"Annette" de Leos Carax : noces de son

Ouverture Cannes 2021 | Espéré depuis un an, avec son titre qui est une quasi anagramme d'attente, le nouveau Carax tient davantage de la captation d’un projet scénique que de ses habituelles transes cinématographiques. Vraisemblablement nourrie de son histoire intime, cette mise en abyme du vampirisme trouble entre artistes, artistes et modèles, artistes et environnement familial, dépose presque toute fragilité en multipliant les oripeaux chic, glamour et trendy. Parfait pour le tapis rouge de l’ouverture de Cannes, moins pour l’émotion…

Vincent Raymond | Mercredi 7 juillet 2021

Photo : ©UGC Distribution


Figurer en ouverture sur la Croisette n'est pas forcément une bonne nouvelle pour un film. A fortiori cette année, après deux ans de disette. Car ce que le Festival attend de sa première montée des marches, c'est qu'elle amorce la pompe à coup de stars, de strass et de flashs fédérateurs. L'œuvre qui abrite ces premiers de cordée se trouve souvent reléguée à l'enveloppe de luxe et encourt surtout le risque d'être vite oblitérée d'abord par le reste de la sélection, puis par le temps. On n'aura pas la cruauté de rappeler quelques pétards mouillés du passé

Cochant les cases de la notoriété grand public et auteur, Annette souscrit également à d'autres paramètres prisés par les festivals : une dénonciation à travers la comédie musicale cinématographie de l'égotisme des gens de la "société du spectacle", à l'instar du All That Jazz (Palme d'Or 1980) de Bob Fosse ou du moins flamboyant et plus convenu La La Land (Lion d'Or 2016) de Damien Chazelle. Voire, sans la musique, du miraculeux Birdman (2014) d'Iñarritu.

Allégorie, fable méta, mélodrame chanté, Annette s'ouvre par la grâce de son double Dieu : le son et le visage de son démiurge-auteur Leos Carax. Le son, ou plutôt un souffle à peine audible modulant d'une voix tremblotante Au clair de la lune, évoque le premier enregistrement de l'humanité réalisé un siècle avant la naissance de Carax par Édouard-Léon Scott de Martinville, avant qu'un grésillement électrique ne ramène au studio où les Sparks se préparent à chanter (l'ellipse est digne de celle de 2001 quand l'os tournoyant en l'air fait place à une navette spatiale). En cabine et à l'image, le cinéaste en personne dirige la session. Il signifie le commencement, comme au début de son envoûtant Holy Motors (2012) où il figurait ce rêveur possédant au bout du doigt une clef afin de déverrouiller le film à son public ; à ses côtés, ce n'est pas le fruit du hasard, se tient sa fille Nastya Golubeva-Carax. Quand le top est lancé, la musique crée le récit, sort du studio, les comédiens-personnages rejoignent la troupe et l'histoire démarre au terme d'un plan-séquence-chorale. Plutôt prometteur et galvanisant ; c'est ensuite que cela se gâte... ou tout au moins que les promesses ne sont pas tenues.

Pas totalement en chanté, ni enchanteur

Sorte de néo Lenny Bruce rudoyant son public lors de ses one man shows, Henry McHenry vient de rencontrer la cantatrice Ann Desfranoux. Ils entament une histoire d'amour intense que vient sceller la naissance de leur fille Annette, une enfant comme "venue d'ailleurs". Mais la perte de succès d'Henry et sa jalousie créent des dissensions dans le couple. Après un drame, le père entreprend d'exploiter à travers le monde le talent d'Annette, bébé possédant la voix de sa mère…

La comédie musicale est tendance, d'accord. C'est un cycle. Une affiche avec un réal arty, des compositeurs cultes dont les musiciens sont fans et des interprètes à statuettes permet sans doute d'espérer décrocher la timbale, à défaut de se distinguer. Car sur le registre de l'enfant "différent" trouvant la musique pour exutoire, les opéras rock Tommy (1975) ou The Wall (1982) sont passés avant. Leur plus-value par rapport à Annette ? Ces films sont des adaptations d'un matériau préexistant, pensés pour le disque et/ou la scène. Étonnamment, le film de Carax semble contenir moins de gestes ou d'intentions purement cinématographiques justifiant la spécificité de son médium d'élection. Bien sûr, le cinéaste s'adonne à quelques-uns de ses penchants favoris (des surimpressions, de rares mais virtuoses plans-séquences) ; il accentue surtout la théâtralité de son film. On ne parle pas seulement de son filage de lieux de spectacle au sens strict, où se produisent naturellement ses protagonistes, mais des environnements annexes qui se transforment en authentiques plateaux (le bateau et l'île du naufrage sont ainsi traités comme des décors, le tribunal se tient dans une salle de spectacle etc.) Bref, tout devient espace de spectacle vivant et de démonstration au public. Tout est représentation, y compris la conférence de presse façon #MeToo, posée un peu comme une pièce rapportée, ou les intermèdes d'un choryphée moderne s'incarnant dans la voix d'une échotière people (pour le coup, ça, c'est une bonne idée).

