Indian Palace : Suite royale

ECRANS | La suite pitoyable de cette franchise pour seniors, entre cabotinage et soap opéra sous tranxène.

Christophe Chabert | Mardi 31 mars 2015

Photo : © Twentieth century fox 2015


Retour au Marigold Hotel avec ses sympathiques pensionnaires british du troisième âge et son truculent personnel autochtone, décidés à passer un braquet commercial en investissant dans un nouveau palace plus moderne et plus luxueux. Mais c'est plutôt business as usual dans cette suite sous tranxène, qui prend prétexte de la préparation d'un mariage indien pour multiplier les micro-intrigues toutes plus inintéressantes les unes que les autres sans jamais remettre en cause son caractère néo-colonial.

Exemple ultime de ce qu'est aujourd'hui le cinéma pour seniors — qu'ont-ils fait pour qu'on leur réserve de telles purges ? Indian Palace en reprend la grande idée : la vieillesse n'est ni un naufrage, ni un crépuscule, mais une deuxième jeunesse. Perspective rassurante qui permet du coup de laisser de côté toutes les questions qui fâchent : la perte d'autonomie physique, le corps plus à la hauteur d'un désir toujours vif et surtout la mort, que le film balaie d'une pichenette scénaristique assez honteuse.

Les danses bollywoodiennes, les pitreries d'un Dev Patel en passe de rafler le trophée de pire acteur de l'année après sa performance anémiée dans Chappie et le défilé cabotin de vieilles gloires du cinéma britannique n'y changent rien : ce cinéma a l'encéphalogramme plat, même s'il ne cesse de prétendre le contraire.

Christophe Chabert


Indian Palace - Suite royale

De John Madden (Angl-EU, 2h03) avec Dev Patel, Maggie Smith...

De John Madden (Angl-EU, 2h03) avec Dev Patel, Maggie Smith...

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Maintenant que l’hôtel Marigold affiche complet, ses directeurs, Muriel Donnelly et Sonny Kapoor songent à l’agrandir. Ils ont justement trouvé l’endroit idéal pour ouvrir un deuxième établissement.


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The Lady In The Van

ECRANS | de Nicholas Hytner (G-B/E-U, 1h44) avec Maggie Smith, Alex Jennings, Frances de la Tour…

Vincent Raymond | Mardi 15 mars 2016

The Lady In The Van

Adaptateur monomaniaque de Alan Bennett depuis La Folie du roi George (1995), Nicholas Hytner signe un film britannique tout ce qu’il y a de plus règlementaire, incluant pantalon à velours côtelé, scones et flegme. Un écrin classique pour Jim Broadbent et surtout Maggie Smith, qui surcompose la harpie décomposée de camionnette, vêtue de peaux de chats et embaumant l’urine, pittoresque attraction pour la gentry de Camden. Mais davantage que l’interprétation attendue de Dame Smith, c’est le travail sur la dissociation de l’auteur qui retient l’attention : à la fois narrateur et personnage agissant dans l’histoire, Bennett se dédouble à l’écran ; s’observe dans cette duplication, échangeant avec son alter ego des considérations proustiennes. Il y a dans cette tentative de narration décalée une “réflexion” (dans tous les sens du terme) séduisante, rappelant les chambres à écho construites par Resnais ou Charlie Kaufman. En moins élaborées, quand même — we’re British ! VR

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Chappie

ECRANS | Déroute intégrale pour Neill Blomkamp avec ce blockbuster bas du front, au scénario incohérent et à la direction artistique indigente, où il semble parodier son style cyberpunk avec l’inconséquence d’une production Luc Besson. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Vendredi 6 mars 2015

