Truth : le Prix de la vérité

ECRANS | de James Vanderbilt (E-U, 2h05) avec Robert Redford, Cate Blanchett, Denis Quaid…

Vincent Raymond | Mardi 5 avril 2016

Photo : © DR


Qu'un film consacré, peu ou prou, aux conditions de mise à la retraite d'un vieux crocodile de la TV étasunienne — Dan Rather, c'est PPDA multiplié par Drucker exposant Labro — soit mieux ficelé et plus efficace que Spotlight et son cortège de révélations sordides sur l'Église et la société bostonienne, a de quoi faire rager. Certes, Truth se veut avant tout le portrait d'une productrice de CBS, Mary Mapes, licenciée pour avoir révélé que George W. Bush avait menti sur son passé militaire — la chaîne renvoyant ainsi l'ascenseur à un président très bienveillant pour son business.

Hélas, l'affaire Mapes n'est qu'un épiphénomène illustrant une tendance que Rather (campé par un Redford forcément crédible : il était déjà reporter à l'époque des Hommes du Président), témoin actif, pour ne pas dire complice de l'évolution des médias, commente avec une philosophie désabusée un brin hypocrite. Rather doit en effet sa longévité dans la profession à son adaptation aux mutations d'une information se soumettant de plus en plus aux tyrannies conjointes de la publicité, de l'audience et du spectacle.

Même congédié avec les honneurs, l'octogénaire continue de sévir à l'écran, quand Mapes demeure blacklistée. Si Truth montre comment le cynisme a été intégré comme une vertu naturelle dans la gouvernance pragmatique d'une entreprise audiovisuelle, il révèle également le machisme latent d'un secteur privilégiant les « hommes blancs de plus de 50 ans », ainsi que le notait chez nous la PDG de France Télévisions, Delphine Ernotte.


Truth : le prix de la verité

De James Vanderbilt (ÉU, 2h05) avec Cate Blanchett, Robert Redford...

De James Vanderbilt (ÉU, 2h05) avec Cate Blanchett, Robert Redford...

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L'histoire de Mary Mapes, journaliste primée de CBS et productrice de Dan Rather, l'un des plus célèbres journalistes et présentateurs de l'histoire de la télévision américaine, qui a dévoilé -entre autres scoops- le scandale de la prison d'Abou Ghraib.


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La flamme de sa vie : "Dragons 3 : Le monde caché"

Animation | De Dean DeBlois (É-U, 1h34) avec les voix (v.o.) de Jay Baruchel, America Ferrara, F. Murray Abraham, Cate Blanchett…

Vincent Raymond | Mardi 5 février 2019

La flamme de sa vie :

Mâle alpha et donc roi des dragons, Krokmou n’est plus tout à fait le seul survivant de son espèce : une femelle Furie Éclair existe et elle est entre les mains de Grimmel, un féroce exterminateur de dragons. Harold et Astrid vont devoir faire feu de tout bois pour le sauver, ainsi que leur village… Cela devait arriver. Non pas qu’un troisième volet de la franchise méga-rentable voie le jour, mais que Krokmou fasse des petits. Encore faut-il qu’il déclare au préalable sa flamme à sa dulcinée, ce qui donne lieu à une réjouissante parade où l’animal, mélange indéfinissable de félin et de saurien, balance entre le grotesque et le touchant de l’ado faisant sa cour. Harold et Astrid en étant au même stade (avec des roucoulades moins dandinantes, il est vrai), cet opus printanier exhale une fragrance saison des amours, soutenue par la thématique secondaire du film : la question du détachement, doublement métaphorisée. Car si les appariements entre jeunes entraînent le départ du nid familial, la découverte d’un nouveau monde perdu où les dragons peuvent vivre en paix implique la fin de

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Sous les cheveux de Cate Blanchett : "Manifesto"

Snobby arty | de Julian Rosefeldt (All, 1h38) avec Cate Blanchett, Ruby Bustamante, Ralf Tempel…

Vincent Raymond | Mardi 22 mai 2018

Sous les cheveux de Cate Blanchett :