Au-delà de ce constat à la Guy Debord, que nous raconte Annette ? Que l'artiste peut s'avérer un aigri, un tourmenté et un parasite de son entourage, voleur de beauté à l'occasion, au service de ses propres ambitions ou frustrations. Il est tentant de faire un parallèle entre Henry vivant d'Annette et le metteur en scène vivant à travers ses égéries, surtout avec Carax qui les a accumulées : Denis Lavant, Mireille Perrier, Juliette Binoche, Katerina Golubeva… Il est par ailleurs troublant de relever la similitude physique d'Adam Driver/Henry avec Carax à la fin du film, veuf d'Ann, de se souvenir que Carax a perdu tragiquement sa compagne Katerina Golubeva, et de lire que Annette est dédié à leur fille Nastya, évoquée plus haut. Difficile d'aborder ce parallélisme intime sans glisser dans les méandres de l'indiscrétion obscène…

On parlait en début de "cases cochées" par ce film pour concourir à Cannes. Annette est donc, à l'instar des Palmes Les Parapluies de Cherbourg (1964) et Dancer in The Dark (2000), un mélodrame où la fin possède autant de qualités que le début, ce qui rattrape ses ventres mous. L'on devrait, d'ailleurs, dire les fins, car une conclusion collective s'ajoute au terme du générique. La différence, chez Demy ou von Trier, c'est qu'on regarde aussi en périphérie des personnages au lieu d'enchaîner les pubs pour parfum et qu'on ose faire du sentiment sans crainte au-delà des cinq dernières minutes. C'est moins vain, mais c'était une autre époque…

★★☆☆☆Annette de Leos Carax (Fr., 2h20) avec Adam Driver, Marion Cotillard, Simon Helberg…


Annette

De Leos Carax (EU, 2h20) avec Adam Driver, Marion Cotillard, Simon Helberg

De Leos Carax (EU, 2h20) avec Adam Driver, Marion Cotillard, Simon Helberg

salles et horaires du film


Los Angeles, de nos jours. Henry est un comédien de stand-up à l’humour féroce. Ann, une cantatrice de renommée internationale. Ensemble, sous le feu des projecteurs, ils forment un couple épanoui et glamour. La naissance de leur premier enfant, Annette, une fillette mystérieuse au destin exceptionnel, va bouleverser leur vie.

Annette est à  l'affiche dans 4 salles le mercredi 28 juillet

Le Méliès

28 allée Henri Frenay 38000 Grenoble
(en V0) Mer, jeu, ven, sam, lun, mar 14h, 17h30, 20h15 - dim 14h, 18h

Pathé Chavant

21 boulevard Maréchal Liautey 38000 Grenoble
(en V0) 21h15

Espace Aragon

19 boulevard Jules Ferry 38190 Villard-Bonnot
(en V0) Mer, jeu, ven, dim, lun 20h - sam 17h - mar 17h30

Le Cap

Place Armand Pugnot 38340 Voreppe
(en V0) Mer, ven, lun 20h - jeu, mar 17h - dim 14h, 20h
Annette est à  l'affiche dans 4 salles le jeudi 29 juillet

Le Méliès

28 allée Henri Frenay 38000 Grenoble
(en V0) Mer, jeu, ven, sam, lun, mar 14h, 17h30, 20h15 - dim 14h, 18h

Pathé Chavant

21 boulevard Maréchal Liautey 38000 Grenoble
(en V0) 21h15

Espace Aragon

19 boulevard Jules Ferry 38190 Villard-Bonnot
(en V0) Mer, jeu, ven, dim, lun 20h - sam 17h - mar 17h30

Le Cap

Place Armand Pugnot 38340 Voreppe
(en V0) Mer, ven, lun 20h - jeu, mar 17h - dim 14h, 20h
Annette est à  l'affiche dans 4 salles le vendredi 30 juillet

Le Méliès

28 allée Henri Frenay 38000 Grenoble
(en V0) Mer, jeu, ven, sam, lun, mar 14h, 17h30, 20h15 - dim 14h, 18h

Pathé Chavant

21 boulevard Maréchal Liautey 38000 Grenoble
(en V0) 21h15

Espace Aragon

19 boulevard Jules Ferry 38190 Villard-Bonnot
(en V0) Mer, jeu, ven, dim, lun 20h - sam 17h - mar 17h30

Le Cap

Place Armand Pugnot 38340 Voreppe
(en V0) Mer, ven, lun 20h - jeu, mar 17h - dim 14h, 20h
Annette est à  l'affiche dans 3 salles le samedi 31 juillet

Le Méliès

28 allée Henri Frenay 38000 Grenoble
(en V0) Mer, jeu, ven, sam, lun, mar 14h, 17h30, 20h15 - dim 14h, 18h

Pathé Chavant

21 boulevard Maréchal Liautey 38000 Grenoble
(en V0) 21h15

Espace Aragon

19 boulevard Jules Ferry 38190 Villard-Bonnot
(en V0) Mer, jeu, ven, dim, lun 20h - sam 17h - mar 17h30
Annette est à  l'affiche dans 4 salles le dimanche 01 août

Le Méliès

28 allée Henri Frenay 38000 Grenoble
(en V0) Mer, jeu, ven, sam, lun, mar 14h, 17h30, 20h15 - dim 14h, 18h

Pathé Chavant

21 boulevard Maréchal Liautey 38000 Grenoble
(en V0) 21h15

Espace Aragon

19 boulevard Jules Ferry 38190 Villard-Bonnot
(en V0) Mer, jeu, ven, dim, lun 20h - sam 17h - mar 17h30

Le Cap

Place Armand Pugnot 38340 Voreppe
(en V0) Mer, ven, lun 20h - jeu, mar 17h - dim 14h, 20h
Annette est à  l'affiche dans 4 salles le lundi 02 août

Le Méliès

28 allée Henri Frenay 38000 Grenoble
(en V0) Mer, jeu, ven, sam, lun, mar 14h, 17h30, 20h15 - dim 14h, 18h

Pathé Chavant

21 boulevard Maréchal Liautey 38000 Grenoble
(en V0) 21h15

Espace Aragon

19 boulevard Jules Ferry 38190 Villard-Bonnot
(en V0) Mer, jeu, ven, dim, lun 20h - sam 17h - mar 17h30

Le Cap

Place Armand Pugnot 38340 Voreppe
(en V0) Mer, ven, lun 20h - jeu, mar 17h - dim 14h, 20h
Annette est à  l'affiche dans 4 salles le mardi 03 août

