Lettre de Cannes #5

Festival de Cannes 2017 | Ou comment on prend un aller simple de la Black Lodge à l'Hôpital du Vinatier

Christophe Chabert | Vendredi 26 mai 2017

Cher PB,

laisse-moi te raconter une scène vue sur la Croisette, qui illustre à mon sens la folie qui gagne le festival, et peut-être plus que ça, le pays tout entier – à moins que ce ne soit le micro-climat du sud, mais je ne mange pas de ce pain-là. En plein carrefour, un type se fait renverser en scooter par une voiture. Rien de bien grave a priori, car le propriétaire du deux roues, assez vénér', est déjà en train de tambouriner contre la vitre de l'automobiliste en le traitant de… Bon, pas besoin de te faire un dessin ou d'aligner des grossièretés. Un des mille policiers aux abords du Palais vient alors se mêler à l'affaire pour calmer le différend. Et là, sidération totale, l'homme au scooter s'adresse au représentant des forces de l'ordre – note l'expression – et lui demande s'il a le droit de « frapper » le mec dans la voiture. Sérieusement. Même pas pour rire. Gloups !

De folie, il fût question ces derniers jours dans les films de Cannes, alors que la compétition touchait à sa fin avec les films de François Ozon – rires – de Fatih Akin – argh – et de Lynne Ramsay – tout à l'heure. D'abord avec ce qui restera comme le choc ultime du festival : les deux premiers épisodes de Twin Peaks, retour inespéré d'un David Lynch qui a mis sa race à tout le monde, profitant d'une fenêtre créative – la réactivation d'une série culte vingt-cinq ans après – pour faire modestement tout péter. Alors que Netflix singe maladroitement le format long métrage de fiction pour en faire des capsules Nespresso à usage unique ; tandis que Jane Campion s'embourbe dans les pires travers des séries télé contemporaines avec une inutile deuxième saison de Top of the lake, Lynch choisit simplement de faire son métier d'artiste, et d'innover, encore et toujours, à 71 ans passés.

Après l'ouragan hirsute et radical d'Inland Empire, il retrouve ici ses réflexes de Mulholland drive – qui, au départ, était aussi une série télé : chaque scène est un puissant moteur d'excitation, d'interrogations et de fascination ; leur addition finit par former un dessin qui, loin d'être achevé – il reste près de 16 heures à découvrir – renvoie à une forme encore plus excitante, intrigante et fascinante. Le tout avec une série de tours de force dont le plus hallucinant reste ces dix minutes où Lynch crée une tension extrême en montrant un type en train de regarder du vide. Bien entendu, ce vide finira par se remplir, et donnera lieu au premier moment de terreur intense de la série – il y en aura d'autres. Ainsi va Twin Peaks : des visions immédiatement indélébiles, infernales, choquantes, démentes, arrachées brutes de l'imaginaire de son créateur et reproduites, inaltérées, sur l'écran. Un spectateur de cinéma qui, sans forcément tomber dans la cinéphilie hystérique mais se refusant à consommer les films et les images, c'est quelqu'un qui cherche un Graal : il attend patiemment qu'une œuvre vienne répondre à ses fantasmes enfouis, à ses désirs informulés. Il y a vingt deux ans, Lost Highway avait produit sur moi cet effet-là. D'autres films sont passés par là, d'autres Graals sont arrivés – le Malick de Tree of life ou les Coen de No country for old men ; mais aujourd'hui, en 2017, c'est de nouveau Lynch qui tient ce rôle-là. Miracle !

À peine le temps de se remettre de ce monument (en construction), et boum ! Voilà qu'un autre maître du cinéma m'a mis un uppercut auquel je ne m'attendais pas : Raymond Depardon et son nouveau documentaire, 12 jours, son film le plus important à mes yeux depuis 10e chambre. Présenté en séance spéciale – pourquoi pas en compétition à la place du thriller érotique pour mémés qu'est le Ozon, par exemple ? – il décrit, entre les murs de l'hôpital psychiatrique du Vinatier à Bron, à côté de Lyon, les audiences qui confrontent des patients internés contre leur volonté et des juges qui doivent statuer sur la prolongation de leur hospitalisation. Depardon a filmé douze audiences et trente-huit cas ; il en a gardé dix dans le montage final, qu'il « aère » par des travellings impressionnants dans les couloirs du Vinatier, filmant le quotidien des patients comme il le faisait déjà, il y a bien longtemps, dans San Clemente.

En ouverture, le cinéaste place en exergue une citation de Michel Foucault : « De l'homme à l'homme vrai, le chemin passe par l'homme fou ». Autrement dit : en filmant la folie, Depardon filme ce moment critique où l'homme contemporain livre sa vérité, où les pathologies mentales de l'individu recoupent les névroses de toute une société. Un des passages les plus saisissants montre un jeune type de 21 ans – il en paraît dix de plus – schizophrène et paranoïaque, miné par la consommation intensive de cannabis et de cocaïne, raconter comment il en est venu à soupçonner ses voisins d'être des terroristes musulmans, au point d'aller leur confisquer leur kalashnikov et de la cacher chez lui. Impossible de savoir ce qui est vrai ou faux dans cette histoire rocambolesque – ce n'est d'ailleurs pas la question ; l'important, c'est de regarder ce type comme un buvard absorbant l'air médiatique du temps et le recrachant en version monstrueuse, déformée, presque farcesque – on a même le droit d'en rire, si l'on considère qu'ici se joue sans masque la comédie d'une existence absurde et tragique, sans outre-monde rassurant – à la gueule d'un peuple qui fait tout pour s'en préserver.

Dans un festival où la mauvaise conscience était partout, Depardon choisit non pas de la réfléchir mais de l'incarner : ce qu'il nous montre – une femme victime de harcèlement sur son lieu de travail, une autre qui prend toutes ses relations sexuelles pour des viols, une dernière qui ne pense qu'à rentrer chez elle pour mettre fin à ses jours et en terminer avec la solitude dans laquelle elle vit depuis quinze ans, un Angolais qui veut s'insérer par le travail dans la société, comme si ce qui l'attendait à l'extérieur n'était surtout la perspective d'une reconduite à la frontière – c'est ce qui se passe au-delà du fait-divers, par-delà les dossiers de fonds des journaux et des émissions télé, à savoir les lignes de fracture de la société française vues comme autant de douleurs intimes qui risquent fort de ne jamais cicatriser.

