Éric Bourret : « Je me considère comme un piéton d'altitude »

ARTS | Parmi les photographes participant à l’exposition "Et si ce n’était pas la mélancolie", on trouve (et on aime particulièrement) Éric Bourret. Ses deux œuvres montrées ici, captivantes et mystérieuses, méritaient bien une petite discussion.

Laetitia Giry | Vendredi 22 février 2013

Photo : Éric Bourret


Vos photographies sont le fruit d'une sorte de performance…

Éric Bourret : Je suis un photographe marcheur, je fais œuvre sur le paysage à l'issue de mes traversées des Alpes du sud, des zones de littoral, ou d'une partie de la chaîne himalayenne (comme pour les deux photos exposées).

Plusieurs mois par an, j'arpente ces terres sur une durée qui varie entre une journée et deux mois. Des images émergent grâce ou à cause de la relation que j'entretiens pendant une longue période avec le paysage. Sans compétition ni surenchère sportive, je me considère simplement comme un piéton d'altitude. Je fais ce que font énormément de gens, je marche, car j'en ai besoin pour que mon travail puisse se mettre en place.

Ainsi, vous capturez en photo un temps que vous éprouvez dans la réalité, dans l'action de la marche ?

Ce qui me fascine, c'est la capacité que peut avoir l'image photographique d'enregistrer du temps. Sur certaines séries (notamment Timescape), j'essaie de multiplier le temps plutôt que de l'arrêter une fois. Pour cela, j'ai mis en place un protocole, celui de réaliser un certain nombre de prises de vue sur le même négatif : une sorte de mille-feuilles temporel accumulé sur une même image. Donc sur le moment, j'ai une idée de ce que je fais mais je ne peux pas le voir avant le développement.

Bien sûr, je pourrais superposer les prises de vue avec Photoshop, mais ce n'est pas cela qui m'intéresse, c'est de le faire sur le terrain, sans repentir possible. Cela revient à flirter avec le hasard tout en le maîtrisant – puisqu'il peut toujours se passer des choses inattendues. C'est comme un peintre qui mettrait des coups de pinceau sur une toile.

Vous avez ainsi le sentiment de photographier du mouvement plus qu'une image statique ?

Oui, c'est comme si ça ne s'arrêtait jamais, comme si on laissait une caméra ouverte et que le flux pouvait passer. Il est important de pouvoir se rendre compte à la fois de l'épaisseur et de la fugacité du paysage. Car un paysage est un corps vivant ; il y a un télescopage temporel qui se fait entre la métamorphose d'un être humain (60-80 années) et celle d'une montagne, qui va durer des millions d'années.

Avec Timescape, on est face à un objet que l'on reconnaît, que l'on peut appréhender : on voit une montagne mais qui est aussi autre chose, qui fuit. La photo montre ce qui est inhérent à tout corps vivant : sa modification permanente, sa mutabilité.

Vos œuvres, monumentales dans leur format, sont présentées d'une manière très particulière, pourquoi ?
C'est que l'image est aussi une histoire de monstration et de mise en espace. Le fait de faire des grands formats (130 sur 160 cm pour l'une et 150 sur 180cm pour l'autre) permet au lecteur de s'investir totalement dans l'image, d'être absorbé par elle.

Quant au dispositif, il est simple : mes photos sont montées sur un châssis en bois puis comprimées sous diasec [une sorte de plastique ressemblant à une vitre, ndlr]. Ce châssis permet de désolidariser l'image du mur, qui devient un objet… On se rapproche de la peinture, l'œuvre devient un tableau photographique. On dirait que la lumière vient de l'intérieur de l'image, comme un caisson lumineux. La réflexion (dans le sens du reflet) amplifie la profondeur et la densité de l'image.

Comment vous situez-vous par rapport au thème de l'exposition, cette interrogation sur la présence (ou l'absence) de mélancolie ?