Le Méliès

28 allée Henri Frenay 38000 Grenoble
(en V0) Mer, jeu, ven, sam, lun, mar 14h, 17h30, 20h15 - dim 14h, 18h

Pathé Chavant

21 boulevard Maréchal Liautey 38000 Grenoble
(en V0) 21h15

Espace Aragon

19 boulevard Jules Ferry 38190 Villard-Bonnot
(en V0) Mer, jeu, ven, dim, lun 20h - sam 17h - mar 17h30

Le Cap

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Estelle Charlier : "C'est dans les défauts que la marionnette prend vie"

ECRANS | Parmi la foule des collaborateurs de Leos Carax pour inventer "Annette", on peut notamment compter une compagnie de théâtre iséroise : La Pendue. Avec la complicité de son ami Romuald Collinet, Estelle Charlier est celle qui a donné un corps et un visage à la supposée petite fille prodige d'Ann (Marion Cotillard) et Henry (Adam Driver). Une marionnette qui n'est encore visible qu'au cinéma, mais qu'on peut aussi apprendre à connaître par les mots, grâce à sa créatrice...

Martin de Kerimel | Mercredi 21 juillet 2021

Estelle Charlier :

Comment avez-vous rencontré Leos Carax pour la première fois ? Estelle Charlier : Lui travaillait depuis un moment sur l'idée du personnage. Annette ne pouvait pas être une vraie petite fille et il ne souhaitait pas utiliser une image de synthèse ou un robot. Il tenait à utiliser un objet que les acteurs pourraient toucher et prendre dans leurs bras. Il s'est donc décidé pour une marionnette. En novembre 2016, j'ai été contactée : il cherchait plutôt des manipulateurs que des constructeurs, à cette époque, mais sans avoir encore choisi ce que serait le visage d’Annette. Il avait simplement les photos d’une enfant, qui m’ont beaucoup touchée. Je lui ai donc proposé de faire un essai de sculpture. C’est ainsi que nous avons commencé à travailler ensemble. Et ç’a été un travail au long cours… Un projet énorme : il y a plusieurs expressions du visage, plusieurs marionnettes, plusieurs âges et plusieurs types de manipulation. Mon complice, Romuald Collinet, a intégré l’équipe en janvier 2017. Le film aurait dû être tourné cette année-là, mais on a été interrompu après quatre mois. Finalement, le projet a

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"The Dead Don't Die" : comme un petit goût de reviens-y-pas pour Jim Jarmusch

ECRANS | Quelle mouche a piqué Jim Jarmusch (ou quel zombie l’a mordu) pour qu’il signe ce film ni série B, ni parodique, ni sérieux ; ni rien, en fait. Prétexte pour retrouver ses copains dans une tentative de cinéma de genre, ce nanar de compétition figure dans celle de Cannes 2019 dont il a effectué en sus l’ouverture.

Vincent Raymond | Mercredi 15 mai 2019

Centerville, États-Unis. Depuis la fracturation des Pôles, la terre est sortie de son axe et de drôles de phénomènes se produisent : la disparition des animaux ou l‘éveil des macchabées qui attaquent la ville. Au bureau du shérif Robertson, on commence à lutter contre les zombies… Certes oui, l’affiche de The Dead Don’t Die vantant son « casting à réveiller les morts » a de la gueule. Mais empiler des tombereaux de noms prestigieux (Bill Murray, Tilda Swinton, Adam Driver, Selena Gomez, Steve Buscemi, Chloë Sevigny, Danny Glover...) n’a jamais constitué un gage de qualité, ni garanti de provoquer le tsunami de spectateurs escompté par les producteurs. Voyez les cimetières, où l’on trouve pourtant la plus forte concentration de génies au mètre carré (et une proportion non négligeables de sinistres abrutis) : outre les taphophiles, ils ne rameutent guère les foules. Blague à part, cette affiche reproduisant luxueusement celle plus brute de décoffrage de La Nuit des Morts-Vivants (1968) annonce d’emblée la couleur : Jim Jarmusch vient rejouer la partition du classique horrifique de Geor

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"Nous finirons ensemble" : Guillaume Canet et ses potes encore un peu plus à l’ouest

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Vincent Raymond | Mardi 30 avril 2019

Dix ans après l’été maudit qui vit périr l’un des leurs, le groupe d’amis du Cap Ferret des Petits mouchoirs s’est disloqué. Sous l’impulsion d’Éric, ils se retrouvent tous pour célébrer les 60 ans de Max. Or celui-ci, sur le point de vendre sa maison, goûte guère la surprise… On prend les mêmes et on continue en suivant la recette : faire fermenter dans une résidence de nabab émirati ou de milliardaire texan un groupe "d’amis" aux égos hypertrophiés se mesurant la longueur du portefeuille pour savoir qui sera le nouveau mâle alpha de la bande. Fatalement, il faut s’attendre à du combat de coqs. Quand ils en ont le temps, certain·es de ces quadra adulescents pensent (un peu) aux autres. Pas forcément à leurs enfants, ces boulets d’arrière-plan décoratif conservés en cas de nécessité dramatique ; plutôt à la planète le temps d’un couplet fédérateur dans l’air du temps. Ces personnages seraient faits pour être raillés, on souscrirait volontiers. Mais non : il faut les aimer pour leurs "blessures"

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"BlacKkKlansman - J'ai infiltré le Ku Klux Klan" : Spike Lee en mode humour noir

ECRANS | Deux flics (l’un noir, l’autre blanc et juif) infiltrent la section Colorado du KKK. Le retour en grâce de Spike Lee est surtout une comédie mi-chèvre mi-chou aux allures de film des frères Coen – en moins rythmé. Grand prix lors du dernier Festival de Cannes.