En fait, quand Depardon filme les institutions françaises et leurs mécanismes, c'est comme s'il pénétrait dans la black lodge de Twin Peaks : ici, pas de manchot, de géant ou d'arbre surmonté d'une masse de chair parlante, mais la réalité la plus sombre, la plus nue et la plus crue. La même folie, mais cette fois, il n'y a pas d'artiste démiurge pour l'orchestrer ; juste le chaos ordinaire.

À très vite.

C

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Raymond Depardon : une histoire de l'œil

Institut Lumière | Même si l’image fixe et l’image animée sont sœurs ou cousines, elles s’expriment dans des langages foncièrement différents, chacune obéissant à ses règles et codes (...)

Vincent Raymond | Jeudi 26 août 2021

Raymond Depardon : une histoire de l'œil

Même si l’image fixe et l’image animée sont sœurs ou cousines, elles s’expriment dans des langages foncièrement différents, chacune obéissant à ses règles et codes propres. Maîtriser l’une relève du talent ; les deux de l’exception : combien rares sont les artistes à avoir accompli une œuvre suivie signifiante en photographie comme au cinéma ! Raymond Depardon appartient à cette catégorie, où chacune de ses “vies” aura contribué — et contribue toujours — à nourrir et renforcer l’autre. Autodidacte, le Caladois débute par le reportage, la prise de vue sur le vif et sur le front. C’est dans l’urgence, la frénésie, les guerres mais aussi le décor aride et extrême des déserts qu’il forge son métier de reporter, à la fois témoin et passeur de “l’événement” — terme qui, dans son englobante singularité, renvoie à la vertigineuse pluralité de l’information. Dès 1969, le cinéma (principalement documentaire) vient compléter son regard, lui permettant d’explorer les faits sur la longueur, et de mettre au jour des dispositifs, ce que l

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Soudain, le vide : "In the Fade"

Drame | de Fatih Akın (All-Fr, avec avertissement, 1h46) avec Diane Kruger, Denis Moschitto, Numan Acar…

Vincent Raymond | Mercredi 17 janvier 2018

Soudain, le vide :

Allemagne, de nos jours. Katja a épousé Nuri, un commerçant d’origine turque, jadis petit délinquant mais rangé des voitures depuis qu’ils ont eu leur fils Rocco. Leur bonheur familial est brusquement réduit à néant quand un attentat perpétré par des nazis tue Nuri et Rocco… Depuis Head On (2004), on sait qu’il faut compter avec Fatih Akin sur les épaules de qui pèsent la plupart des espoirs placés dans le renouveau du cinéma allemand, après le malheureux feu de paille Florian Henckel von Donnersmark. Avec ce film complexe à l’indiscutable maîtrise (successivement une tragédie, un film de procès et un revenge movie), Akin embrasse sans barguigner la somme des réalités contemporaines d’outre-Rhin — notamment la résurgence d’activistes nazis décomplexés. Il signe en sus un bouleversant portrait de femme dans toutes les acceptions organiques du terme, offrant à Diane Kruger son premier réel grand rôle dans sa langue maternelle. Le fort signifiant politique de ce retour aux sources artistique — dûment distingué à Cannes — lui confère une étiquette d

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Paroles, paroles : "Vers la lumière"

ECRANS | Dans la queue de la comète des films de Cannes 2017 (avec In the Fade de Fatih Akin, la semaine prochaine), ce conte de Naomi Kawase est un objet (...)

Vincent Raymond | Mardi 9 janvier 2018

Paroles, paroles :

Dans la queue de la comète des films de Cannes 2017 (avec In the Fade de Fatih Akin, la semaine prochaine), ce conte de Naomi Kawase est un objet discret, où elle explore une fois encore la question de la perte et de la résilience. On y suit la rencontre entre Misako, audio-descriptrice pour le cinéma et Masaya, photographe rogue ayant perdu la vue, à l’occasion de projections tests d’un film. Deux êtres malheureux, en quête d’absolu et d’épure, dont les solitudes, peu à peu, finiront par s’accorder… Kawase perd en maniérisme ce qu’elle gagne en sentimentalité. Qu’importe l’origine de cet assouplissement de l’âme, puisqu’il bénéficie au public. Au-delà de la bluette amoureuse, ce film s’expose à un terrible paradoxe, puisqu’il a recours à de splendides compositions et lumières pour évoquer la compensation de la cécité par la parole. Par ailleurs, il se révèle particulièrement bavard, ce qui risque de limiter la possibilité de lui offrir une audio-description efficace. Vers la lumière s’adresse donc peu à ceu

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La fin du parcours : "Lucky"

ECRANS | de John Carroll Lynch (E-U, 1h28) avec Harry Dean Stanton, David Lynch, Ron Livingston…

Vincent Raymond | Mardi 12 décembre 2017

La fin du parcours :

Tous les jours, le vieux Lucky suit la même routine : un verre de lait, de la gym, ses mots croisés au dinner du coin et pas mal de cigarettes pour rythmer ses déambulations dans les rues de sa ville. Un jour, le nonagénaire a un étourdissement. Pour son toubib, rien de grave : il vieillit… C’est peu dire qu’il y a des convergences entre Une histoire vraie (1999) et Lucky. Outre la présence au générique de Stanton et de David Lynch — ce dernier, homonyme du réalisateur, se révélant un (excellent) interprète dans le costume d’un type presque normal —, les films sont deux portraits tendres de vieilles personnes, à travers lesquels on devine toute l’admiration qu’un réalisateur peut porter à son comédien. Rarement tête d’affiche — il ne l’avait plus guère été depuis Paris, Texas (1984) — Harry Dean Stanton trouve dans Lucky outre un piédestal, un film synthèse chargé jusqu’à la gueule de cette culture américaine ayant inspiré parmi les plus belles pages

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Depardon en immersion au Vinatier : "12 jours"

Documentaire | de Raymond Depardon (Fr, 1h27) documentaire

Vincent Raymond | Mardi 28 novembre 2017

Depardon en immersion au Vinatier :