Comme le dit Denis Roche : il n'y a pas d'amour, seulement des preuves d'amour. La photographie en est une. Et la mélancolie n'est pas antinomique de l'amour…


Et si ce n'était pas la mélancolie

Exposition collective réalisée en collaboration avec la Galerie Le Réverbère, Lyon et autres partenaires. La photographie dans son rapport au passé, au temps qui passe et ne passe pas à travers des histoires, des présences, atmosphères où se jouent douceur et trouble qu'on a de se regarder ou de regarder le papier photographique
Musée Géo-Charles 1 rue Géo-Charles Échirolles
ce spectacle n'est pas à l'affiche actuellement


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"Alpes là !" : Éric Bourret et Emmanuel Breteau aux sommets

Musée | Toujours guidé par l'envie de renouveler notre regard sur la montagne, le Musée dauphinois dévoile, avec "Alpes là !", deux visions différentes du monde alpin. Une exposition qui esquisse ainsi une continuité entre la photographie picturale d’Éric Bourret et celle humaniste d’Emmanuel Breteau.

Charline Corubolo | Jeudi 30 mars 2017

Quand le premier s’aventure sur les sommets montagneux, le second part à la rencontre des habitants du Trièves. Une façon d’appréhender le médium photographique qui diffère pour une plasticité offrant deux visions sensibles des Alpes. Avec Éric Bourret, la photographie se trouve ainsi chargée d’une dimension picturale. À la demande du Musée dauphinois, l’artiste-marcheur a arpenté, deux hivers de suite, la chaîne de Belledonne, le Dévoluy, l’Oisans et le Vercors. Il en a ramené un Carnet de marche pour une expérience du paysage qui passe par le mouvement. De prises de vues multipliées sur le même négatif offrant des "all-over" du temps sur le temps en clichés où s’inscrit avec précision la minéralité de la nature, Éric Bourret crée son œuvre en rencontrant le territoire. En résulte un dessein de l’expérience qui épouse les accidents du relief tel un tableau impressionniste. Le photographe capte ainsi les fluctuations du paysage qui se meut parallèleme

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Les quatre expositions à découvrir début 2017 à Grenoble

Panorama rentrée 2017 | On vous propose d'aller au Musée de Grenoble, au Musée dauphinois, à Spacejunk ou encore à la Halle de Pont-en-Royans.

Charline Corubolo | Mardi 3 janvier 2017

Les quatre expositions à découvrir début 2017 à Grenoble

Fantin-Latour Né en 1836 à Grenoble, admirateur des grands maîtres et peintre incontesté des fleurs au XIXe siècle, Henri Fantin-Latour s’est aussi illustré avec des portraits et des tableaux de groupe. C’est en suivant ces trois axes que le Musée de Grenoble invitera le public à (re)découvrir cet artiste isérois à travers une vaste rétrospective. Associé aux impressionnistes dont il rejette cependant la parenté, Fantin-Latour a laissé derrière lui une touche unique où le romantisme flirte avec le symbolisme. Au Musée de Grenoble Du 18/03 au 18/06 ________ Éric Bourret & Emmanuel Breteau Mettre en valeur le patrimoine de la région, tout en apportant un regard contemporain sur la création d’aujourd’hui, le Musée dauphinois s’y emploie depuis de nombreuses années. C’est ainsi que seront réunis en mars prochain, autour de l’exposition Alpes là, les photographes Éric Bourret et Emmanuel Breteau. Photographe marcheur, le premier expérimente la montagne à travers le mouvement offra

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Expo : les cinq temps forts de la saison à Grenoble et dans l'agglo

Saison 2016 / 2017 | Cette année, direction le Musée de Grenoble, la galerie Spacejunk, le Musée dauphinois, le Musée de l'Ancien Évêché ou encore la Ville d'Échirolles.