Vincent Raymond | Mercredi 22 août 2018

Colorado Springs, États-Unis, aube des années 1970. Tout juste intégré dans la police municipale, un jeune flic noir impatient de "protéger et servir" piège par téléphone la section locale du Ku Klux Klan. Aidé par un collègue blanc, sa "doublure corps", il infiltrera l’organisation raciste… Spike Lee n’est pas le dernier à s’adonner au jeu de l’infiltration : dans cette comédie « basée sur des putains de faits réels » (comme l’affiche crânement le générique), où il cite explicitement Autant en emporte le vent comme les standards de la "blaxploitation" (Shaft, Coffy, Superfly…), le réalisateur de Inside Man lorgne volontiers du côté des frères Coen pour croquer l’absurdité des situations ou la stupidité crasse des inévitables "sidekicks", bêtes à manger leur Dixie Flag. Voire sur Michael Moore en plaquant en guise de postface des images fraîches et crues des émeutes de Charlottesville (2017). Cela donne un ton cool, décalé-cocasse et familier, rehaussé d’une pointe d’actualité

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"L’Homme qui tua Don Quichotte" : tout ça pour ça ?

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"Les fantômes d'Ismaël" : un Desplechin vertigineusement délicieux

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"Silence" : du doute, pour une foi

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ECRANS | Une semaine ordinaire dans la vie de Paterson, chauffeur de bus à Paterson, New Jersey, et poète à ses heures. Après la voie du samouraï, Jim Jarmusch nous indique celle d’un contemplatif alter ego, transcendant le quotidien sur son carnet. Une échappée hors du temps bienvenue.

Vincent Raymond | Mardi 20 décembre 2016

Dalí soutenait que la gare de Perpignan était le centre du monde. Alors la ville de Paterson, avec ses rues peu fréquentées, ses murs de briques rouges et sa quiétude provinciale, ne pourrait-elle pas être le nord magnétique de la poésie américaine ? Escale obligée – semble-t-il – pour une foule de maîtres du verbe, de Ginsberg à Iggy Pop, ce cadre apparemment dépourvu de pittoresque et de distractions a inspiré le poète et romancier américain William Carlos Williams tout au long de sa carrière. Il est aussi la patrie d’un bien nommé Paterson, émule du précédent ; le lieu d'où il compose son œuvre dans le secret d’un carnet de notes, sans jamais se départir de son impassibilité. Citoyen en apparence quelconque d’une ville banale, Paterson trouve dans son train-train matière à émerveillement, transmutant les choses vues en vues singulières. Carnet de notes sur revêtement de ville Emboîtant les pas de ce scribe machiniste, Jim Jarmusch révèle le caractère ininterrompu du processus d’écriture : entre la cristallisation de l’inspiration et la fixation du texte sur le papier, les mots s’affichent, s’accumulent, s’agencent dans son esprit – et, pour nou

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"Assassin’s Creed" : game over

ECRANS | Le jeu vidéo culte trouve une nouvelle vie au cinéma grâce à Justin Kurzel et des stars comme Michael Fassbender, Marion Cotillard ou encore Jeremy Irons. Sauf que cette vie-là tombe totalement à plat.

Vincent Raymond | Mardi 20 décembre 2016

Censé être exécuté par injection, Cal se réveille dans une étrange institution où des scientifiques l’incitent à plonger dans sa mémoire génétique afin de trouver le moyen d’éradiquer à jamais toute pulsion de violence chez l’Homme. Héritier d’une séculaire guilde, les Assassins, adversaires immémoriaux des Templiers, Cal va affronter son passé… et le présent. Dans cette histoire où deux vilaines sectes s’entretuent à travers les âges pour contrôler l’humanité, difficile de comprendre laquelle est la moins pire – laissons aux complotistes le soin de les évaluer selon leurs critères tordus. Difficile aussi, d’y trouver son content en terme d’originalité spectaculaire : à force d’en garder sous la pédale pour alimenter d’hypothétiques suites, les films d’action peinent à se suffire à eux-mêmes ; d’épiques, ils deviennent elliptiques. Badaboum Son origine vidéoludique devrait irriguer Assassin’s Creed de trouvailles visuelles, le rendre aussi innovant et immersif qu’un Christopher Nolan des familles. Las ! Justin Kurzel ne fait qu’enquiller bastons chorégraphiées et combats de sabres pour yamakasi en toile d

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"Juste la fin du monde" : Dolan au début d’un nouveau cycle ?

ECRANS | Ébauche de renouveau pour Xavier Dolan qui adapte ici une pièce du dramaturge français Jean-Luc Lagarce, où un homme vient annoncer son trépas prochain à sa famille dysfonctionnelle qu’il a fuie depuis une décennie. Du maniérisme en sourdine et une découverte : Marion Cotillard, en comédienne.

Vincent Raymond | Lundi 19 septembre 2016

Les liens de parenté recuits dans leur rancœur d’un côté ; de l’autre le fils prodigue… C’est une bien belle collection de menteurs et de névrosés qui défile. De lâches, aussi. Ensemble ou séparément, ils ne parviennent pas à extérioriser ni leur amour, ni leur haine. Dans la présence des corps, c’est l’absence des mots qui les foudroie. La pièce de Lagarde de 1990 dont Dolan s’est emparée est un de ces psychodrames familiaux à la Festen, où jamais cependant les traumas originels n’arrivent à s’exprimer, ni les abcès à se vider. Personne n’a le luxe de respirer dans cette succession de tête-à-tête : à la canicule s’ajoute l’oppression de gros plans implacables entravant jusqu’au mouvement de la pensée. Comment peut-on être aussi seul en coexistant à plusieurs, aussi éloignés en ayant tant en commun ? Cotillard, épure et pure Avouons que l’on redoutait la surenchère de têtes d’affiche (Gaspard Ulliel, Nathalie Baye, Léa Seydoux, Vincent Cassel) ; on la craignait comme un artifice obscène,

