Melvil Poupaud : « Dans "Grâce à Dieu", c'est plus l'institution qui est mise en cause que les personnes »

ECRANS | Dans le film de François Ozon "Grâce à Dieu", il incarne celui grâce auquel le scandale éclate enfin. Riche d’une carrière de plus de trente ans dans le cinéma (mais pas seulement), Melvil Poupaud enchaîne les partitions exigeantes et variées sans jamais se diluer. Conversation avec un comédien si précieux qu’il en devient indispensable…

Vincent Raymond | Mardi 12 février 2019

Photo : Mars Films


Dans Grâce à Dieu, François Ozon a fait appel à vous pour la troisième fois. C'est toujours dans ses drames les plus réalistes. Est-ce le fait du hasard, ou bien discutez-vous ensemble de la manière dont il vous emploie ?

Melvil Poupaud : Je ne sais pas, je serais effectivement curieux de savoir pourquoi il pense à moi pour des rôles toujours assez dramatiques. Dans ma carrière, je n'ai pas fait énormément de franches comédies – plutôt des comédies romantiques. Peut-être qu'il sent en moi un potentiel de tragédien…

Mais je ne peux pas me plaindre : ce sont des rôles qui ont toujours marqué. Le Refuge [2010] était plus petit, mais Le Temps qui reste [2005] ou celui-ci marquent ma filmographie et mon expérience d'acteur. Je ne vais pas lui demander de changer de registre (sourire), ça me réussit plutôt pas mal. À tous les deux, d'ailleurs.

Votre liberté dans le cinéma français est très singulière : vous épousez des rôles forts (prêtre suborneur chez Philippe Ramos, victime combative chez François Ozon, personne intergenre en quête d'identité chez Xavier Nolan, dandy décadent chez Eva Ionesco...) mais aucun ne vous vitrifie dans un emploi…

Cela fait partie de mon métier de continuer à inspirer des metteurs en scène dans différents registres pour différents types de personnages. Je ne l'ai pas cherché, ce n'est pas une démarche volontaire de ma part, mais je suis assez content de constater que des metteurs en scène variés font appel à moi pour des rôles très différents les uns des autres.

C'est ma façon à moi de pratiquer le métier d'acteur, de ne pas de donner une image trop forte dans le réel, ou trop typée, parce que j'aime bien aussi rester un peu vierge, plus mystérieux dans un sens, pour laisser les metteurs en scène projeter différentes incarnations sur moi.

Faut-il une part d'effacement dans son jeu, rester en retrait ?

Pas forcément dans le jeu. Dans Grâce à Dieu, j'y vais franco. Il n'y a pas de retenue dans le jeu. C'est plus dans la vie entre les rôles, disons. J'aime mieux rester discret ou insaisissable.

Je me rends compte que les gens connaissent mes films maintenant, et que certains films n'ayant pas eu énormément de succès à leur sortie – ceux de Rohmer, de Dolan, ou même Le Temps qui reste d'Ozon – sont un peu entrés dans le patrimoine. Sur le moment, ce ne sont pas forcément d'énormes succès mais des années plus tard, les gens ne les ont pas oubliés. J'ai toujours visé le long terme plutôt que le succès immédiat.

Et que dire des films de Raoul Ruiz, qui sont un continent rien qu'à eux…

Alors Ruiz, c'est l'exemple parfait : le premier film que j'ai fait avec lui, quand il est sorti, il intéressait les cinéphiles de l'époque et les "ruiziens". Mais ses films aujourd'hui ont été vus dans le monde entier, continuent à être projetés. Il y a d'ailleurs des rétrospectives de ses films que j'accompagne avec plaisir dans le monde entier. Et pas une semaine sans qu'un journaliste ou un essayiste ne m'appelle pour parler du travail de Raoul. Je suis fier aussi de cet espèce de patrimoine-là. De cet héritage.

Justement, Grâce à Dieu est structuré autour de l'idée d'une transmission, d'un passage de témoin entre chacun des protagonistes. Le vôtre, Alexandre, étant au centre du premier acte…

Absolument. Je crois que cela s'est passé comme cela dans la réalité. Ozon raconte qu'au début, il ne voulait faire un film que sur le personnage d'Alexandre, mais il s'est rendu compte que celui-ci avait arrêté ses démarches et passé le relai à un enquêteur, lequel avait trouvé une autre victime, laquelle avait trouvé une autre victime et à son tour avait pris les choses en main pour fonder cette association ; puis un troisième personnage très important arrivé à la fin, non prescrit. Dans la réalité, cette aventure s'est passée aussi par relai. Quand j'ai lu le scénario, c'était une des qualités du film : l'originalité de sa structure narrative.

Lorsque vous devez construire un personnage ayant des échos aussi tangibles avec la réalité, est-ce que ça modifie votre approche dans la préparation et l'interprétation ?