Film de demande plus que de commande, 12 jours répond à une invitation de tourner dans un établissement psychiatrique (en l’occurence, le Vinatier à Bron) avec des patients hospitalisés sans consentement lors de leur présentation devant un juge des libertés et de la détention — celle-ci devant se dérouler au plus tard 12 jours après leur première admission. S’ensuivent donc dix auditions, à la queue-leu-leu. Dix portraits entre détresse et absurde de la “folie” ordinaire, et surtout un épuisant sentiment de déja, déjà-vu. Car malgré tout le respect et toute l’estime que l’on porte à Depardon, force est de constater qu’il éprouve de moins en moins l’envie de sortir du cadre et des repères qu’il a jadis balisés. 12 jours transpose en effet de manière mécanique son dispositif de Délits flagrants ou de 10e chambre, instants d’audience dans un décor lui aussi familier pour le cinéaste, qui avait déjà arpenté avec

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On lévite ou on l’évite : "La Lune de Jupiter"

ECRANS | de Kornél Mundruczó (Hon-All, 2h03) avec Merab Ninidze, Zsombor Jéger, György Cserhalmi…

Vincent Raymond | Mardi 21 novembre 2017

On lévite ou on l’évite :

La Hongrie, aux portes de l’Europe. Un migrant abattu alors qu’il franchissait la frontière développe un étrange pouvoir de lévitation qu’un médecin véreux et au bout du rouleau va tenter d’exploiter à son profit. Seulement, le “miraculé” suscite d’autres appétits… Comme Lanthimos, Mundruczó se veut moraliste ou prophète 2.0 : il malaxe de vieilles lunes, les amalgame à de l’actualité sensible sérieuse et les nappe de fantastique pour leur donner une aura métaphorique (et capter les amateurs de genre). Sauf que ça sonne creux. On sent le réalisateur bien fier de son effet ascensionnel/sensationnel — un Quickening façon transe lente, plutôt réussi la première fois ! L’ennui est qu’il ne manque pas une occasion de le resservir, chaque occurrence le vidant davantage de son caractère exceptionnel. Le soin minutieux apporté à cet effet, à une course-poursuite en voiture ou à tout ce qui a trait à la question technique, tranche violemment avec son apparent désinvestissement pour ce qui concerne le jeu — acteurs mal post-synchronisés, guère plus considérés que du matéri

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La vérité sur Christine : "Carré 35"

Documentaire | de et avec Éric Caravaca (Fr, 1h07) Documentaire

Vincent Raymond | Mardi 24 octobre 2017

La vérité sur Christine :

Adulte, Éric Caravaca a découvert l’existence d’une sœur aînée, morte enfant, dont ses parents lui avaient caché l’existence. Intrigué par ce silence et surtout le secret entourant l’absente, le comédien part en quête de son histoire. Et d’une trace : aucune photo d’elle n’a été conservée… De sa blessure intime toute fraîche (bien qu’ancienne) Caravaca aurait pu faire l’exhibition obscène en fouillant les douleurs et les non-dits familiaux. C’est tout le contraire qu’il obtient dans ce documentaire miraculeux porté par la douceur de sa voix, où l’on perçoit son désir sincère d’offrir une postérité légitime à celle qu’on avait voulu oblitérer. Déjouant les mensonges pudiques ou honteux, les oublis et les refoulés, Caravaca recoupe les témoignages, élucide un à un les mystères : Christine était née “différente”, les circonstances de son décès particulières, tout comme le contexte algérien en ce début des années soixante. Peu à peu se dessinent au milieu de ces vérités exhumées deux portraits entremêlés : celui d’une époque, et le visage de cette sœur inconnue dont

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Brame et Châtiment : "Mise à mort du cerf sacré"

ECRANS | de Yórgos Lánthimos (Gr-G-B, 2h01, int.-12 ans avec avert.) avec Nicole Kidman, Colin Farrell, Barry Keoghan…

Vincent Raymond | Mardi 24 octobre 2017

Brame et Châtiment :

Steven forme avec Anne un couple huppé de médecins, parents de deux enfants éclatants de bonheur et de santé. Jusqu’à ce que Martin, un ado orphelin de père dont Steven s’est bizarrement entiché, ne vienne jeter l’anathème sur leur vie en imposant un odieux chantage… Cannes 2017, ou l’édition des épigones : pendant que Östlund lorgnait du côté de Haneke avec The Square, Lánthimos jetait d’obliques regards en direction de Lars von Trier avec cette tragédie talionnesque et grandiloquente, où un pécheur — en l’occurrence un médecin coupable d’avoir tué un patient par négligence — se voit condamné à subir une punition à la mesure de sa faute. Mais quand Lars von Trier cherche à soumettre ses personnages à une épreuve, son confrère semble davantage enclin à éprouver son public en usant de basse provocation. Lánthimos aime en effet donner dans le sacrificiel symbolique, ne rechignant pas au passage à un peu d’obscénité putassière : Martin se livre donc ici à une imprécation liminaire, annonçant l’agonie des enfants, afin qu’on “savoure” le plus longtemps poss

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Sans mobile apparent : "The Square"

Palme d'Or 2017 | de Ruben Östlund (Sue-All-Da-Fr, 2h31) avec Claes Bang, Elisabeth Moss, Dominic West…

Vincent Raymond | Mardi 17 octobre 2017

Sans mobile apparent :

Alors qu’il s’enorgueillit de présenter une exposition visant à tester l’humanisme des visiteurs et secouer les consciences, le directeur d’un musée d’art contemporain se livre à une série d’actes mesquins et pathétiques, révélateurs de son moi profond. La raison ? On lui a volé son portable… On savait depuis Snow Therapy (2015) que Ruben Östlund est du bois dont on fait les moralistes, et le monde de l’art contemporain, parcouru de tartuffes de tous poils, propice à l’exploration de l’insondable vanité humaine ; la rencontre entre les deux pouvait (devait) nécessairement produire une “performance” remarquable. Remarquée, elle l’est certes (une Palme d’Or, fût-elle par défaut, ne se trouve pas sous le sabot griffu d’une statue équestre), mais se révèle par trop conforme à ce qu’on pouvait en attendre. The Square vitupère en effet de manière convenue les paradoxes et hypocrisies sociétaux à travers un milieu connu pour être caricatural ; il manque en outre d’homogénéité dans son approche : la satire oscille entre premier et secon

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Soirée Twin Peaks

ECRANS | Préparez le café. À présent que l’intégralité de saison 3 de Twin Peaks a été diffusée, c’est le moment de reprendre les choses au début et sur grand écran, s’il vous (...)