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While we’re young

ECRANS | Après "Frances Ha", Noah Baumbach continue d’explorer le New York branché et sa bohème artistique, transformant la pièce d'Ibsen "Solness le constructeur" en fable grinçante et néanmoins morale où des bobos quadras se prennent de passion pour un couple de jeunes hipsters. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 21 juillet 2015

While we’re young

Quarante ans, toujours pas parents ; Josh et Cornelia (couple inattendu mais crédible formé par Ben Stiller et Naomi Watts) sont en pleine crise. Tandis que leurs amis bobos new-yorkais s’assurent une descendance, eux semblent frappés de stérilité. Celle-ci n’est pas seulement sexuelle, elle est aussi créative, en particulier pour Josh, en galère pour terminer un documentaire fleuve qui, manifestement, n’intéresse que lui. Jusqu’au jour où ils rencontrent Jamie et Darby – Adam Driver et Amanda Seyfried, prototypes de hipsters ayant fait de la bohème une règle de vie. À leur contact, Josh et Cornelia trouvent une seconde jeunesse, revigorés par ce couple qui semble vivre dans un présent perpétuel. Noah Baumbach se livre alors à une comédie de mœurs contemporaine, même s’il s’inspire très librement d’une pièce vieille d’un siècle – Solness le constructeur d’Ibsen. Le ton y est mordant et le monde actuel en prend pour son grade : tandis que Josh se débat avec son portable, ses CD et son appartement design, Jamie ne jure que par les vinyles, les VHS et le mobilier vintage. La jeunesse s’empare des objets ringards de ses aînés et les rends hype et désirables, y com

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Hungry hearts

ECRANS | Après "La Solitude des nombres premiers", Saverio Costanzo prolonge son exploration des névroses contemporaines en filmant l’enfermement volontaire d’une femme, atteinte d’une phobie radicale du monde extérieur. Un film dérangeant dont la mise en scène rappelle Polanski. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 24 février 2015

Hungry hearts

La rencontre entre Jude et Mina pourrait être le prélude à une comédie romantique : ils se retrouvent tous deux enfermés dans les toilettes d’un restaurant chinois, incommodés par l’odeur et embarrassés par cette promiscuité forcée. Cette première scène de Hungry hearts agit donc comme un faux-semblant pour le reste du film, pas franchement drôle et même carrément inquiétant. Mais Saverio Costanzo, déjà auteur du remarquable La Solitude des nombres premiers, y offre deux indices au spectateur quant à la tournure que prendront les événements : d’abord, la claustration physique et son prolongement psychologique, véritable sujet du film ; puis cette idée d’un corps masculin dont les fluides créent des effluves nauséabondes et potentiellement dangereuses. C’est ce qui va détraquer l’histoire d’amour : une fois le mariage célébré, l’enfant à naître n’est pas vraiment désiré. « Ne viens pas en moi ! » demande Mina, mais Jude ne parvient pas à se retenir. Quelque chose d’étranger est donc entré dans son corps

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The Search

ECRANS | De Michel Hazanavicius (Fr, 2h14) avec Bérénice Bejo, Annette Bening, Maxim Emelianov…

Christophe Chabert | Mardi 25 novembre 2014

The Search

Mal accueilli à Cannes, judicieusement remonté depuis, The Search prouve que son cinéaste, Michel Hazanavicius, possède un très estimable appétit de cinéma. Après le triomphe de son néo-muet The Artist, il signe le remake d’un mélodrame éponyme de Fred Zinneman, qu’il réinscrit dans le cadre de la deuxième guerre de Tchétchénie en 1999. En parallèle, on suit deux destins : l’errance d’un enfant dont les parents ont été massacrés sous ses yeux par l’armée russe, recueilli par une chargée de mission de l’Union européenne, et un jeune un peu paumé que ladite armée va transformer en machine de guerre. On ne révèlera pas ce qui les réunit, tant il s’agit d’un des tours de force de The Search. L’autre, c’est la sécheresse avec laquelle Hazanavicius parvient à raconter son histoire, différant longuement la montée émotionnelle pour s’en tenir à un classicisme bienvenu et efficace. Peu de musique externe, une volonté de trouver la bonne distance face aux événements et de ne pas chercher la fresque mais plutôt le désarroi qui émane des ruines ou

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Deux jours, une nuit

ECRANS | Nouvel uppercut des frères Dardenne, qui emprunte les voies du thriller social pour raconter comment une ouvrière tente de sauver son travail en persuadant ses collègues de renoncer à une prime, et interroger ce qui reste de solidarité dans la société actuelle. Magnifique. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 20 mai 2014

Deux jours, une nuit

Lève toi et marche. Au premier plan de Deux jours, une nuit, Sandra (Marion Cotillard, formidable, se fond génialement dans l’univers des frères Dardenne, comme Cécile De France avant elle dans Le Gamin au vélo) émerge d’un sommeil médicamenteux et sort de son lit pour répondre au téléphone. C’est le film qui l’arrache de cette dépression dont on ne connaîtra jamais le motif mais qui est devenue la source de son malheur actuel : juste avant son retour de congé maladie, elle apprend qu’elle va perdre son emploi, le patron de son entreprise de panneaux solaires ayant choisi d’accorder une prime aux autres ouvriers contre le "départ" d’une des leurs. Décision cruelle à laquelle Sandra refuse de se plier ; avec son mari Manu (Fabrizio Rongione), elle va aller à leur rencontre, tentant de les convaincre un par un de revenir sur leur vote. Les frères Dardenne suivent donc à la trace leur héroïne, toujours en mouvement ; elle encaisse les coups, trébuche, tombe, se relève, repart à l’assaut et se recharge avec les quelques rayons de solidarité qui l

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The Immigrant

ECRANS | Les premiers plans de The Immigrant mettent l’Amérique au cœur de son sujet : la statue de la liberté, Ellis Island, une file d’immigrants européens (...)