À vrai dire non, parce que je n'ai pas cherché à faire trop de recherches dans le cas de ces personnes réelles. D'abord parce que je n'avais pas envie de jouer mon personnage avec quelqu'un en tête. Essayer de l'imiter aurait été un piège pour moi. C'est déjà un rôle de composition, parce que je me suis coltiné le côté tradi, très bourgeois lyonnais, à la limite de la caricature dans sa façon de s'habiller, avec le petit pull sur les épaules…

Et puis j'avais envie que ce soit mes émotions : le sujet était assez fort et bien écrit pour que n'importe qui puisse être touché, et même bouleversé par ce qui se disait pendant ces scènes-là. D'ailleurs, pendant le tournage, ça s'est senti chez les acteurs, au sein de l'équipe et même chez Ozon : on voyait qu'il y avait des scènes qui remuaient.

Je n'ai donc pas fait un énorme travail d'investigation parce que Ozon avait déjà passé beaucoup de temps avec les victimes et s'était beaucoup documenté… J'ai lu son scénario, j'ai senti qu'il avait pris un grand soin au respect des victimes et de leur paroles… Je lui ai fait confiance et je me suis approprié les émotions des personnages. Cela dit, ce sont des scènes et des rôles qui vous remuent.

Un tel rôle doit en effet interroger la conscience, peut-être la foi et renvoyer à l'enfance, puisque Alexandre est confronté à la sienne…

Ah oui ! C'est d'ailleurs l'un des thèmes qui me touchent le plus dans l'art : les personnages d'enfants m'émeuvent très facilement dans un film ou un roman – j'en ai fait quand j'étais petit avec Ruiz. Dans le film d'Ozon Le Temps qui reste, la figure de l'enfant qui revient et avec laquelle il faut se réconcilier est très touchante. Là, a fortiori, ça ne parle quasiment que de cela et de ce drame de la pédophilie, de la corruption de l'innocence.

Je sais qu'Ozon a pensé à moi en l'écrivant parce qu'il savait que c'était des thèmes qui, autant que la foi et le pardon dont on avait déjà parlé, sont des choses fondamentales pour moi. C'est pour cela aussi que je n'ai pas eu trop besoin de me plonger dans le réel : ces choses étaient déjà en moi.

En écrivant le scénario, Ozon avait je pense cette idée que ce serait pour moi presque facile d'incarner le personnage. Après, c'est vrai que ça remue et que pendant le tournage, j'ai passé des moment difficiles et il ne fallait pas aller chercher trop loin. Heureusement pour moi, je n'ai pas vécu les mêmes aventures que ces personnages mais ces choses m'ont toujours bouleversé.

Ce film reste toujours clinique, sans outrance…

Je pense qu'il est resté très fidèle à la vérité, à ses personnages, qu'il s'agisse des victimes ou de l'Église, Barbarin et même Preynat. On ne les voit pas comme des super vilains ou des diables, il y a quelque chose d'humain, même chez le père Preynat – je trouve ça beau parce que Bernard Verley est un immense acteur et, par moments, on a presque pitié de ce vieux bonhomme qui joue très bien la victime et se fait passer par son discours pour quelqu'un qui a sonné l'alarme et qu'on n'a pas écouté.

C'est plus l'institution qui est mise en cause dans le film que les personnes. D'ailleurs, tout ce qui concerne l'intime et la vie privée est du côté des victimes. Du côté des prêtres, du cardinal et de l'Église, il n'y a pas de révélation, ce sont des choses qui ont déjà été publiées, ce sont des archives… Les seules libertés qu'Ozon a prises sont par rapport à l'intimité des victimes pour préserver ou aller plus loin voire pour gommer certains traits qui auraient été peu crédibles dans un film mais qui pourtant étaient vrais. Sinon tout le reste est très fidèle.

Ce qui est très beau, c'est la distance avec laquelle il filme ses personnages et ses situations : on aurait pu avoir peur au début parce que Ozon a un côté un peu sulfureux, et n'hésite pas parfois à manier une espèce de provocation dans ses films. C'est son côté qui lorgne parfois vers Chabrol, Buñuel. Là, il y a toujours beaucoup de facettes et de complexité dans chaque scène. Le film touche aussi parce que ce n'est pas manichéen et que l'on est avec les personnages. On comprend presque les motivations de chacun.

Le jour de la sortie du film, vous achèverez votre tournée Songbook avec Benjamin Biolay à l'Olympia. Sur quel corpus musical vous êtes-vous retrouvés ? Dylan fait-il partie de votre structuration commune ?

(sourires) Dylan est un peu spécial pour moi parce que je suis quasiment spécialiste. Benjamin est fan de Dylan, mais ce n'est pas la même passion. Il est presque plus éclectique que moi dans ses goûts musicaux. Il écoute aussi bien de la cumbia colombienne que du rap français : c'est dans toutes les directions, ça fait partie de sa culture et de sa façon de travailler d'être au courant de tout ce qui se produit aujourd'hui. Moi, c'est un peu plus rétro.