Chappie

S’il fallait une preuve que la politique des auteurs a des limites, Chappie jouerait à merveille ce rôle : on y voit un cinéaste, le Sud-africain Neill Blomkamp, dont on a pu apprécier la cohérence de ses deux premiers films — District 9 et Elysium — commuer sa rage punk en une grotesque parodie sur un scénario écrit à la va-vite, incapable d’élaborer le moindre discours et même pas foutu d’assurer le minimum syndical en matière de blockbuster futuriste. Pourtant, tout est là : l’alliance entre l’humain et la machine — ici, un robot policier doté d’une intelligence artificielle et récupéré par des gangsters très méchants pour lui faire commettre un braquage permettant d’honorer leurs dettes — un futur proche qui ressemble à une extrapolation de nos ghettos sociaux contemporains, un goût de la destruction et des ruines urbaines… Cet effet de signature n’est qu’un trompe-l’œil : Blomkamp ne retrouve jamais la substance politique, même manichéenne et schématique, de ses œ

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Pride

ECRANS | Des militants gays londoniens viennent en aide à des mineurs gallois en grève au nom d’une lutte commune contre le thatchérisme : un plaisant feel good movie social confectionné avec un savoir-faire tout british par Matthew Warchus. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 16 septembre 2014

Pride

La recette est connue, mais force est de constater que les Anglais la réussissent à tous les coups : un sujet social, une galerie de personnages parfaitement dessinés, une pincée d’humour, la caution "d’après une histoire vraie"… De The Full Monty à Good Morning England, c’est un art du feel good movie bien rodé qui s’appuie à la fois sur son sens du storytelling, de l’identification du spectateur et sur un sujet qui parvient toujours à trouver une issue fédératrice. Pride ne fait pas exception à la règle, même s’il prend appui sur un double clivage : d’un côté, les homosexuels qui défilent pendant la Gay Pride et de l’autre, la police thatchérienne qui les regarde avec mépris et suspicion. Nous sommes à l’été 1984, mais les flics ont d’autres chats à fouetter, ou plutôt d’autres militants à réprimer : les mineurs en grève contre les lois libérales de la Dame de fer. Pour faire fonctionner la convergence des luttes, une petite fraction de gays et de lesbiennes décident de collecter des fonds au sein de la communauté pour venir en aide aux grévistes… Cependant, leur syndicat s’avère plutôt embarrassé par ce soutien "contre natur

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Philomena

ECRANS | Réalisé par Stephen Frears, mais écrit, produit et interprété par un Steve Coogan excellent, ce buddy movie mélodramatique slalome avec talent entre les écueils de son sujet pour construire une œuvre humaniste, souvent drôle mais surtout d’une réelle tristesse. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Lundi 6 janvier 2014

Philomena

Dans la production inégale et prolifique de Stephen Frears, Philomena figure parmi ses plus évidentes réussites. Le mérite en revient autant au cinéaste anglais, qui sait tenir sa mise en scène, invisible, pudique et d’un classicisme payant, à la bonne distance de son sujet, qu’à Steve Coogan. L’acteur en est aussi co-scénariste et producteur et il fait corps avec son personnage, Martin Sixsmith, journaliste devenu conseiller de Tony Blair avant de se faire éjecter du 10 Downing Street pour cause de mail douteux. Obligé de reprendre ses activités d’écrivain, il est approché par une serveuse dans un cocktail qui lui parle du cas de sa mère, Philomena — Judi Dench, dont il est presque superflu de dire qu’elle est formidable. Élevée dans un pensionnat catholique en Irlande, son premier fils lui a été enlevé par les nonnes qui dirigeaient l’établissement puis adopté par une riche famille américaine. Cinquante ans après, elle ne pense qu’à le retrouver. D’abord réticent, Sixsmith finit par se lancer avec Philomena à la recherche de l’enfant perdu… Philanthropie Le film, tiré d’une histoire vraie, brasse ainsi un certain nombre de sujets polémiques,

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Il était temps

ECRANS | Richard Curtis, le maître de la comédie romantique anglaise, réussit un parfait film en trompe-l’œil ; derrière l’humour, la romance et le concept du voyage dans le temps, "Il était temps" est une méditation touchante sur la transmission entre les pères et les fils. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mercredi 30 octobre 2013