Vincent Raymond | Mardi 19 septembre 2017

Soirée Twin Peaks

Préparez le café. À présent que l’intégralité de saison 3 de Twin Peaks a été diffusée, c’est le moment de reprendre les choses au début et sur grand écran, s’il vous plaît ! D’abord, avec le préquelle cinématographique de la série de David Lynch, le film Twin Peaks, Fire Walk With Me (1992), et puis avec les deux premiers épisodes cette ultime saison — ceux qui avaient été présentés à Cannes —, histoire de vous donner envie de replonger totalement dans ses 18 heures. Encore une part de tarte aux cerises ? Soirée Twin Peaks À l’Institut Lumière le vendredi 22 septembre à 18h30

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L'incompris : "Faute d'amour" de Andrey Zvyagintsev

Le Film de la Semaine | « Un seul être vous manque, et tout est dépeuplé ». Deux parents obnubilés par leurs égoïstes bisbilles vont méditer sur Lamartine après que leur fils a disparu. Un (trop modeste) Prix du Jury à Cannes a salué ce film immense et implacable du puissant Zvyagintsev.

Vincent Raymond | Mardi 19 septembre 2017

L'incompris :

Moscou, de nos jours. Un couple se déchire dans la séparation, se querellant sur la vente de son appartement et se désintéressant du fruit de son union, Alyocha. Lorsque celui-ci disparaît subitement, les deux parents prennent conscience de leur faute d’amour. Mais n’est-ce pas trop tard ? « Une bête, il faudrait être une bête pour ne pas être ému par la dernière scène de Paris, Texas. » C’est par ces mots que Serge Daney débutait sa critique du film de Wim Wenders (1984) dans Libération, trahissant l’urgence de se délivrer (et de partager) l’absolue incandescence d’une séquence rejaillissant sur un film tout entier. Gageons que Daney aurait éprouvé un bouleversement jumeau devant Faute d’amour, et ce plan aussi admirable qu’atroce sur le visage défiguré par la douleur d’un garçon hurlant un cri muet, et dont le silence va résonner longtemps dans le crâne des spectateurs. Ce masque de désespoir flottant dans la pénombre, c’est l’effondrement en temps réel d’un enfant qui, témoin invisible d’une dispute entre ses parents, a compris qu’il était de t

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Lose poursuite : "Good Time" de Ben & Joshua Safdie

Thriller | de Ben & Joshua Safdie (E-U-Lux, 1h40) avec Robert Pattinson, Ben Safdie, Jennifer Jason Leigh…

Vincent Raymond | Mardi 12 septembre 2017

Lose poursuite :

Connie Nikas et son frère handicapé mental Nick braquent une banque. Dans la fuite, Nick est capturé. Alors Connie fait l’impossible au cours d’une nuit riche en rebondissements pour le libérer. Par les voies légales d’abord. Et puis les autres… Incroyable : Robert Pattinson peut afficher une gueule expressive et des nuances de jeu ! Merci aux frères Safdie pour cette révélation, ainsi que pour ce thriller nocturne haletant rappelant ces polars signés Hill, Carpenter, Scorsese et consorts qui éraflaient le New York crasseux des années soixante-dix. L’effet vintage et déréalisant se trouve conforté par la B.O. synthétique de Daniel Lopatin, alias Oneohtrix Point Never, ainsi que par le matraquage de visages hallucinés, cabossés, arrachés à la pénombre, systématiquement cadrés en gros — voire très gros — plan. Dans leur quête formelle, les Safdie n’empruntent pas le chemin de l’esthétique pure, à la différence de NWR. Et s’ils partagent sa soif d’urgence ou son aptitude à fabriquer des sensations organique

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JLG, portrait chinois : "Le Redoutable" de Michel Hazanavicius

Le Film de la Semaine | Une année à part dans la vie de Godard, quand les sentiments et la politique plongent un fer de lance de la Nouvelle Vague dans le vague à l’âme. Une évocation fidèle au personnage, à son style, à son esprit potache ou mesquin. Pas du cinéma juste ; juste du cinéma.

Vincent Raymond | Mardi 12 septembre 2017

JLG, portrait chinois :

1967. Au sommet de sa gloire, Jean-Luc n’est pas à une contradiction près : s’il provoque en public en professant des slogans marxistes ou égalitaristes, il aspire en privé à une union conformiste de petit-bourgeois jaloux avec la jeune Anne. Tiraillé entre son Mao et son Moi, le cinéaste passe de l’idéologie au hideux au logis. L’insuccès de La Chinoise ne va rien arranger… Toutes proportions gardées, la vision du Redoutable rappelle celle de AI (2001), cette étonnante symbiose entre les univers et manière de deux cinéastes (l’un inspirateur, l’autre réalisateur), où Spielberg n’était jamais étouffé par le spectre de Kubrick. L’enjeu est différent pour Hazanavicius, à qui il a fallu de la témérité pour se frotter à un Commandeur bien vivant — certes reclus et discret, mais toujours prompt à la sentence lapidaire ou la vacherie définitive. Hommage et dessert En savant théoricien-praticien de l’art du détournement, Hazanavicius a extrait du récit autobiographique d’Anne Wiazemsky

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Robin Campillo : « Les films sont beaucoup plus forts quand on s’y perd un peu »

120 battements par minute | Auréolé du Grand Prix du Jury au Festival de Cannes, le scénariste et réalisateur de 120 battements par minute revient sur la genèse de ce film qui fouille dans sa mémoire de militant.