Ce qui nous a réuni en préparant le spectacle, c'est que ni lui ni moi n'étions spécialistes de chanson française. C'était un territoire que nous n'avions pas vraiment exploré. Ça m'a surpris chez lui qui est vraiment un grand chansonnier, qui a un savoir et un talent particulier pour écrire des chansons : j'ai découvert qu'il n'était pas un expert du patrimoine de la chanson française. Ensemble, on s'est lancé là-dedans – c'était d'ailleurs très agréable de s'échanger des morceaux, de se faire découvrir des choses, d'en découvrir ensemble, de demander autour de nous des idées, des tuyaux… Tous les soirs on ajoute une chanson, on en enlève une autre, une qu'on n'aurait pas pu jouer il y a deux mois convient aujourd'hui… C'est resté très évolutif comme spectacle, avec pas mal d'improvisation, de liberté, sans rien de préparé ni d'écrit. Ça n'est pas figé : ce qui nous intéressait depuis le début, c'était de partir sur les routes entre copains et on a réussi notre coup ; on s'est bien marré.

Si ce n'est pas figé, ça peut donc revenir…

C'est ce qu'on se dit. Un jour ou l'autre, peut-être que l'on remettra cela…


Repères

1973 : Naissance à Paris le 26 janvier

1984 : Première apparition chez Agnès Varda et premier film avec Raoul Ruiz, La Ville des Pirates. Première réalisation d'un court-métrage, Qui es-tu Johnny Mac ?

1995 : Premier disque au sein du groupe Mud

1996 : Conte d'été d'Éric Rohmer lui donne l'occasion de chanter à l'écran

2005 : Le Temps qui reste, premier rendez-vous avec François Ozon

2006 : Première réalisation de long métrage, Melvil

2011 : Premier livre, Quel est Mon noM


Grâce à Dieu

De François Ozon (Fr, 2h17) avec Melvil Poupaud, Denis Ménochet...

De François Ozon (Fr, 2h17) avec Melvil Poupaud, Denis Ménochet...

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Alexandre vit à Lyon avec sa femme et ses enfants. Un jour, il découvre par hasard que le prêtre qui a abusé de lui aux scouts officie toujours auprès d’enfants. Il se lance alors dans un combat, très vite rejoint par François et Emmanuel, également victimes du prêtre, pour « libérer leur parole » sur ce qu’ils ont subi.


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ECRANS | de Rachel Lang (Fr./Bel., 1h34) avec Salomé Richard, Claude Gensac, Swann Arlaud

Vincent Raymond | Mardi 3 mai 2016

Concentré d’époque, Baden Baden appartient à cette catégorie de films ayant l’art de fixer une ambiance. Il tire sa substance originale non pas d’un dialogue brillant ou d’une construction scénaristique habile, mais de l’atmosphère qu’il parvient à restituer. À partir d’un argument ténu (le retour sur un coup de tête d’une jeune femme lisse de prime abord chez sa grand-mère à Strasbourg), la chronique d’un été particulier va se dérouler, au gré de séquences en apparence décousues, mais suffisamment allusives pour que l’on puisse recomposer dans les grandes lignes le passé compliqué de la protagoniste (ses amours éteintes, ses distorsions familiales…) comme son présent (une existence vaguement à la dérive). Cette plongée dans la vie de l’inconnue qui nous est donnée pour héroïne se fait avec un minimum d’éléments ; une série de mises en situations jouant sur l’humour à froid et la longueur des plans. Il y a autant d’art chez l’auteure à échafauder ce puzzle, que de plaisir pour le spectateur à l’assembler. Quant au bout-à-bout de ces fragments, s’il ne délivre pas de réponse (puisqu’il n’y a pas de mystère à proprement parler), il nous donne l’impression de co

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Fou d’amour

ECRANS | ​Récemment muté dans un petit village, un curé charmeur et beau parleur fait perdre la tête à ses paroissiennes. La sienne finira par rouler au fond d’un panier... Justement récompensé au Festival des Films du Monde de Montréal, le nouveau Philippe Ramos évoque, sans le plagier, l’esprit de Luis Buñuel. Vincent Raymond

Vincent Raymond | Mardi 15 septembre 2015

Fou d’amour

Quel dommage que Philippe Ramos soit à ce point rare et discret, voire sauvage ! Car à chaque fois qu’il s’empare d’un sujet, c’est pour soumettre une réelle proposition de cinéma, légitimant le recours à la caméra (tous les réalisateurs ne peuvent pas, hélas, en dire autant). Abordant des thèmes en apparence asséchés – Moby Dick dans Capitaine Achab (2007) ou la Pucelle d’Orléans dans Jeanne Captive (2011) – le cinéaste parvient à créer du spectaculaire dans l’infime ou l’intime. Même heureux constat ici, avec ce fait divers qu’il situe dans les années cinquante : un curé succombant aux beauté terrestres séduit et met enceinte une jeune aveugle avant de l’assassiner. Loin de se contenter d’une adaptation historique plate, Ramos dégage l’essence trouble et mystique de ce drame complexe, faisant du prêtre (ou plutôt de sa tête décapitée) le narrateur du film. Une sacrée provocation, puisque le suborneur se trouve en position de plaider des circonstances atténuantes : il passe presque pour victime de ne pas avoir pu donner librement l’amour dont il était sincèrement empli. La culpabilité étant, à mots couverts, volontiers reversée sur l

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Fidélio, l’odyssée d’Alice

ECRANS | "Une fille dans chaque port" : c’est une devise des marins, et elle en dit long sur l’univers hautement viril qui règne au sein des équipages. Fidélio, (...)