Il était temps

Pendant la première heure d’Il était temps, tout paraît un peu trop clair au spectateur : Tim, post-ado roux et maladroit avec les filles, arrivé de son Sussex tempétueux vers la très branchée City londonienne, se voit offrir un don extraordinaire, celui de voyager dans le temps. Il peut ainsi rectifier ses erreurs en recommençant autant qu’il le veut les moments décisifs de son existence. Richard Curtis, à qui l’on doit Love actually et les scénarios de Notting Hill et Cheval de guerre, fait ainsi se rencontrer le genre dans lequel il excelle, la comédie romantique, et une veine plus conceptuelle, rappelant celle d’Un jour sans fin. Que l’affaire soit très bien écrite, avec des seconds rôles pittoresques et un excellent couple d’acteurs principaux — le peu connu Domnhall Gleeson et la fameuse Rachel MacAdams — relève de l’évidence, et on se demande si l’ami Curtis ne déroule pas un peu trop tranquillement un savoir-faire désormais rodé.

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Quartet

ECRANS | De Dustin Hoffman (Ang, 1h38) avec Maggie Smith, Michael Gambon, Billy Connolly...

Jerôme Dittmar | Mercredi 27 mars 2013

Quartet

Depuis Quatre mariages et un enterrement, l'Angleterre fait figure d'Eldorado de la comédie romantique. Si à Hollywood celle-ci a plongé dans l'hyper vulgarité ou au mieux la relecture post-geek, Outre-Manche le genre se découvre une nouvelle tendance : la version troisième âge. La vieille Europe voudrait-elle ainsi dire que l'amour n'est pas qu'un truc de trentenaires ou réservé aux héros des films de Judd Apatow ? Qui sait. Après Indian palace et sa maison de retraite délocalisée, voici en tout cas Quartet, ou la demeure chic pour musiciens classiques en fin de vie. Piloté par Dustin Hoffman, dont l'âge avoisine celui de son casting, le film ne brille ni par son intrigue (pour se reformer un quatuor doit faire face au temps passé sur les plans professionnel et sentimental), ni par sa mise en scène (cosy et surtout pépère). Le cinéaste en herbe trouve évidemment là un film miroir, un peu embarrassant, auquel il manque un supplément d'audace et de style pour ne pas tomber dans l'oubli. Jérôme Dittmar

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To Rome with love

ECRANS | Poursuivant son exploration des métropoles européennes après Londres, Barcelone et Paris, Woody Allen se montre bien peu inspiré face à Rome, se contentant d’un poussif récit multiple où tout sent la fatigue et le réchauffé, à commencer par sa propre prestation d’acteur. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mercredi 4 juillet 2012

To Rome with love

La familiarité avec le cinéma de Woody Allen, autorisée par la livraison annuelle d’un nouvel opus, permet à l’amoureux de ses films de vite reconnaître quand le maître (osons le mot, il n’est pas volé) est en pleine santé ou quand, au contraire, il est en petite forme. Il ne faut pas longtemps pour s’apercevoir que To Rome with love appartient à la deuxième catégorie, tant il transpire le manque d’inspiration, le programme mécanique et l’agrégat poussif d’idées plus ou moins bonnes. Ainsi, si les cartes postales qui ouvraient Minuit à Paris (un vrai grand Allen, celui-là) n’étaient qu’un trompe-l’œil, le film s’acharnant ensuite à en montrer le caractère illusoire, celles que le cinéaste compile sur Rome ne seront jamais vraiment déchirées par le récit. Pire, elles conduisent à une accumulation de petites intrigues véhiculant leur lot de clichés, là où Allen n’avait besoin que d’un solide concept pour dérouler celle du film précédent. Ce n’est d’ailleurs par la première fois que, dans ses mauvaises années, Allen se repose sur les récits multiples comme sur une canne, espérant que dans l’ensemble, quelques-uns surnagent de la mollesse ambiante. Ce n’est

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Indian Palace

ECRANS | De John Madden (Ang, 2h04) avec Judi Dench, Tom Wilkinson, Bill Nighy...