Vincent Raymond | Lundi 21 août 2017

Robin Campillo : « Les films sont beaucoup plus forts quand on s’y perd un peu »

Comment évite-t-on de tomber dans le piège du didactisme ? Robin Campillo : Ça fait longtemps que se pose pour moi le problème des scénarios qui prennent trop le spectateur par la main comme un enfant et qui expliquent absolument tout ce que vivent les personnages. La meilleure façon que j’aie trouvée, c’est de reprendre ce truc à Act Up Paris : il y avait un type qui fait l’accueil, qui expliquait très bien comment fonctionnait la prise de parole. Mais ensuite, quand on était dans le le groupe, on ne comprenait absolument plus rien à la manière dont fonctionnaient les gens : il y avait trop d’informations ! On s’apercevait que le sujet sida était éclaté en plein d’autre sujets, et on était perdus. J’ai donc voulu jeter le spectateur dans cette arène, comme dans une piscine pour qu’il apprenne à nager tout seul. Je voulais qu’il n’ait pas le temps de réagir à ce qui se produisait, aux discours ni aux actions, lui donner l’impression que les choses arrivaient sans qu’il ait le temps d’en prendre conscience. Les films sont beaucoup plus forts quand on s’y perd un peu, quand on ne sait pas ni où ni à quel moment on

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À Cannes, il a eu le Grand Prix : "120 battements par minute" de Robin Campillo

Act Up Paris | de Robin Campillo (Fr, 2h20) avec Nahuel Perez Biscayart, Arnaud Valois, Adèle Haenel…

Vincent Raymond | Mardi 4 juillet 2017

À Cannes, il a eu le Grand Prix :

Histoires de révoltes et de combats. Celles des militants d’Act Up Paris à l’orée des années 1990, sensibilisant à coup d’actions spectaculaires l’opinion publique sur les dangers du sida et l’immobilisme de l’État. Et puis la romance entre Nathan et Sean, brisée par la maladie… Grand Prix à Cannes, ce mixte d’une chronique politique et d’une histoire sentimentale est aussi une autobiographie divergée de Robin Campillo. Ancien membre d’Act Up, il a toute légitimité pour évoquer le sujet de l’intérieur, en assumant sa subjectivité, et tenant compte du temps écoulé. Le portrait collectif qu’il signe n’est ainsi ni un mausolée aux victimes, ni un panégyrique aux survivants, ni un documentaire de propagande : il s’inscrit dans un contexte historique, à l’instar d’un conflit armée. Campillo emprunte d’ailleurs sa construction aux films de guerre, chaque génération ayant les siennes — les AG étant les réunions d’état-major avant les actions et manifs ; le champ de bataille les lieux d’intervention. Sauf qu’il y a ici deux guerres à mener : l’une, visible, contre les insti

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"Ava" de Léa Mysius : une jeune fille en fleur avant l’ombre

Le Film de la Semaine | Dernier été pour les yeux d’Ava, ado condamnée à la cécité s’affranchissant des interdits ; premiers regards sur le cinéma de Léa Mysius (coscénariste des Fantômes d’Ismaël) avec ce film troublant et troublé, ivre de la séduction solaire de la jeune Noée Abita.

Vincent Raymond | Mardi 20 juin 2017

Ava a treize ans, une mère célibataire fantasque, une petite sœur au biberon et une maladie qui va la rendre aveugle à la fin des grandes vacances. Loin de s’apitoyer sur son sort, l’ado profite de ce qui lui reste de vue pour longer les marges avec un jeune gitan qui la fascine… Bonne pioche pour la Semaine de la Critique que ce premier long-métrage de Léa Mysius, tout à la fois empli de la vitalité rebelle de la jeunesse et confronté à l’inéluctable d’une disparition précoce. Poème sensoriel débarrassé d’un ancrage forcené au réalisme, Ava s’octroie des parenthèses de folie douce lorsqu’il s’agit d’évoquer le ressenti de la liberté, le frisson de l’incertain. Une révolte métaphorique dans une fuite à la poursuite de la beauté, où la suggestion discrète l’emporte sur la pataude monstration. Garde à vue On sait combien un film peut se trouver transfiguré par son acteur·trice grâce à l’accord intime entre l’interprète et son personnage. Ce que livre ici la débutante Noée Abita tient

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Cannes, avant-premières au Lumière Terreaux

Lumière Terreaux | Une semaine après le Comœdia, le Lumière Terreaux avance à son tour sa semaine d’avant-premières cannoises. Et à l’exception de Faute d’Amour de Zviaguintsev (...)

Vincent Raymond | Mardi 13 juin 2017

Cannes, avant-premières au Lumière Terreaux

Une semaine après le Comœdia, le Lumière Terreaux avance à son tour sa semaine d’avant-premières cannoises. Et à l’exception de Faute d’Amour de Zviaguintsev (prix du jury), tous les films présentés seront inédits. Parmi ce florilège, notons le Barbara de Mathieu Amalric, La Mise à mort du cerf sacré de Lanthimos, Jeune Femme de Leonor Serraille (Caméra d’Or), Makala d’Emmanuel Gras (Grand Prix de la Semaine de la Critique) ainsi que, notamment, le Haneke. Voilà de quoi préparer au mieux la rentrée. Du 14 au 20 juin à 20h30 au Lumière Terreaux

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Première vague de Cannes

Comœdia | Le Festival de Cannes à peine achevé, le Comœdia nous titille en distillant chaque soir pendant une semaine un florilège de la sélection officielle, toutes (...)

Vincent Raymond | Mercredi 7 juin 2017

Première vague de Cannes

Le Festival de Cannes à peine achevé, le Comœdia nous titille en distillant chaque soir pendant une semaine un florilège de la sélection officielle, toutes sections confondues. Au programme, sept avant-premières pour prendre la température de la rentrée cinématographique, avec pour commencer Visages, Villages de Varda & JR, Un beau soleil intérieur de Claire Denis, Le Redoutable de Hazanavicius, Faute d’amour de Zvyagintsev (Prix du Jury), mais aussi L’Atelier de Laurent Cantet (entre autres). Une très heureuse initiative permettant au grand public de se raccrocher à l’actualité et de commencer à faire vivre les films avant la torpeur estivale. Au Comœdia du 7 au 13 juin

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Lettre de Cannes #6

Festival de Cannes 2017 | Ou comment un dernier film vient relancer la cométition, et où il faut apprendre à finir