Christophe Chabert | Mardi 23 décembre 2014

Fidélio, l’odyssée d’Alice

"Une fille dans chaque port" : c’est une devise des marins, et elle en dit long sur l’univers hautement viril qui règne au sein des équipages. Fidélio, premier long de Lucie Borleteau, vient mettre un bon coup de "girl power" dans ce petit monde, en propulsant la trentenaire Alice sur un cargo pour une mission de trois mois en tant que mécanicienne. À terre, elle a laissé son copain Felix (Anders Danielson Lie, le héros d’Oslo 31 août), à bord, elle retrouve son grand amour, Gaël, capitaine du Fidélio (Melvil Poupaud). Le féminisme du film n’a pourtant rien d’un chemin de roses : Alice doit d’abord s’imposer face à des marins en manque, pensant trouver en elle une proie facile. Sa stratégie est double : d’un côté, marquer ses distances, de l’autre, jouer d’égale à égaux, quitte à accepter certaines coutumes très masculines – un boy black "offert" pour son anniversaire au cours d’une escale. Vient aussi se greffer le souvenir du mécanicien précédent, mort dans des circonstances troubles, dont le journal intime révèle ses failles affectives et son be

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Une nouvelle amie

ECRANS | De François Ozon (Fr, 1h47) avec Romain Duris, Anaïs Demoustier, Raphaël Personnaz…

Christophe Chabert | Mardi 4 novembre 2014

Une nouvelle amie

Argument de vente déjà bien calé en une des magazines, la transformation de Romain Duris en femme dans le nouveau film de François Ozon est son attraction principale. Il faut prendre le mot "attraction" au pied de la lettre : non seulement un phénomène freak plutôt réussi (Duris a souvent joué sur son côté féminin, mais le film se plaît à mettre en scène ce grand saut d’abord comme un apprentissage maladroit, puis comme une évidence naturelle) mais aussi le centre d’une névrose obsessionnelle qui saisit Claire (formidable Anaïs Demoustier, aussi sinon plus troublante que son partenaire) lorsqu’elle découvre que le mari de sa meilleure amie choisit de se travestir après le décès de son épouse. Embarrassée, troublée et finalement séduite, elle accompagne sa mue tout en la guidant pour des motifs opaques – voit-elle en lui une « nouvelle amie » prenant la place de la précédente ou un pur objet de désir ? Autant de pistes formidables qu’Ozon ne fait qu’ébaucher, préférant jouer à l’auteur démiurge épuisant les possibles de son scénario. On passe ainsi sans transition de Vertigo à La Cage aux folles, de Chabrol à Mocky, de la peinture ironique à la

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Une Sitcom gore et trash

ECRANS | Notre bel et long anniversaire (20 ans!) se poursuit cette semaine du côté du Club avec une séance spéciale en association avec Vues d’en face, festival (...)

Christophe Chabert | Lundi 31 mars 2014

Une Sitcom gore et trash

Notre bel et long anniversaire (20 ans!) se poursuit cette semaine du côté du Club avec une séance spéciale en association avec Vues d’en face, festival international du film gay et lesbien de Grenoble – qui en profite pour anticiper le lancement de sa 14e édition, dont on reparlera la semaine prochaine. Notre choix s'est porté sur Sitcom, premier long-métrage de François Ozon sorti en 1998. Les Grenoblois connaissaient déjà le nom du réalisateur puisqu’il avait réussi l’exploit – unique, pour l’instant – de rafler deux années de suite le grand prix du festival du court avec La Petite mort et Une robe d’été. Après un moyen-métrage provoquant et polanskien (Regarde la mer), Ozon faisait une entrée fracassante dans la cour des grands avec cet ovni cinématographique. Détournant l’esthétique des sitcoms façon AB Productions qui à l’époque faisaient florès sur TF1, le réalisateur décrit une famille de bourgeois bien sous tous rapports – père ingénieur, mère au foyer, enfants sages comme des images et très propres sur eux. Il suffit que le paternel ramène un rat blanc dans leur pavillon pour que tout se détraque : co

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Vues d’en face fête les 20 ans du PB!

ECRANS | La nouvelle édition du Festival international du film gay et lesbien de Grenoble aura lieu du vendredi 11 au samedi 19 avril, principalement au cinéma Le (...)

Aurélien Martinez | Vendredi 21 mars 2014

Vues d’en face fête les 20 ans du PB!