Jerôme Dittmar | Jeudi 3 mai 2012

Indian Palace

A priori Indian Palace a tout du "gros machin" aberrant. Comédie existentialio-romantique pour retraités britanniques partant finir leurs jours dans une maison spécialisée en Inde (c'est la crise), le nouveau film de John Madden a des airs de pub pour Orange. Avec son exotisme de la communication, sa volonté outrancière de baliser la mise en scène pour offrir un mondialisme vertueux, cette énième parabole douce amère sur l'altruisme et le temps qui passe (la belle affaire) est d'une prudence qui finit par se retourner contre elle. On sent pourtant toute l'empathie et la sympathie de Madden derrière la caméra, que ce soit pour ses personnages ou le pays. Mais ces rêveries post-coloniales comme seconde chance à l'amour et la vie finissent par rappeler Les Petits Mouchoirs. C'est finalement pas son casting que le film touche. De Judi Dench à Tom Wilkinson et Bill Nighy, tous donnent profondeur et sens

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Le Dernier maître de l’air

ECRANS | M. Night Shyamalan s’aventure dans le blockbuster familial avec cette adaptation d’un dessin animé sous forte influence manga. Le résultat, laborieux, confus et peu inspiré, confirme la perte de vitesse de l’ex-wonder boy d’Hollywood. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Vendredi 9 juillet 2010

Le Dernier maître de l’air

Avec une frénésie qui confine à l’hystérie pure et simple, Le Dernier Maître de l’air nous jette à la figure dès ses premières secondes son univers visuel, les clés de sa mythologie et leur application concrète. Cet empressement ressemble à un aveu : M. Night Shyamalan, en acceptant de tourner ce lourd blockbuster inspiré d’une série animée lorgnant ouvertement sur l’héritage des mangas japonais façon Dragonball, a flanqué aux orties tout ce qui jusque-là définissait son style. À savoir, un savant mélange entre une durée flottante et un espace qui, même replié sur la subjectivité de quelques personnages ordinaires, finissait par s’ouvrir à des mondes infinis (les fantômes de Sixième sens, les super-héros d’Incassable, l’invasion extra-terrestre de Signes ou, sommet de son œuvre, la grande peur réactionnaire du Village). Le Dernier Maître de l’air, à l’inverse, ne crée jamais de lien intime à l’écran entre ses héros et l’univers dans lequel ils évoluent. Ce devrait pourtant être le sujet du film : la lutte entre des enfants ayant la capacité de contrôler des éléments naturels (l’eau, l’air

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Un film tombé du ciel

ECRANS | Reprise en copie restaurée des "Moissons du ciel", deuxième film de Terrence Malick, une œuvre impressionniste sur la puissance des éléments et l’incertitude des sentiments, entre poème cinématographique et tentation romanesque. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mercredi 9 juin 2010

Un film tombé du ciel

C’est un film en état de grâce permanent, surgi de nulle part, qui ne ressemble à aucun autre. Les Moissons du ciel (1978) est un des plus beaux films du monde, et c’est sans doute son caractère miraculeux qui a longtemps empêché Terrence Malick d’y donner une suite — il faudra attendre dix-sept ans et La Ligne rouge pour qu’il retourne derrière une caméra. Ce qui rend l’œuvre si unique, c’est sa capacité à être à la fois absolument classique et résolument moderne, sinon avant-gardiste. Le classicisme, c’est celui d’un récit qui s’apparente dans sa simplicité (biblique) aux œuvres de Steinbeck : en 1916, deux amants, Bill et Abby, qui se font passer pour frère et sœur, sont engagés pour les moissons chez un propriétaire terrien richissime mais malade, qui tombe amoureux de la jeune fille, l’épouse et l’héberge avec son frère putatif. Cette histoire solide est racontée en voix-off par la jeune sœur de Bill ; mais ces bribes de pensée ne forment jamais un commentaire illustrant les images ou alimentant la narration. Ce sont des fulgurances rêveuses, arrachées sans heurt à une méditation intérieure qui fait écho à celle du cinéaste, ouvertement mythologique. La na

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Good morning England

ECRANS | De Richard Curtis (Ang, 2h15) avec Philip Seymour Hoffman, Rhys Ifans, Bill Nighy…