Christophe Chabert | Mardi 19 novembre 2013

The Immigrant

Les premiers plans de The Immigrant mettent l’Amérique au cœur de son sujet : la statue de la liberté, Ellis Island, une file d’immigrants européens attendant leur visa… C’est aussi une image forte venue du cinéma américain, celle qui ouvrait Le Parrain II. En se transportant au début du XXe siècle, James Gray semble promettre une grande fresque en costumes, éminemment romanesque, qui le placerait en descendant naturel de Coppola. Mais une fois ses rôles principaux distribués – d’un côté, Ewa, Polonaise prête à tout pour retrouver sa sœur, restée en quarantaine sur l’île, et de l’autre, Bruno, souteneur qui lui promet de l’aider si elle accepte de rejoindre sa « famille »  –, le film se jouera avant tout en intérieurs : un théâtre burlesque, des bains publics ou l’appartement de Bruno Weiss, qui devient une nouvelle prison pour Ewa. En cela, The Immigrant tient plus du roman russe que de la reconstitution hollywoodienne, et la mise en scène de Gray, somptueuse, d’une sidérante fluidité, préfère l’intimisme à la démesure. Chaque miroir, chaque vitre est à la fois un cadre enserrant Ewa à l’intérieur du cadre, mais aussi une paroi sale o

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Frances Ha

ECRANS | En noir et blanc et au plus près de sa formidable actrice et co-auteure Greta Gerwig, Noah Baumbach filme l’errance d’adresses en adresses d’une femme ni tout à fait enfant, ni tout à fait adulte, dans un hommage au cinéma français qui est aussi une résurrection du grand cinéma indépendant américain. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mercredi 26 juin 2013

Frances Ha

Elle s’appelle Frances et c’est déjà tout un programme pour le nouveau film de Noah Baumbach, son meilleur depuis Les Berkman se séparent. Frances est une New-yorkaise pur jus, mais c’est comme si cette belle création cinématographique, fruit d’un travail en symbiose entre le cinéaste et son actrice Greta Gerwig, était aussi l’héritière d’un certain cinéma français. Dans une des nombreuses chambres où elle va échouer et qu’elle se refuse obstinément à ranger, Frances épingle un poster anglais de L’Argent de poche de François Truffaut ; avec un de ses colocataires, elle regarde un soir à la télé Un conte de Noël de Desplechin ; sur un coup de tête, la voilà partie pour Paris, où elle traîne entre le Café de Flore et la Sorbonne, tentant vainement d’avancer dans sa lecture de Proust ; enfin, séquence mémorable, on la voit danser en toute liberté dans la rue tandis que la caméra l’accompagne en travelling latéral, avec Modern Love de David Bowie déchaîné sur la bande-son.

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Aller de Lavant

CONNAITRE | Si la scène a bel et bien été, ces dernières années, le lieu de prédilection de Denis Lavant, c’est avant tout le cinéma qui a révélé au public ce drôle de corps, (...)

Christophe Chabert | Vendredi 5 avril 2013

Aller de Lavant

Si la scène a bel et bien été, ces dernières années, le lieu de prédilection de Denis Lavant, c’est avant tout le cinéma qui a révélé au public ce drôle de corps, athlétique et fougueux, et ce visage qui fût un temps lisse comme celui d’un adolescent lunaire, puis patiné par on ne sait quelles épreuves. Le cinéma et surtout un cinéaste : Leos Carax, qui vit en lui un parfait alter ego, tel Léaud pour Truffaut, et avec qui il construisit la première partie de son œuvre, celle d’avant l’éclipse. Boy meets girl, d’abord, qui sera projeté dimanche au Méliès : un jeune homme à la dérive dans un Paris qu’il a cartographié selon ses histoires amoureuses, rencontre lors d’une soirée mondaine une femme elle aussi un peu paumée, et c’est le coup de foudre. En noir et blanc, Carax filme un Lavant bredouillant, se perd en surimpression dans son regard immense et sombre, ou le laisse s’échapper dans des courses folles. Parfait prolongement des cuts et dissonances que le cinéaste aime créer à l’image et au son, Lavant est un corps taillé pour son cinéma, un acteur fait pour les raccords brutaux mais aussi pour les trav

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Une fondation pourquoi ?

ARTS | Info / Créée en 2003, la Fondation Alberto et Annette Giacometti doit son existence à la nécessité de gérer la succession de l’œuvre – immense – laissée par (...)

Laetitia Giry | Lundi 11 mars 2013

Une fondation pourquoi ?

Info / Créée en 2003, la Fondation Alberto et Annette Giacometti doit son existence à la nécessité de gérer la succession de l’œuvre – immense – laissée par Alberto. Institution privée reconnue d’utilité publique, elle assume les mêmes missions que toute autre fondation : conserver l’œuvre de l’artiste disparu et en assurer le rayonnement posthume. Pour cela, elle est la garante d’un savoir scientifique et pointu lui permettant de reconnaître les vrais des contrefaçons (ce qui lui vaut d’être la cible de la colère d’acheteurs malheureux ou de musées un peu trop dupes sur l’authenticité de leurs biens), s’échine à organiser des expositions partout dans le monde (une douzaine depuis sa création), encadre ou engage la restauration de différentes pièces (comme La Cage du Musée de Grenoble), et publie des ouvrages (correspondances ou autres écrits d’Alberto). D’après Véronique Wiesinger, co-commissaire de l’exposition et directrice de la fondation depuis dix ans, « gérer les droits d’auteur est très lourd ». Dépositaire du legs d’Annette, la fondation possède près de 5000 œuvres (dont 400 sculptures) qu’elle ne peut montrer dans un espace d’exposition à elle