La nouvelle édition du Festival international du film gay et lesbien de Grenoble aura lieu du vendredi 11 au samedi 19 avril, principalement au cinéma Le Club. Au programme, quelques films alléchants qu’on va s’empresser de voir avant leur diffusion pour vous en causer en temps voulu. À noter que le festival organise aussi, comme chaque année, des séances avant et après l’événement. Avec notamment, le lundi 7 avril au Club, la projection de Sitcom, l’excellent premier film de François Ozon sorti en 1998. Un choix qui vient de nous, cette projo étant organisée dans le cadre des 20 ans du journal. Merci Vues d'en face!

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Nos héros sont morts ce soir

ECRANS | De David Perrault (Fr, 1h37) avec Denis Ménochet, Jean-Pierre Martins…

Christophe Chabert | Mercredi 16 octobre 2013

Nos héros sont morts ce soir

Dans les années 50, reconstituées en scope noir et blanc, deux catcheurs, amis au civil, s’affrontent sur le ring : l’un porte le masque blanc du gentil et se fait appeler Le Spectre, l’autre revêt un masque noir pour jouer les méchants en tant qu’Équarisseur de Belleville. Commence alors un trouble jeu d’identités déréglées par cette représentation du bien et du mal… David Perrault, pour son premier film, fait absolument tout pour s’éloigner des rivages du "jeune cinéma d’auteur français" : dialogues colorés à la Audiard, regard sur un Paris populaire et oublié, charge symbolique des personnages… Si filiation il y a, elle est donc à chercher du côté de Becker ou Melville, sinon des prémisses de la Nouvelle Vague. Mais Nos héros sont morts ce soir est lesté par cette cinéphilie obséquieuse, produisant une suite de séquences sans rythme et parfois totalement ratées – la scène dans la chambre où le couple écoute du Gainsbourg, que même Honoré aurait mieux réussi –, une sorte de playlist référentielle dont les titres seraient joués à la vitesse d’un 33 tours au lieu des 45 réglementaires. La sympathie qu’on éprouve pour le projet s’évapore lentement face au

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« L’essence d’un réalisateur est d’être un voyeur »

ECRANS | Rencontre avec François Ozon, réalisateur de "Jeune & Jolie", quatorzième long-métrage d’une œuvre qui se réinvente sans cesse, inégale mais toujours surprenante. Propos recueillis par Christophe Chabert

Christophe Chabert | Vendredi 12 juillet 2013

« L’essence d’un réalisateur est d’être un voyeur »

Dans vos derniers films, vous vous aventuriez vers des choses inédites chez vous. Dans Jeune & Jolie, vous reprenez les choses là où vous les avez laissées avec 5X2 : un concept très fort, la question du désir qui redevient centrale…François Ozon : L’envie première était de reparler de l’adolescence. Je me suis rendu compte que je n’avais pas parlé de l’adolescence depuis Sous le sable, qui est un film important car c’est là que j’ai rencontré Charlotte Rampling. J’ai ensuite fait beaucoup de films avec des personnages nettement plus matures, et le fait de travailler avec les deux jeunes acteurs de Dans la maison m’a donné envie de retourner vers l’adolescence. Je ne pense pas tellement à mes films d’avant, mais disons que ça me ramenait à mes premiers courts-métrages. Je pouvais reparler de l’adolescence et du désir adolescent mais avec mon regard d’aujourd’hui, une distance que je n’avais pas à l’époque. Chaque film est un peu une expérimentation, je voulais voir ce que ça donnerait. Sur le côté formel, oui,

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Jeune & jolie

ECRANS | Avec ce portrait d’une adolescente qui découvre le désir et brave les interdits, François Ozon prouve sa maîtrise actuelle de la mise en scène, mais ne parvient jamais à dépasser le regard moralisateur qu’il porte sur son héroïne. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mercredi 10 juillet 2013

Jeune & jolie

Jeune & jolie : un titre qui est autant une référence au magazine pour adolescentes qu’une mise au point de la part de François Ozon. Il ferme ainsi sa longue parenthèse d’actrices vieillissantes et revient à la jeunesse érotisée de ses premières œuvres, courtes ou longues. L’introduction tient lieu d’énorme clin d’œil : sur une plage déserte, Isabelle, 16 ans – prometteuse Marine Vacth, sorte de Laetitia Casta en moins voluptueuse –, retire le haut de son maillot de bain, se pensant à l’abri des regards. En fait, la scène est vue depuis les jumelles de son petit frère et en deux plans, trois mouvements, Ozon s’offre un digest de son premier âge de cinéaste : la plage comme lieu de fantasmes, ses alentours comme repère des désirs troubles. Clin d’œil donc, mais trompe l’œil aussi : ce voyeurisme-là n’est qu’une fausse piste. Et même si par la suite tous les regards se tourneront vers Isabelle pour percer son inexpliquée conversion à la prostitution, Ozon ne cherche jamais à créer de suspens malsain autour de ses activités : au contraire, c’est l’évidence frondeuse avec laquelle elle découvre son désir qui l’intéresse, et qu’il filme sans pincette par