Christophe Chabert | Lundi 29 mai 2017

Lettre de Cannes #6

Cher PB, je t’envoie cette dernière lettre à quelques heures d’un palmarès que, comme à son habitude, la presse s’empressera de mettre en pièces. Habitude étrange, à vrai dire : qui, du cinéaste et des acteurs qui font des films et composent un jury collectif ou du critique qui se contente de les voir, est le plus apte à en juger la valeur ? Qui est le meilleur spectateur de cinéma ? Vaste question que je ne trancherai pas ici, car bon, j’ai autre chose à faire. Mais l’an dernier, quand l’agora critique hurlait à la mort après la Palme remise à Moi, Daniel Blake, estimant qu’il s’agissait d’une « mauvaise Palme », on pouvait légitimement lui rétorquer que le film ne la DÉMÉRITAIT pas, quand bien même d’autres films la méritaient tout autant, sinon plus. The Last face, le film de Sean Penn, eût été d’évidence une mauvaise palme, car personne – à part Luc Besson, c’est dire – n’a défendu la chose, la jugeant unanimement nulle et nocive pour le cinéma. De toute façon, l’envie de réécrire l’histoire d’un palmarès à l’aune de ses choix personnels tient tout autant de l’égocentrisme que de l’illusion rétrospective, ce fléau qui empêche d’accepter la réalité telle qu’elle es

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Lettre de Cannes #4

Festival de Cannes 2017 | Ou comment on fête un anniversaire, et comment Nicole Kidman est devenue notre copine de festival

Christophe Chabert | Jeudi 25 mai 2017

Lettre de Cannes #4

Cher PB, hier soir, le festival de Cannes fêtait son soixante-dixième anniversaire, dans une cérémonie qui faisait des ponts entre passé, présent et je ne sais pas quoi, avec des palmés passés – dont David Lynch, prêt à présenter les premiers épisodes de la nouvelle saison de Twin Peaks que tu as déjà dû voir, petit coquinou, en streaming sur je ne sais quelle plateforme de mauvaise vie –, des palmés futurs – Sorrentino et Park Chan-wook, cette année préposés à la remise de palme au sein du jury – et des presque palmés – Pedro Almodovar, dans le rôle du cinéaste cocu mais bon joueur au milieu des ex-vainqueurs. On notait quelques absences de poids : Terrence Malick, qui pourtant n’a plus peur de montrer sa trogne en public ; les frères Dardenne, pourtant grands potes de Therry Frémaux ; Steven Soderbergh, sans doute un peu vexé que son dernier Logan Lucky est atterri piteusement au Marché du film cette année ; les frères Coen, Nuri Bilge Ceylan ou encore Lars Von Trier, dont on ne sait trop s’il est encore persona non grata au festival, ou simplement retenu par le montage de son dernier film, ou si son camping car est au garage pour réparation – va lire le d

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Lettre de Cannes #3

Festival de Cannes 2017 | Ou comment la courtoisie est une valeur qui se perd, un grand cinéaste se suicide à Cannes, et Netflix invente le vidéo-film.

Christophe Chabert | Mardi 23 mai 2017

Lettre de Cannes #3

Cher PB, Au son d’un hélicoptère tournoyant dans le ciel, loin au-dessus de la croisette, je t’écris à nouveau pour te parler de cinéma. Mais avant, j’aimerais te raconter un petit jeu que je pratique avec quelques amis depuis que je me rends au festival. Ce jeu, qui est plutôt une forme de compétition honorifique, s’appelle le Prix de la courtoisie. Rien à voir avec la radio d’extrême droite éponyme — cela me rappelle qu’autrefois, quand moi-même je faisais de la radio, un des animateurs ne cessait de présenter les titres musicaux en parlant d’albums « éponymes », sans trop savoir ce qu’il racontait puisqu’il allait jusqu’à dire de certains qu’ils étaient « parfaitement éponymes », laissant penser que d’autres étaient « un peu éponymes » et d’autres encore « moyennement éponymes »… Le Prix de la courtoisie consiste à saluer chaleureusement TOUS les agents d’accueil que l’on croise avant d’accéder aux projections, de les remercier chaque fois qu’ils font quelque chose pour nous — biper nos badges, nous indiquer nos places… — et, plus globalement, de leur sourire et de ne pas les traiter comme des paillassons. La base, quoi… Sauf au festival de Cannes où les

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Alexandre Mallet-Guy : n’oublie pas que tu vas produire

Portrait | Il a révélé en France Asghar Farhadi ou Joachim Trier, et accompagne désormais Nuri Bilge Ceylan ou Bruno Dumont. À Cannes cette année, le patron de Memento Films présente quatre films, dont 120 battements par minute de Robin Campillo, en lice pour la Palme d’Or.

Vincent Raymond | Mardi 23 mai 2017

Alexandre Mallet-Guy : n’oublie pas que tu vas produire

Sur un plateau de tournage, il pourrait passer pour la doublure lumière de Pierre Deladonchamps ou de quelque jeune premier blond. Silhouette élancée et regard bleu franc, ce tout juste quadragénaire ne colle pas à ces portraits de producteurs dessinés par Hollywood : volumineux, grincheux, tonitruants ; bref, à l’image des frères Weinstein. Alexandre Mallet-Guy parle d’une voix mesurée. Et si son débit parfois se précipite avant de s’étouffer dans un sourire timide, n’en tirez pas de conclusions hâtives : il a le caractère aussi solide que son goût est affirmé. Depuis 2003 aux manettes de Memento Films, la structure de production, distribution et ventes internationales qu’il a créée ex nihilo, l’homme revendique une ligne éditoriale parmi les plus exigeantes de la profession. Ce qui ne le prive pas d’aligner un palmarès enviable. Le produit de la chance et d’un indubitable flair : « Chez Memento, il n’y a pas de comité de visionnement. Les personnes travaillant sur les acquisitions viennent avec moi sur les festivals, je les écoute… ma

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Lettre de Cannes #1

Festival de Cannes 2017 | Où  j'ai vu des portiques de sécurité, un film très noir et très fort de Zviaguintsev, et un beau film premier degré de Todd Haynes.