Charline Corubolo | Mardi 27 septembre 2016

Expo : les cinq temps forts de la saison à Grenoble et dans l'agglo

Le bleu de Paris Les femmes (Georgia O'Keeffe et Cristina Iglesias) vont laisser place aux artistes disparus au Musée de Grenoble. Et si en mars prochain l'institution se consacrera à la touche d'Henri Fantin-Latour, sa saison s'ouvrira avec les années parisiennes de Vassily Kandinsky (1866-1944). Père de l'art abstrait dont l'œuvre est principalement connue pour sa construction géométrique, le peintre russe a laissé son style flirter avec le biomorphisme durant ses dernières années à Paris (1933-1944), lorsqu'il fuyait le nazisme. Les angles deviennent courbes, manifestation de sa passion pour les sciences, comme autant d'organismes cellulaires perdus dans le Bleu du ciel, pour une abstraction au plus près de la nature sous forme de synthèse d'œuvre. L’exposition de cette rentrée 2016. Kandinsky, les années parisiennes (1933-1944)

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Blanc sur blanc

ARTS | À la faveur d’une sélection d’œuvres variées, l’exposition collective "White" du Musée Géo-Charles donne une résonance nouvelle au blanc dans l’art. Plus encore, le parcours redéfinit la notion d’espace et de temps au gré de toiles abstraites, dont l’accessibilité est de mise, pour une mise au point avec ces mouvances contemporaines. Charline Corubolo

Charline Corubolo | Vendredi 24 janvier 2014

Blanc sur blanc

Derrière la notion (floue) d’abstraction se cache un fondement tangible, aux applications plastiques diverses, que la nouvelle exposition du Musée Géo-Charles cherche à mettre en confrontation par le prisme d’une palette principalement composée de blanc. Un mouvement et un coloris qui, de prime abord, pourraient décourager même les plus aventureux dans ce parcours White, mais c’est sans compter sur une scénographie qui fait sens et des œuvres qui ouvrent les champs de l’analyse et/ou du sensible avec simplicité. Bien que la teinte soit la thématique de l’évènement, l’origine découle en réalité de deux séries du photographe coréen Bohnchang Koo : White (photo) et Vessel. Malgré des sujets très différents – la première dévoile des traces de lianes séchées sur des murs, la seconde des objets relatifs à la culture de l’artiste –, l’objectif demeure le même : interroger le rapport au temps par le biais de la trace, humaine ou végétale, dans une blancheur lissée. Ce postulat de départ a abouti à un rassemblement de pièces, où la figuration est furtive et l’abstraction patente, mais toujours baignées dans une lueur immaculée. L’invisible dévo

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Chasse spleen

ARTS | Une fois de plus, le musée Géo-Charles présente une exposition collective et le fait bien. Quatorze photographes, quatorze identités dialoguant autour du geste photographique, de l’excitation du clic à l’émerveillement de l’image ; sa mélancolie et sa joie. Laetitia Giry

Laetitia Giry | Lundi 25 février 2013

Chasse spleen

Et si ce n’était pas la mélancolie : le titre de l’exposition ressemble à une question mais ne présente pas le point d’interrogation qui le confirmerait. Il nous indique la voie suivie dans le choix et la disposition des œuvres présentées ici, celle d’une contestation de la mélancolie admise comme inhérente à la prise d’une photographie. Enregistrer une image à un instant T revient pourtant bien à capturer un morceau de temps, à figer et glacer quelque chose qui est, tout en ne cessant jamais de passer. « De toute évidence, vivre c’est s’effondrer progressivement. » F. Scott Fitzgerald le sait bien : vivre c’est éprouver le temps, et l’arrêter en un point, c’est avoir l’illusion de le retenir. Pas étonnant alors que les Arts – tous ! – entretiennent depuis toujours une relation si particulière à la mélancolie. De La Mélancolie de Dürer au spleen baudelairien, du moine esseulé de Friedrich au Melancholia de Lars von Trier, peinture, littérature, cinéma : aucun médium n’y échappe… Pourtant, force est de reconnaître que la photographie, plus que tous les autres, s’apparente à un manifeste de fugacité et en cela porte préci

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