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Grand central

ECRANS | Après "Belle épine", Rebecca Zlotowski affirme son désir de greffer le romanesque à la française sur des territoires encore inexplorés, comme ici un triangle amoureux dans le milieu des travailleurs du nucléaire. Encore imparfait, mais souvent passionnant. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mercredi 10 juillet 2013

Grand central

Gary (Tahar Rahim, excellent comme jamais depuis Un prophète) est en quête de stabilité professionnelle après des années de jobs plus ou moins louches. Il atterrit dans la Drôme et intègre assez vite une équipe d’ouvriers travaillant au cœur des centrales nucléaires. La communauté, masculine, virile et solidaire, obéit à des règles draconiennes qui visent à éviter la contamination par la « dose » radioactive. La contagion, pour Gary, sera d’abord amoureuse : il croise un soir la femme d’un de ses collègues, Toni (prénom renoirien qui fait écho au cadre, curieusement bucolique, dans lequel vivent ces prolos du nucléaire, des mobile homes en bord de fleuve) et une passion physique va naître presque instantanément entre eux. C’est tout le projet de Rebecca Zlotowski : comme les courses de motos clandestines de Belle épine accompagnaient la quête existentielle de Léa Seydoux, le nucléaire est ici la toile de fond qui permet de renouveler un classique triangle amoureux, même si le scénario s’emploie à intriquer jusqu’à la folie les deux éléments, p

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Début octobre dans la maison Ozon

ECRANS | Pendant longtemps, François Ozon se méfiait de la presse, des interviews et de la nécessité d’expliquer ses films. Depuis "Potiche", on le sent plus détendu, plus sûr de lui et prêt à rentrer dans les méandres de son œuvre avec humour et malice. La preuve avec cet entretien. Propos recueillis par Christophe Chabert

Christophe Chabert | Lundi 8 octobre 2012

Début octobre dans la maison Ozon

On se dit en voyant Dans la maison que c’est le film où vous répondez le plus ouvertement aux reproches adressés à votre cinéma mais aussi où vous le définissez par rapport à la littérature, comme une théorie de votre pratique…François Ozon : Au départ, c’est une pièce de théâtre, ce n’est pas moi qui l’ai écrite. Mais quand on fait une adaptation, c’est qu’on s’y retrouve, qu’il y a des choses qui vous plaisent. Ce qui m’a plus, c’est la relation prof-élève et que ce ne soit pas dans un seul sens, qu’il y ait une interactivité, que le gamin apporte autant au prof que le prof au gamin, cette idée de la transmission. Quant à répondre exactement à ce qu’on me reproche, c’est vous qui le dites, je ne l’ai pas théorisé. Il y a quand même des dialogues qui évoquent le fait d’aimer ses personnages ou de les regarder de haut…Ah ! Ce qui m’amusait dans tous ces trucs théoriques que dit le prof, c’est que ça me rappelait ces gens qui veulent donner des cours sur le scénario, ces théoriciens venus des États-Unis. Je lis ça et je n’arrive jamais à rentrer dans ce moule, cette méthode. Je sais que ce sont des co

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Dans la maison

ECRANS | De François Ozon (Fr, 1h45) avec Fabrice Luchini, Kristin Scott-Thomas, Emmanuelle Seigner…

Christophe Chabert | Jeudi 4 octobre 2012

Dans la maison

Germain Germain (bonjour Nabokov !) est un prof de français désespéré par la nullité de ses élèves. Alors qu’il lit leurs médiocres rédactions à sa femme qui, elle, tient une galerie d’art contemporain sur le thème sexe et pouvoir (bonjour Sade !), l’une d’entre elles sort du lot. L’élève y raconte son envie de s’introduire dans la maison de l’un de ses camarades pour s’approcher de cette vie bourgeoise, avec une mère archétypale des « femmes de la classe moyenne » (bonjour Flaubert !). Germain pense qu’il y a là un talent à canaliser, sans savoir qu’il met le doigt dans un dispositif dangereux : celui qui brouille la frontière entre la réalité et la fiction, mais aussi celui de François Ozon, qui déroule ici une mécanique ludique où l’on ne sait jamais si ce que l’on nous raconte est le fruit d’une narration objective, si celle-ci a été influencée par les conseils de Germain ou encore si elle n’est que le reflet de l’imagination de son élève. Le voyeurisme littéraire de l’un rencontre le voyeurisme réel de l’autre, et tout le monde finit par vivre son fantasme (d’auteur frustré, d’adolescent orphelin, de femme délaissée) par procuration. Ozon s’amuse manifestement – et

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Laurence anyways

ECRANS | Bonne nouvelle : Xavier Dolan fait sa mue et commence à devenir le cinéaste qu’il prétend être. Si "Laurence anyways" est encore plein de scories, d’arrogances et de références mal digérées, on y trouve enfin de vraies visions de cinéma. Christophe Chabert