Art véhiculaire par excellence, le cinéma reflète et diffuse bien fraternellement les œuvres créées dans d’autres disciplines. Mais toutes les propositions conceptuelles ne supportent pas de manière égale l’inscription dans le cadre cinématographique : la plupart nécessitent un minimum de transposition, d’adaptation au langage audiovisuel. Certaines demeurent cependant hermétiques ou absconses au grand public, pouvant même susciter un violent rejet de sa part lorsqu’elles dissimulent leur véritable propos derrière un paravent commercial — souvenons-nous du déconcertant Zidane, un portrait du XXIe siècle (2006) de Gordon et Parreno, qui avait plus à voir avec l’entomologie abstraite qu’avec l’hagiographie sportive. Manifesto se présente partiellement masqué, avançant un double concept : une mise en images libre de quelques grands écrits théoriques ayant structuré la pensée politique ou artistique humaine ET l’interprétation/déclamation desdits textes par la même comédienne incarnant treize personnages (disons, stéréotyp

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All is lost

ECRANS | Le réalisateur de "Margin call" surprend avec cet étonnant huis clos à ciel ouvert où un homme seul, sans nom et sans passé lutte pour sa survie face à un océan hostile. Un film d’aventures minimaliste qui est aussi un documentaire sur son acteur Robert Redford. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 3 décembre 2013

All is lost

«Je suis désolé». Ce sont les premiers mots que l’on entend dans All is lost, et ce seront quasiment les seuls. Ils proviennent d’une lettre rédigée, après huit jours de survie et au moment où il pense que «tout est perdu», par un homme dont on ne saura rien : ni son nom, ni son passé, ni le pourquoi de sa présence sur un voilier de plaisance baptisé le Virginia Jean qui a eu le malheur de heurter un container de baskets coréennes à la dérive. Cet homme, «notre homme» comme il est écrit au générique de fin, c’est Robert Redford. L’acteur, que l’on ne voyait plus trop sur les écrans sinon dans ses propres films mais dont on connaissait l’activisme (controversé) au sein du festival de Sundance, est donc seul à l’écran pendant une heure quarante. Et il y est impressionnant, magistral, fascinant. JC Chandor remet Redford non seulement au cœur d’un film, mais aussi au cœur de la légende du cinéma américain, aux côtés de Newman, Pacino, De Niro ; et All is lost, en plus d’être un passionnant film d’aventures minimaliste à côté duquel Gravity

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Blue Jasmine

ECRANS | Aussi surprenant que "Match point" en son temps dans l’œuvre de Woody Allen, "Blue Jasmine" est le portrait cruel, léger en surface et tragique dans ses profondeurs, d’une femme sous influence, une Cate Blanchett géniale et transfigurée. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 17 septembre 2013

Blue Jasmine

Le titre du dernier Woody Allen est en soi un formidable puzzle : Jasmine, son héroïne, possède entre autres lubies une passion monomaniaque pour la chanson Blue Moon. Mais c’est aussi son état d’esprit lorsque le film commence : bluesy et déprimée suite à la rupture avec son mari, sorte de Bernie Madoff ruiné par la crise financière. Elle, la femme entretenue, rumine à voix haute sa déconvenue : elle doit quitter son standing new-yorkais pour s’installer chez sa sœur prolo à San Francisco. Il y a peut-être un dernier sens derrière ce Blue-là : Jasmine semble débarquer de nulle part, out of the blue, ou du moins la savante construction dramatique du film laisse un noir — ou un bleu — sur un passé qu’elle rabâche mais qu’elle est peut-être surtout en train de réinventer. Car dans la première partie du film, Jasmine est une victime, femme bafouée que ce déclin entraîne au bord de la folie et qui cherche à tout prix à retrouver sa dignité mais surtout son rang, cette place sociale qu’elle estimait avoir durement conquise. Petits arrang

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Les rails du désir

ECRANS | Il est étrange qu’avec le pedigree affiché par Propriété interdite, le film ait été un peu oublié dans la filmographie de Sydney Pollack. Qu’on en juge plutôt : (...)