Christophe Chabert | Vendredi 19 mai 2017

Lettre de Cannes #1

Cher Petit Bulletin, M'y voici de nouveau, au soleil de Cannes, pour y humer l'air du temps cinématographique et y humer l'air tout court d'une Côte d'Azur désormais meurtrie par trop de jardinières géantes décourageant badauds et camions de se rencontrer en une étreinte assassine. Le Festival de Cannes fête son 70e anniversaire en étalant à son générique les noms de ses chers cinéastes disparus et en transformant chaque avant-projection en une vaste zone de sécurité pour aéroport : déposons donc quatre fois par jour nos clés, portefeuilles et téléphones avant de franchir de peu esthétiques portiques magnétiques ; ouvrons nos sacs pour en supprimer tout élément dangereux, à commencer par la crême solaire en tube, nous laissant ainsi plus de chances de mourir d'un mélanome que d'un attentat terroriste — pléonasme assumé. Ainsi, l'honneur est sauf car, comme disait Claudette Colbert dans La Huitième femme de Barbe-Bleue, avec l'accent français s'il vous plait : "Don't blame it on the Riviera". De plus, entre le moment où j'ai récupéré mon accréditation et celui où le festival a été officiellement déclaré ouvert, s'est produit un élément d'ampleur stratosphériq

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"David Lynch : The Art Life" : plongée dans l'intimité d'un maître

Documentaire | Inutile de présenter le cinéaste David Lynch, auteur de films cultes et de chef-d’œuvres célébrés. Jon Nguyen (qui avait déjà co-produit un documentaire en 2007 (...)

Julien Homère | Lundi 20 février 2017

Inutile de présenter le cinéaste David Lynch, auteur de films cultes et de chef-d’œuvres célébrés. Jon Nguyen (qui avait déjà co-produit un documentaire en 2007 à propos d’Inland Empire), Olivia Neergaard-Holm et Rick Barnes ont pourtant décidé de peindre son portrait. La qualité de ce long monologue du créateur iconoclaste réside dans le témoignage : The Art Life raconte Lynch, de son enfance à Washington jusqu’à la conception d’Eraserhead en Californie. On ne peut pas dire que le film présente un point de vue neuf. Si la réflexion sur l’homme est inexistante, le projet Kickstarter se justifie par des vidéos prises sur le vif où l’artiste peint, sculpte, scie et modèle. Vrai cadeau aux fans, Lynch se raconte dans la plus grande intimité, avec le spectateur pour seul confident. À voir pour tous ceux qui veule

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Cinq pépites à découvrir au Transfer

Festival Transfer | Un nouveau rendez-vous s'inscrit dans l'agenda des festivals lyonnais, avec l’éclosion du Transfer, du 2 au 4 février. Sa volonté : réunir deux univers dont les publics ne se mélangent pas assez, le rock indé et l'électro. Avec pour vocation première, la découverte.

Anaïs Gningue | Jeudi 26 janvier 2017

Cinq pépites à découvrir au Transfer

Deux groupes résolument rock'n'roll ouvriront les festivités à La Marquise le jeudi, The Temperance Movement et Ko Ko Mo. Les deux jours suivants, le Transbordeur sera réquisitionné pour un line-up éclectique. Les doigts passeront des guitares électriques aux platines – des incontournables Cage The Elephant à l'électro métissée de Mawimbi, en passant par l'instrumental lunaire de Pratos. Voici cinq noms à ne pas louper. TWIN PEAKS Ces natifs de Chicago font perdurer le garage jusqu’à aujourd’hui, et on les en remercie ! Maintenant rejoints par Connor Brodner aux claviers, les cinq jeunots surdoués en sont à leur troisième album – Down In Heaven. Ceux que l’on compare souvent aux Rolling Stones des débuts ou aux Black Lips lanceront les festivités à coup de mélodies teintées de punk (voire même de consonances country apparaissant sur ce dernier opus).

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Les Habitants : un Depardon décevant

ECRANS | de Raymond Depardon (Fr, 1h24) documentaire

Vincent Raymond | Mardi 26 avril 2016

Les Habitants : un Depardon décevant

Raymond Depardon déplace un studio-caravane sur les routes de France, invitant les badauds à poursuivre devant sa caméra la discussion qu’ils tenaient sur le trottoir. Le cadre, fixe, est partout identique, mais les propos (re)tenus très inégaux : l’on passe ainsi de la philosophie de comptoir à quelques (trop rares) considérations constructives. Comme si Depardon avait manqué de matière utile dans ses rushes, et s’était cru obligé de conserver des séquences d’habitants mal à l’aise devant l’objectif, ressassant artificiellement leur conversation, ou meublant le vide par des rires gênés (voir le joli couple évoquant sa prochaine union). Le dispositif rappelle Délits flagrants, mais en moins intense du fait de son montage plus lâche. Il ressemble surtout à une sorte de face B (ou de bonus DVD grand format) du remarquable Journal de France (2012), portrait itinérant de l’Hexagone à travers ses paysages et quelques témoignages saisis sur le motif. La déception se situe donc à la mesure de l’attente. Doit-on la tempérer en affirmant que les Français n’ont, en réalité pas grand-chose à dire et que Depardon a fidèlement restitué leurs pensées ? Év

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Raymond Depardon et les habitants

ECRANS | Le photographe et cinéaste caladois Raymond Depardon procède à rebours du reste de la population — là réside son originalité, et sans doute une partie de son (...)

Vincent Raymond | Mardi 12 avril 2016

Raymond Depardon et les habitants

Le photographe et cinéaste caladois Raymond Depardon procède à rebours du reste de la population — là réside son originalité, et sans doute une partie de son talent. Ainsi, lorsqu’il part à la campagne, ce n’est point pour se délasser en comptant les brins d’herbe ou flatter le cul des bovins, mais pour capter comme personne la vie rurale (voir sa trilogie Profil Paysans). Et quand il embarque dans un camping-car pour Journal de France, son voyage est davantage artistique et intérieur que purement touristique ! Pour son nouvel opus Les Habitants, c’est une caravane qui est convoquée, unique décor et réceptacle des paroles de Français invités à s’exprimer de Nice à Saint-Étienne… mais pas à Lyon ni Villefranche-sur-Saône. Pour réparer cet oubli (car il ne peut s’agir que d’un oubli), Depardon présentera le mardi 12 avril à 20h30 au CNP Terreaux son film en avant-première. Un peu plus tôt dans l’après-midi (18h30), c’est à la librairie Passages qu’il rencontrera le public autour d’une séance de dédicaces.