Aurélien Martinez | Mardi 17 juillet 2012

Laurence anyways

Jusqu’ici, on avait du mal à excuser le côté tête à claques de Xavier Dolan, sinon par la fougue de sa jeunesse (il n’a que 23 ans et signe déjà son troisième film). S’imaginant à la fois comme un esthète et un penseur, il enfilait les clichés comme des perles et surfilmait ses maigres fictions, n’en révélant finalement que la profonde vacuité. La première heure de Laurence anyways montre Dolan tel qu’en lui-même. Pour raconter la décision de Laurence Alia (Melvil Poupaud, deuxième choix du réalisateur après la défection de Louis Garrel, une bonne chose à l’arrivée) de devenir une femme au grand désarroi de son amie Fred (Suzanne Clément, parfaite), il sort l’artillerie lourde : citations littéraires et références cinématographiques, hystérie pour figurer les rapports amoureux, ralentis chichiteux pour souligner les émotions et une barrique de tubes 80’s afin de coller avec l’époque du récit… C’est très simple : on se croirait face à un vieil Adrian Lyne ! Le clou étant cette fête costumée sur l’air de Fade to grey, où Dolan pousse son goût du vidéoclip kitsch jusqu’à son point de non retour. Désordre(s) Alors qu’on s’apprêtait à fermer le ban

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Pour quelques courts de plus

ECRANS | Le mercredi 21 décembre, jour du solstice d’hiver, est donc le plus court de l’année. Profitant de l’absence de toute prophétie maya à l’horizon, un comité de (...)

François Cau | Lundi 19 décembre 2011

Pour quelques courts de plus

Le mercredi 21 décembre, jour du solstice d’hiver, est donc le plus court de l’année. Profitant de l’absence de toute prophétie maya à l’horizon, un comité de pilotage regroupant une flopée de structures audiovisuelles nationales encourage les volontaires à travers le pays à organiser des événements liés à la diffusion de courts-métrages. Sur Grenoble, deux établissements ont répondu présents et se sont même fédérés pour l’occasion : la Cinémathèque et le Magasin, Centre National d’Art Contemporain. La première, fer de lance local de la promotion de cette discipline cinématographique, proposera toute la journée un programme constitué de lauréats de son Festival du Court-Métrage en Plein Air, de trésors issus de son fonds (ne manquez pas Une robe d’été de François Ozon et L’Amour existe de Maurice Pialat), et conclura sa sélection par une série de films érotiques “historiques“, dont le légendaire Sœur Vaseline (1925). Le Magasin accueillera quant à lui, sur présentation du ticket d’accès aux expositions, une sélection de courts choisis par la Cinémathèque, puis projettera les films des artistes retenus pour son Exposition de Noël.FC Le jour le plus court, mercredi 2

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Les amants éternels du cinéma français

ECRANS | Acteurs / Le cinéma de François Ozon affiche ouvertement son fétichisme cinéphile ; chez lui, la citation doit être littérale, incarnée, et les acteurs doivent (...)

François Cau | Jeudi 4 novembre 2010

Les amants éternels du cinéma français

Acteurs / Le cinéma de François Ozon affiche ouvertement son fétichisme cinéphile ; chez lui, la citation doit être littérale, incarnée, et les acteurs doivent arriver sur l’écran avec le passé de leurs rôles précédents (Jérémie Rénier dans Les Amants criminels, Jeanne Moreau dans Le Temps qui reste, etc.). Dans Potiche, il reforme le couple mythique Catherine Deneuve / Gérard Depardieu, sept films ensemble en trente ans. Deneuve le fait justement remarquer, elle n’a jamais été que l’amante de Depardieu, jamais sa femme à l’écran ; c’est donc un couple illégitime marqué par un décalage initial qui empêche l’accomplissement de la romance. Dans Le Dernier métro (1980), Truffaut fait de Deneuve une comédienne populaire qui devient par la force des choses le lien entre son mari juif caché dans la cave du théâtre pendant l’occupation et le monde extérieur. Depardieu, lui, est un jeune acteur qui doit être son partenaire à la scène et devient son amant en coulisses. Deneuve est alors une star ; Depardieu est en passe de l’être et le film se nourrit de ce décalage de notoriété en le reproduisant à l’écran. Corneau dans Le Choix de

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«Fidèle à la réalité»

ECRANS | Entretien / François Ozon, réalisateur de Potiche. Propos recueillis par CC

François Cau | Jeudi 4 novembre 2010

«Fidèle à la réalité»