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Un été sous influence

ECRANS | L’été, c’est la saison des reprises sur grand écran, avec une belle rétro Cassavetes au Club, la copie neuve de "Lola" de Jacques Demy au Méliès, et des films en plein air au parc Paul-Mistral. Christophe Chabert

Aurélien Martinez | Lundi 16 juillet 2012

Un été sous influence

C’est en France que le culte autour de John Cassavetes a pris sa source. Quelques années après sa mort, cinq de ses films ressortent en salles en copies neuves et marquent durablement l’esprit des cinéphiles mais aussi des cinéastes, qui iront s’inspirer de la méthode Cassavetes avec plus ou moins de bonheur. Ces cinq films, les revoici cet été au Club dans des copies numériques. Avec Shadows (1959), il tourne en même temps que la Nouvelle Vague française un film aux méthodes assez proches : décors et lumières naturelles, acteurs non professionnels, sujet pioché dans la réalité (un frère et une sœur, tous deux noirs mais lui plus noir de peau qu’elle, confrontés au racisme ordinaire) et quête de la spontanéité et de la vérité par le jeu comme par la caméra. Le cinéaste, parti sur l’idée d’improvisation, finit par y renoncer et retourne le film intégralement, avec un vrai dialogue qu’il passe du temps à répéter avec ses comédiens. La méthode Cassavetes est née, et elle explose en 1968 avec Faces, où se développe son goût pour les situations d’embarras et de crise. Elle atteint son sommet grâce au superbe Une femme sous influence (photo), avec l’éblouiss

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Leos et les bas

ECRANS | Six films (dont un court-métrage) en 28 ans, avec de grandes galères et de longues traversées du désert : la filmographie de Leos Carax est un roman. Christophe Chabert

Aurélien Martinez | Vendredi 29 juin 2012

Leos et les bas

1984 : Boy meets girlLe programme du titre n’est pas trompeur : dès son premier film, Leos Carax s’affirme avant tout comme un metteur en scène plus que comme un raconteur d’histoires, souvent banales chez lui. En noir et blanc, il filme la rencontre entre Alex, ado lunaire, et Mireille (Perrier), comédienne rongée par le mal-être. L’influence de Godard est sensible dans les nombreuses dissonances visuelles et sonores qui forment déjà le style Carax, mais aussi dans la rumination sur le cinéma en déclin, assassiné par la vidéo. 1986 : Mauvais sangLe tournage, compliqué, de ce deuxième film couronné par le prix Louis Delluc, va forger la réputation d’un Carax perfectionniste et irresponsable. Avec le recul, on voit bien quel mur le cinéaste s’apprête à se prendre en pleine face : alors qu’il radicalise encore son esthétique, où chaque plan doit être une œuvre en soi et où le scénario (qui entrecroise histoire d’amour, polar et trame d’espionnage) n’est que le prétexte à cette quête de la sidération, Carax engloutit des fortunes que même certains films « populaires » n’osent pas impliquer. Par ailleurs, Ma

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Voyage en Caraxie

ECRANS | Étonnant retour en grâce de Leos Carax avec "Holy motors", son premier long-métrage en treize ans, promenade en compagnie de son acteur fétiche Denis Lavant à travers son œuvre chaotique et un cinéma mourant. Qui, paradoxe sublime, n’a jamais été aussi vivant que dans ce film miraculeux et joyeux. Critique et retour sur une filmographie accidentée. Christophe Chabert

Aurélien Martinez | Vendredi 29 juin 2012

Voyage en Caraxie

Dans Boy meets girl, premier film de Leos Carax, Alex (Denis Lavant, déjà alter-ego du cinéaste au point de lui emprunter son vrai prénom) détache un poster dans sa chambre et découvre une carte de Paris dessinée sur le mur où chaque événement de sa vie a été reliée à une rue, un monument, un quartier. Ce plan, c’est celui de la Caraxie, cet étrange espace-temps construit à partir des souvenirs personnels et cinématographiques du cinéaste, celui qu’il a ensuite arpenté jusqu’à en trouver le cul-de-sac dans son film maudit, Les Amants du Pont-Neuf. Au début d’Holy motors, Leos Carax en personne se réveille dans une chambre, comme s’il sortait d’un long sommeil. Sommeil créatif, pense-t-on : cela fait treize ans qu’il n’a pas tourné de long-métrage. Le voilà donc qui erre dans cette pièce mystérieuse qui pourrait aussi, si on en croit la bande-son, être la cabine d’un bateau à la dérive ; et ce qu’il découvre derrière un mur n’est plus un

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Cannes, entre la panne et le moteur

ECRANS | Curieuse édition du festival de Cannes, avec une compétition de bric et de broc pleine de films d’auteurs fatigués, et dont le meilleur restera celui qui annonça paradoxalement la résurrection joyeuse d’un cinéma mort et enterré. Du coup, c’est le moment ou jamais de parler des nouveaux noms que le festival aura mis en orbite. Christophe Chabert