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Elle portait du velours bleu…

ECRANS | C’est en janvier 1987 avec la sortie de Blue Velvet, auréolé d’un Grand Prix à Avoriaz, que la légende David Lynch commence. Après le succès culte d’Eraserhead, (...)

Christophe Chabert | Mardi 11 février 2014

Elle portait du velours bleu…

C’est en janvier 1987 avec la sortie de Blue Velvet, auréolé d’un Grand Prix à Avoriaz, que la légende David Lynch commence. Après le succès culte d’Eraserhead, puis celui mondial d’Elephant Man et le bide artistique comme public de son adaptation de Dune, Lynch remet les compteurs à zéro. Bienvenue dans une paisible bourgade américaine, où les fleurs poussent dans des jardins bien tondus, où les rossignols chantent et où… le mal grouille au fond de la terre, prêt à surgir lorsqu’un brave bougre s’écroule victime d’un infarctus. Son fils — Kyle MacLachlan, pas encore canonisé en Dale Cooper dans Twin Peaks — vole à son chevet ; en revenant de l’hôpital, il trouve dans un talus une oreille humaine coupée. Se muant en enquêteur, il suit les traces d’une chanteuse de bar, Dorothy Vallens — Isabella Rossellini, future épouse du cinéaste — victime d’un gangster shooté à l’oxygène liquide qui retient son fils et son mari en otage. Notons que la prestation, inoubliable, de Dennis Hopper relancera durablement sa carrière… Cette découverte se fait depuis un placard dans lequel le garçon, à moitié nu, observe ce manège inquiétan

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Le tour de France de Depardon

ARTS | Pendant cinq ans, Raymond Depardon a photographié la France des villages et des petites villes. Parmi les 10 000 clichés réalisés, il en présente une quarantaine au Plateau. Jean-Emmanuel Denave

Jean-Emmanuel Denave | Mercredi 14 novembre 2012

Le tour de France de Depardon

«Pour moi il y a trois sortes de France : la France du centre-ville avec ses commerces franchisés et ses parkings ; la France des banlieues ; la France des petites villes et des petits villages. La France que je voulais photographier, c’est celle d’où je viens, celle du Tour de France, des ronds-points et des villages ou moyennes villes, avec des petites zones industrielles ou urbaines qui se ressemblent toutes et qui sont très peu photographiées» écrit Raymond Depardon (né en 1942 près de Villefranche-sur-Saône). Pendant cinq ans, à raison de trois mois par an, Raymond Depardon va donc sillonner cette France des villages dans son camping car. Il réalisera quelque 10 000 clichés en couleurs à l’aide d’une chambre photographique aux temps de poses longs (une seconde environ). Son parti pris est celui du paysage, de la vue urbaine et de l’architecture remarquable, et très rares sont donc les personnages apparaissant sur ses images. «Lorsque j’ai projeté de photographier la France, j’ai su qu’il fallait la photographier autrement : ne pas aller à la rencontre des gens avec mon Leica, ne pas collectionner les Fragonnard en haut des buttes, mais retrouver ce chem

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Journal de France

ECRANS | De Claudine Nougaret et Raymond Depardon (Fr, 1h45) documentaire

Christophe Chabert | Vendredi 8 juin 2012

Journal de France

Les cinéastes français semblent se plaire à se retourner sur leur carrière pour en faire à la fois le discours de leur méthode et un récit biographique (Varda et Lelouch s’y sont collés récemment). Dans le cas de Raymond Depardon, l’originalité consiste à avoir confié à sa compagne et collaboratrice, Claudine Nougaret, le soin de retracer ce parcours il est vrai fascinant, jeune homme hésitant entre la photographie et le cinéma, révolutionnant le photo-reportage au sein de l’agence Gamma, puis se lançant dans un monumental projet documentaire visant à montrer les «citoyens face à leurs institutions». Journal de France alterne donc archives inédites (ou pas) et séquences contemporaines où Depardon parcourt la France profonde avec une caméra à chambre pour immortaliser paysages emblématiques et simples Français. La visite à l’intérieur de l’œuvre est évidemment passionnante, mais le voyage n’est pas en reste. On peut même, en voyant le cinéaste seul dans son van allant de places du village en places du village, pendant que sa compagne va de films en films, penser à Denis Lavant dans la limousine-cinéma du dernier Carax : comme s’

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Bienvenue au Lynch-land !

MUSIQUES | Critique / Film-monstre, abscons, dément, INLAND EMPIRE représente une forme de suicide commercial de la part de David Lynch, mais aussi une expérience cinématographique qui encourage autant qu'il décourage le commentaire. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mercredi 14 février 2007

Bienvenue au Lynch-land !

Arrivé à une forme ultime de reconnaissance critique et même publique - du moins en Europe, quoique le DVD de Mulholland drive ait fait son beurre aux États-Unis... David Lynch a choisi non pas de capitaliser sur son nouveau statut, mais de casser définitivement son jouet. C'est le sentiment premier après les trois heures hallucinées d'INLAND EMPIRE. À côté, Lost Highway, Mulholland drive et même Eraserhead ont quelque chose de gentils films narratifs ; c'est dire si l'objet est déroutant. Et osons l'avouer, clairement moins plaisant à regarder, pour une raison simple : Lynch, ce grand maître du scope et de la pellicule, cet artiste du cadre et des textures, l'a tourné avec une DV qu'il utilise comme votre pépé son camescope : sans ajout de lumière artificielle et la plupart du temps à la main ! Il n'est pas impossible de faire quelque chose d'intéressant visuellement avec un tel parti-pris - et la toute première séquence d'INLAND EMPIRE le prouve d'ailleurs ! mais ce n'est visiblement pas le souci de Lynch. Idem pour la musique, d'ordinaire en complète adéquation avec les images, mais ici souvent à contretemps, sinon franchement décalée (la chanson de Beck sur la fin en est le mei

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