Christophe Chabert | Jeudi 30 avril 2009

Good morning England

Le fan hardcore de Love actually ne pouvait qu’attendre ce nouveau film de Richard Curtis. D’autant plus que le sujet (une radio rock pirate émettant depuis un bateau sur la mer du nord au début des années 60) promettait une belle déferlante de causticité sex drugs and rock’n’roll. Le film est pourtant assez décevant. L’exposition des personnages est laborieuse, se traînant sur près d’une heure avant d’embrayer sur des arcs narratifs assez artificiels, donnant l’impression d’un collage de sketchs autonomes (la quête du père, le mariage foireux, le retour du Dj mythique…). Plus problématique, le film est farci de facilités d’écritures, dont la pire est sans doute la blague sur le nom de l’adjoint de Kenneth Branagh, répétée au moins cinquante fois ! Mais la mise en scène, entre tangage constant (le réalisme a encore frappé) et multiplication des clips sur les auditeurs en transe, n’est pas plus inspirée. Il n’y a guère que le casting, dont un Nick Frost très en forme, qui relève le niveau, et permet de laisser s’écouler ces longues 135 minutes. Christophe Chabert

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Slumdog millionaire

ECRANS | Cinéma / Avec beaucoup d’audace, d’enthousiasme et une absence d’ironie salutaire, Danny Boyle réussit un mélodrame indien drôle et émouvant, mélange de naïveté et de scepticisme. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 30 décembre 2008

Slumdog millionaire

Un Anglais en goguette à travers l’Inde pour y filmer le parcours, ô combien improbable, d’un gosse des bidonvilles qui touche le jackpot à Qui veut gagner des millions ? Autant dire qu’il faut quelques minutes pour perdre son scepticisme face à Slumdog millionaire, nouveau film de Danny «Trainspotting» Boyle. D’autant plus que le récit, déconstruit à partir des questions posées dans l’émission, et une mise en scène bourrée d’effets dopée à la musique branchée, ont tendance à donner le tournis, sinon la nausée. Temps d’acclimatation nécessaire donc, comme si Boyle propulsait l’Occidental que nous sommes sans boussole dans l’Inde contemporaine, son bruit et sa fureur, ses pauvres très pauvres et ses puissants très corrompus. La première bouée à laquelle on se raccroche, c’est le thème qui travaille le cinéaste depuis ses débuts : le conflit entre la volonté d’un individu et son désir de se fondre dans une communauté. Jamal, gosse des rues de Mumbai, s’en trouve une après l’assassinat de sa mère : son frère aîné, une jeune fille dont il tombe amoureux, puis d’autres gamins perdus, descendants conjoints des Olvivados et des kids des favelas dans La Cité de Dieu (film que Boyle a ma

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I'm not there

ECRANS | I'm not there : le titre d'une chanson de Dylan, mais aussi le premier rébus d'un film à clé particulièrement bien verrouillé... I'm not her, I'm not he, I'm (...)

| Mercredi 5 décembre 2007

I'm not there

I'm not there : le titre d'une chanson de Dylan, mais aussi le premier rébus d'un film à clé particulièrement bien verrouillé... I'm not her, I'm not he, I'm other : ici, Dylan n'est ni un homme, ni une femme, les deux peut-être, un autre sûrement, jamais appelé par son nom, démultiplié en une myriade de personnages et d'acteurs différents incarnant ses «nombreuses vies». Todd Haynes prend soin de maquiller ces vies-là, en bousculant les formats et les genres : noir et blanc chic ou crado, couleurs chatoyantes ou volontairement ternes, western hors du temps, road movie, drame intimiste... Le tout mélangé selon un sens du montage musical et jamais chronologique. Dans son précédent film, Loin du paradis, Todd Haynes se nourrissait aussi au sein d'une référence esthétique, en l'occurrence les mélodrames de Douglas Sirk. Mais il n'en oubliait pas pour autant de raconter une histoire forte avec des personnages qui vivaient leur vie au-delà de ce mimétisme cinématographique. Dans I'm not there, il ne reste plus que le corpus référentiel, la collection d'images sonores copiées puis extrapolées ; un matériau tellement complexe et fétichiste qu

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