Aurélien Martinez | Vendredi 25 mai 2012

Cannes, entre la panne et le moteur

Comme il y a deux ans, le jour férié nous oblige à boucler avant la fin du festival de Cannes et la remise de la Palme d’or. Mais comme il y a deux ans, on a déjà hâte que l’affaire se termine, tant la compétition aura été laborieuse, et même parfois pénible à suivre. Surtout, sa diversité n’a pas été payante. En quelques heures, on pouvait passer d’un navet faussement personnel et vraiment putassier (le redoutable Paperboy de Lee Daniels, qui mérite des tomates après son déjà horrible Precious) à un sommet d’académisme moderniste à base d’acteurs inexpressifs, de dialogues séparés par d’interminables et grossiers silences et de plans sous tranxène sur des gars qui marchent dans les bois (le soporifique Dans la brume de Sergeï Loznitsa, qui mérite des œufs pourris après son déjà pontifiant My joy). Et on n’oubliera pas dans la liste le très Vogue Homme Sur la route de Walter Salles, où la beat generation est réduite à un clip publicitaire sur la mode des hipsters, ou encore le téléfilm de Ken Loach, La Part des anges, d’une fainéantise hallucinante que ce soit dans le déroulé de son scénario ou sa direction artistique inexist

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De rouille et d'os

ECRANS | Définitivement dans le cercle des meilleurs cinéastes français en activité, Jacques Audiard arrive à ne presque pas décevoir après "Un prophète" tout en abordant, avec une intelligence constante de la mise en scène, les rivages du mélodrame. Un grand et beau film. Christophe Chabert

Aurélien Martinez | Lundi 21 mai 2012

De rouille et d'os

On se disait que le crescendo qu'a connu la carrière de Jacques Audiard ne pouvait que marquer le pas après cette bombe qu'était Un prophète. De fait, si De rouille et d'os ne reproduit pas l'effet de sidération du film précédent, c'est surtout par son abord plus modeste : pas de grande narration à épisodes, mais une structure classique, en trois actes ; pas de relecture d'un genre transmuté par la réalité des corps et des enjeux de la France contemporaine ; et pas d'apparition d'un acteur jusqu'ici inconnu, même si Matthias Schoenaerts, authentiquement génial, n'a connu qu'une gloire récente et limitée auprès du noyau dur de la cinéphilie avec Bullhead. Et pourtant, dans un cadre plus étroit, avec un sujet casse-gueule (la rencontre entre une dresseuse d'orques amputée des jambes et un agent de sécurité s'occupant tant bien que mal de son gamin de cinq ans), Audiard évite tous les écueils, prend des risques, pense tout en termes de mise en scène et finit par surp

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Mother and Child

ECRANS | De Rodrigo Garcia (ÉU, 2h05) avec Annette Bening, Naomi Watts…

François Cau | Lundi 15 novembre 2010

Mother and Child

Depuis "Short Cuts", Los Angeles est devenu la terre promise du film choral. Dernier avatar en date, "Mother and Child" s’attaque au sujet casse gueule de l’adoption du point de vue des femmes. Un choix que le film de Rodrigo Garcia assume, mais au prix d’un scénario poussif et assujetti aux éternelles ficelles d’un genre qu’Inarritu, producteur (tiens donc), a mené très bas. Panel de personnages pluriethniques, destins croisés, déterminisme, héroïne sacrifiée arbitrairement, la formule, rabâchée, n’aide pas ce mélo soucieux de traiter son problème sous tous les angles. Pire, il finit même un peu par s’embrouiller en assénant un discours borderline sur la nécessité du rapport biologique. Moralité, l’adoption c’est compliqué. Sans blague. JD

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Tout va bien, The Kids are all right

ECRANS | De Lisa Cholodenko (ÉU, 1H46) avec Annette Bening, Julianne Moore, Mark Ruffalo…

François Cau | Lundi 4 octobre 2010

Tout va bien, The Kids are all right

Au croisement de deux sujets forts (l’homoparentalité et la question de l’insémination artificielle du point de vue des enfants), The Kids are all right s’avère un film incroyablement normé, rabattant tous les enjeux possibles de son scénario sur un vaudeville prévisible. C’est sans doute le but de Cholodenko : montrer que des questions comme la famille, le couple ou la recherche de son identité sont universelles, non réductibles à la sexualité des parents ou à l’origine biologique des enfants. Il y aurait même matière à en rire, mais le film est si standardisé, dans sa forme comme dans ses péripéties, que la comédie s’avère poussive et attendue. Baigné dans le rock branché, estampilllé à chaque plan cinéma indépendant Sundance, The Kids are all right étonne par son manque d’envergure, sa transparence cinématographique et le cabotinage un peu lourd de son casting (Moore et Ruffalo, notamment, on fait beaucoup mieux). CC

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Inception

ECRANS | L’ambitieux projet de blockbuster onirico-philosophique de Christopher Nolan débouche sur un film prototype, qui passe du temps à expliquer son mode d’emploi avant de se lancer dans une pratique ébouriffante du cinéma comme montagne russe spatio-temporelle. Christophe Chabert

François Cau | Samedi 10 juillet 2010

Inception

Inception part d’une idée magnifique : si le cinéma est une fabrique de rêves, aucun film n’avait jusque-là osé montrer des personnages dont c’était littéralement le métier. Des architectes, un scénariste, un technicien, un metteur en scène et des acteurs, toute une équipe qui ressemble à une équipe de tournage cachée derrière une bande de malfrats sophistiqués dont le but est de voler des secrets enfouis dans le subconscient de leurs victimes (les spectateurs ?). Christopher Nolan dans Le Prestige avait déjà prouvé que la réussite d’une illusion cinématographique reposait sur l’envie du public d’être dupé ; la suspension d’incrédulité devenait l’enjeu, la théorie et la matière scénaristique du film. Inception va plus loin : dès l’ouverture, impressionnante, le cinéaste plonge les personnages dans un labyrinthe de rêves encastrés les uns dans les autres, les secousses du réel (la plongée dans une baignoire d’eau froide) devenant des séismes dans le monde onirique (une vague gigantesque qui vient dévaster le décor). Quant à la mort, elle n’est que le plus court chemin vers le retour à la réalité. Rien n’est vrai, tout est simulé, imaginé, façonn

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