable de décider du sort des êtres inférieurs – qui eux, n’apporteraient rien à la société. Pour cela, aidé de son compagnon Philip (bien que l’homosexualité ne fusse jamais évoquée par Hitchcock ou la Warner, elle est sous-jacente tout au long du film), Brandon va assassiner un ancien camarade de classe, placer le corps dans un coffre au milieu du salon, et organiser ensuite une soirée avec la famille et les amis du mort. Et surtout avec Rupert Cadell, le professeur en question et l’instigateur non conscient du meurtre philosophique selon le cinéaste anglais. Véritable chef d’œuvre de psychologie et de suspens, La Corde est un incontournable du cinéma hitchcockien, le réalisateur faisant preuve ici d’un talent incontestable. Il place le spectateur dans une tension permanente, bien que ce dernier soit maître des cartes depuis le début, contrairement à la plupart des personnages. « Un truc a

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"Vicky Cristina Barcelona" : sous l'espagnolade, la vérité sociale

ECRANS | En visite à Barcelone, Woody Allen propose une nouvelle variation, faussement convenue, autour de ses thèmes favoris : le couple et la fatalité culturelle.

Christophe Chabert | Jeudi 2 octobre 2008

Deux amies américaines sont en visite estivale à Barcelone, l’une pour ses études, l’autre pour se remettre de son énième déconfiture sentimentale. La brune Vicky (Rebecca Hall), solidement assise sur ses principes, est promise au mariage avec un jeune cadre new-yorkais ; la blonde Cristina (Scarlett Johansson) se cherche quelque part entre cinéma et photographie, célibataire par indécision plus que par choix. Woody Allen, après une trilogie londonienne au propos social détonnant, semble avoir mis le cap vers l’Espagne pour des raisons similaires à celles de ses héroïnes : s’offrir un break ensoleillé et touristique (de Gaudí à la guitare au clair de lune, les clichés sont à la fête), le temps de retrouver ses thèmes de prédilection : l’incertitude sentimentale et les aléas du couple. Avec un classicisme très sage, la première partie de Vicky Cristina Barcelona se pose en comédie romantique sans réel enjeu, notamment quand Juan Antonio (Javier Bardem), peintre bohème assumant son désir pour les deux demoiselles, sort le grand jeu et emballe toutes les pistes lancées par le récit. Niv

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