Christophe Chabert | Vendredi 15 mars 2013

Les rails du désir

Il est étrange qu’avec le pedigree affiché par Propriété interdite, le film ait été un peu oublié dans la filmographie de Sydney Pollack. Qu’on en juge plutôt : tiré d’une pièce en un acte de Tennesse Williams, son scénario a été co-écrit par Francis (Ford) Coppola et autour du couple vedette Natalie Wood/Robert Redford gravite une galaxie de seconds rôles parmi lesquels on trouve Charles Bronson et le mythique Robert Blake, futur homme mystère de Lost highway et précédemment tueur enfantin dans De sang froid. Le film est-il à la hauteur de ce casting ? Oui, largement. Mélodrame social où un fringant homme de la ville (Nouvelle-Orléans) débarque dans un coin paumé du Mississippi pour y fermer la ligne de chemin de fer et mettre une partie des autochtones au chômage, Propriété interdite est surtout magnétisé par l’érotisme fulgurant de Natalie Wood dans le rôle d’Alva Starr. Naïve et rêveuse, elle connaît son emprise sur les hommes et, limites de la censure obligent, Pollack ne peut que suggérer la monstruosité de sa situation : elle est prostituée par sa propre mère pour garder

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L'Étrange histoire de Benjamin Button

ECRANS | Avec "L’Étrange histoire de Benjamin Button", David Fincher confirme le virage «classique» amorcé avec "Zodiac". Derrière le beau catalogue d’images numériques et les grands sentiments, le film surprend par son obsession à raconter le temps qui passe et la mort au travail. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 27 janvier 2009

L'Étrange histoire de Benjamin Button

Ne nous leurrons pas : beaucoup verront Benjamin Button pour ce qu’il est principalement, à savoir un film «comme on n’en fait plus», une fresque majestueuse et romanesque qui accompagne le destin extraordinaire d’un personnage hors du commun. Benjamin Button est né vieux et frippé, et son corps va se transformer à rebours de la flèche du temps. Il grandit certes, mais il rajeunit aussi. Le vieillard paraplégique devient un sexagénaire encore vert, puis un quadra charmant, et enfin un jeune homme irrésistible. Conçu en Louisiane après la première guerre mondiale, Benjamin n’est plus qu’un long souvenir inscrit dans un carnet intime lorsque l’ouragan Katrina dévaste la région, engloutissant l’horloge forgée par un artisan aveugle qui a choisi de la faire tourner à l’envers, révolté par la mort de son fils au front. Entre les deux s’intercale son histoire d’amour avec Daisy, qui voit son corps se flétrir jusqu’à n’être plus qu’une trace livide, dévorée par le cancer sur un lit d’hôpital. Le beau livre d’images maniaquement composées par David Fincher n’a donc paradoxalement qu’un objectif : percer le lissé numérique et l’enchantement suranné par un regard sans co

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I'm not there

ECRANS | I'm not there : le titre d'une chanson de Dylan, mais aussi le premier rébus d'un film à clé particulièrement bien verrouillé... I'm not her, I'm not he, I'm (...)

| Mercredi 5 décembre 2007

I'm not there

I'm not there : le titre d'une chanson de Dylan, mais aussi le premier rébus d'un film à clé particulièrement bien verrouillé... I'm not her, I'm not he, I'm other : ici, Dylan n'est ni un homme, ni une femme, les deux peut-être, un autre sûrement, jamais appelé par son nom, démultiplié en une myriade de personnages et d'acteurs différents incarnant ses «nombreuses vies». Todd Haynes prend soin de maquiller ces vies-là, en bousculant les formats et les genres : noir et blanc chic ou crado, couleurs chatoyantes ou volontairement ternes, western hors du temps, road movie, drame intimiste... Le tout mélangé selon un sens du montage musical et jamais chronologique. Dans son précédent film, Loin du paradis, Todd Haynes se nourrissait aussi au sein d'une référence esthétique, en l'occurrence les mélodrames de Douglas Sirk. Mais il n'en oubliait pas pour autant de raconter une histoire forte avec des personnages qui vivaient leur vie au-delà de ce mimétisme cinématographique. Dans I'm not there, il ne reste plus que le corpus référentiel, la collection d'images sonores copiées puis extrapolées ; un matériau tellement complexe et fétichiste qu

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