Petit Bulletin : Potiche a ceci de nouveau dans votre œuvre : il parle frontalement de politique…François Ozon : C’est venu naturellement de la pièce originale que je connaissais depuis l’époque où j’avais tourné 8 femmes. Ce qui a déclenché mon envie de l’adapter, c’est la campagne présidentielle de 2007, où une vraie misogynie s’est déchaînée de la part des hommes politiques, y compris dans le camp socialiste, mais aussi des femmes, envers Ségolène Royal. À cette occasion, j’ai relu la pièce, et je l’ai trouvée très actuelle. Dans le même temps, j’ai reçu une proposition de mes producteurs, Mandarin, pour tourner un film sur Nicolas Sarkozy. Ça ne me branchait pas tellement. À la place, je leur ai proposé Potiche en leur disant que c’était aussi un film politique. Mais ils ne s’attendaient pas à ce que ce soit une comédie ! 8 femmes était aussi l’adaptation d’une pièce de théâtre populaire, mais Potiche est moins théâtral, plus aéré…8 femmes était un whodunit à la théâtralité assumée, un huis clos que j’avais tiré vers une réflexion sur les actrices. Potiche est plus au premier degré, il était important de

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Politique de la potiche

ECRANS | Cinéma / Pour son déjà douzième long-métrage, l’insaisissable François Ozon s’empare d’une pièce de boulevard signée Barillet et Grédy, pour en tirer une adaptation très libre, politique, drôle et mélancolique, au casting parfait et à la mise en scène fluide et élégante. Christophe Chabert

François Cau | Jeudi 4 novembre 2010

Politique de la potiche

Un mot d’abord sur l’étrange carrière de François Ozon. Peu de cinéastes français contemporains ont été aussi prolifiques (un film par an depuis 1998), aussi éclectiques et aussi inégaux. Impossible à partir de sa déjà imposante filmographie de faire des généralités : il a fait de grands films intimistes (5X2, Le Temps qui reste) mais en a raté à peu près autant (Swimming Pool, Le Refuge) ; avec des sujets plus conséquents, les fortunes sont aussi diverses, du baroque provocateur Les Amants criminels au romanesque neurasthénique d’Angel ; quand il adapte du théâtre, cela peut donner un film poussif comme 8 femmes, mais aussi une bonne claque comme Gouttes d’eau sur pierres brûlantes. Potiche rajoute encore du paradoxe : d’abord, il sort la même année que ce qui est sans doute le pire film d’Ozon (Le Refuge) ; ensuite, il s’apparente à une commande ouvertement grand public façon 8 femmes ; enfin, il s’agit d’une comédie, genre qui a peu réussi à Ozon depuis son initial Sitcom. Pourtant, le cinéaste est ici à son meilleur, et si Potiche est avant tout un excellent divertissem

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Le Refuge

ECRANS | De François Ozon (Fr, 1h30) avec Isabelle Carré, Louis-Ronan Choisy…

François Cau | Jeudi 21 janvier 2010

Le Refuge

Le Refuge plonge tête la première dans ce qui guette le cinéma de François Ozon : son côté Patrice Leconte auteuriste où un film=une idée+un casting. C’était le cas de Swimming pool, son plus mauvais film à ce jour, ça l’est encore plus ici car Ozon y rajoute une donnée intenable : un discours sournoisement planqué derrière son récit. Soit un couple de junkies ; le mec (Melvil Poupaud) meurt et la fille (Isabelle Carré) tombe enceinte. Elle trouve refuge dans une maison au bord de l’océan, où le frère gay de son amant la rejoint. Elle décide de garder l’enfant, et découvre dans ce frère en rupture avec sa famille bourgeoise un père de substitution possible. La fin viendra enfoncer le clou : oui, les homos peuvent être d’excellents pères, meilleurs que certains hétéros. Soit. Mais la démission totale de Ozon en tant que scénariste (le film n’est qu’accumulation de dialogues dignes de Plus belle la vie) et cinéaste (il n’y a rien à regarder dans les plans, plats comme un téléfilm) donne le sentiment que Le Refuge n’est qu’un prétexte pour un futur débat sur la question.CC

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Ricky

ECRANS | De François Ozon (Fr, 1h30) avec Alexandra Lamy, Sergi Lopez…

François Cau | Vendredi 6 février 2009

Ricky

Après le ratage d’Angel, François Ozon revient à un cinéma modeste proche de ses premières œuvres avec ce très curieux Ricky. La première demi-heure est une belle surprise : Ozon s’y frotte au quotidien d’une ouvrière dans une usine de produits chimiques (Alexandra Lamy, tout à fait crédible et assez épatante), mère célibataire nouant une relation avec un autre ouvrier (Sergi Lopez, très bon lui aussi). Le réalisme de cette ouverture ne se dépare pas d’une sècheresse de trait et d’un sens de l’inquiétude qui laissent penser que le cinéaste signe ici son retour en forme et en force. Mais tout cela ne fait que préparer le twist énorme qui est en fait le vrai sujet du film : la naissance d’un bébé ailé, que l’on cache puis que l’on tente maladroitement d’exhiber au monde, avant de le laisser s’envoler comme dans un conte pour enfants. Ozon nous supplie de croire à l’impossible, mais avec des effets spéciaux de téléfilm et des séquences franchement foirées (la scène du supermarché avec ses figurants aux taquets !), c’est beaucoup demander au spectateur. Il est lui-même trop conscient de ce qu’il raconte, notamment des sous-textes évidents charriés par son histoire,

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