Michel Saint-Jean : la hauteur du politique

Portrait cinéma | Avec Brizé, Pawlikowski et Lee Chang-dong en compétition et trois autres réalisateurs dans les sections parallèles, le distributeur et producteur Michel Saint-Jean a savouré « comme si c’était le premier » le festival de Cannes 2018. Affable mais discret, le patron de Diaphana y fait souvent résonner des voix indépendantes et engagées. Rencontre.

Vincent Raymond | Mardi 5 juin 2018

Photo : Michel Saint-jean et Xavier Dolan © VR


Même si rien ne vient jamais amenuiser son prestige, la rumeur prétend que son éclat s'estompe avec le temps. C'est un fait chimique : l'oxydation est la pire ennemie des César. Celui décorant discrètement le bureau de Michel Saint-Jean a de fait gagné son pesant de patine. Sans doute s'agit-il de la statuette remportée en 1999 avec La Vie rêvée des anges ; sa petite sœur conquise en 2009 pour Séraphine demeurant chez ses producteurs. Un trophée du meilleur film toutes les années en 9, comme pour célébrer chaque nouvelle décennie de sa société Diaphana fondée en 1989… Le distributeur peut toucher du bois pour 2019. Et pourquoi pas grâce à En guerre, la nouvelle réussite de Stéphane Brizé. Ce « combat pour la dignité et la justice allant au-delà de la photographie de la délocalisation », s'inscrit dans la cohérence des près de 350 films qu'il a portés sur les écrans depuis ses débuts, où l'on croise le Lucas Belvaux de la géniale Trilogie ou de La Raison du plus faible, presque tout Robert Guédiguian, les Dardenne, Ken Loach ou Manuel Poirier.

J'ai envie de parler des gens dont il est nécessaire de parler. Même si j'ai une vie complètement bourgeoise, j'ai vécu mes vingt premières années dans des HLM. Mon père était ouvrier et ma mère ne bossait pas. Je sais d'où je viens.

Pour autant, Michel Saint-Jean ne revendique pas une ligne éditoriale à l'inflexibilité d'airain : « j'adore tous les cinémas ! ». Un rapide survol de sa filmographie le confirme : n'a-t-il pas sorti Braindead (1992) du Peter Jackson période gore ; n'a-t-il pas a accompagné l'émergence d'un nouveau cinéma d'animation en important Wallace & Gromit, puis en distribuant Les Triplettes de Belleville ou Persepolis ?

Saint-Étienne, Saint-François, Saint-Jean

Sa vocation naît grâce à la plus traditionnelle des animations, lors d'une séance de Dumbo l'éléphant volant au cinéma L'Anabel de Saint-Étienne ; il a alors 10 ou 11 ans.

Je me revois dans le long couloir menant à la sortie, ma mère me demandant si ça m'avait plu. Quand je lui ai répondu que je voulais en faire mon métier, elle avait beaucoup ri en me disant que je n'étais pas un éléphant ! En fait, j'avais tellement été enthousiasmé par le film et par l'émotion qu'il m'avait apporté que je voulais la ressentir toute ma vie.

Le jeune Michel se met alors à dévorer du film. Étudiant, il devient un fidèle des Rencontres Internationales de Saint-Étienne : « il y avait jusqu'à 300 films projetés, des avant-premières, des rencontres avec Truffaut ou Mastroianni… En 8 jours, je voyais près de 50 films. » Son assiduité lui vaut d'être remarqué par la créatrice de l'événement, la distributrice et productrice Nella Banfi. Et le convainc que le meilleur moyen d'assouvir sa passion, c'est de travailler dans un cinéma.

Il propose donc ses services au France (l'actuel Méliès Saint-François) et démarre au bas de l'échelle : caissier, homme de ménage, il passe son CAP de projectionniste — « on projetait encore des copies flamme à l'époque » — et finit par diriger la salle. C'est alors que le service national se lasse de ses demandes de reports d'incorporation. Pour cet antimilitariste convaincu, hors de question d'être troufion. L'assouplissement du régime des objecteurs de conscience l'autorise heureusement à effectuer son service civil au sein d'une association. Pourquoi ne pas tenter sa chance à l'Institut Lumière à Lyon ? « Bernard Chardère a eu la gentillesse de m'accueillir et cela a été 15 mois magnifiques parce que j'ai consolidé ma cinéphilie, j'ai rencontré des gens extraordinaires comme Raymond Chirat ou Barthélémy Amengual… » Michel sympathise aussi avec un jeune bénévole de son âge, un certain Thierry Frémaux, futur patron de l'Institut et délégué général de la Croisette. Tous deux n'ont jamais coupé les ponts :

Aujourd'hui encore, on s'envoie des textos d'insultes à chaque derby », rigole-t-il.

Ces Mozart qu'il accompagne

Rendu à la vie civile, Michel Saint-Jean est plus que jamais résolu à persévérer dans la profession. Mais il veut aller plus en amont, à la source créative. L'IDHEC, ancêtre de la FEMIS, ne lui a pas ouvert ses portes ? Qu'à cela ne tienne : il multiplie les CV et contacte Nella Banfi qui se souvient du cinéphile stéphanois. Elle l'invite à gagner Paris et l'embauche comme responsable de programmation. Sa première mission : distribuer l'intégrale Nanni Moretti — difficile de faire mieux. Il découvre un métier dont la spécificité le fascine encore : « on est là pour accompagner le film, le mettre en valeur, faire en sorte qu'il rencontre un public le plus large possible. » Un métier dont il mesure, également, la position centrale mais ambiguë, prise en étau entre l'exploitation (les salles) et la production : « ils sont beaucoup plus nombreux et structurés que nous qui sommes des rêveurs, des saltimbanques… »

Tout saltimbanque qu'il se proclame, le jeune homme va rapidement prendre son autonomie en créant sa propre société, Diaphana — la beauté du mot et l'idée de la transparence ayant présidé au choix du nom. Les débuts sont portés par de nombreux succès étrangers, signés notamment Ken Loach (Riff-Raff, Raining Stones, Land and Freedom…) ou Mark Herman (Les Virtuoses). Quand en 1997, deux auteurs “maison“, Guédiguian et Poirier, sont adoubés à Cannes pour Marius et Jeannette et Western, le bénéfice en terme de visibilité est considérable. D'autres jeunes cinéastes émergent dans la foulée, faisant des razzias à tous les palmarès : Sólveig Anspach (Hauts les cœurs !), Dominik Moll (Harry un ami qui vous veut du bien), Edward Yang (Yi Yi), Pierre Schoeller (L'Exercice de l'État)… Bientôt trente ans d'activité marqués par deux Palmes (L'Enfant et Le Vent se lève), des fidélités à la pelle et la douleur de la rupture quand Loach, après une dizaine de films, accepte une offre de Why Not : « Je n'ai pas d'amertume, personne n'appartient à personne, mais ses derniers films, je ne peux pas les voir, c'est trop dur. On se parle toujours, hein. »

Michel Saint-Jean a dû s'investir dans la production — une nécessité vitale pour un indépendant : plus tôt il s'engage sur un film (en l'occurrence, dès l'écriture), meilleures sont ses chances d'en acquérir les droits. C'est ainsi qu'il peut soutenir de nouvelles signatures en misant parfois gros. Dithyrambique sur son précieux poulain Xavier Dolan — « ce type a 26 ans, il a fait 7 films, c'est Mozart » — à qui il promet le meilleur, soutien sans faille de Safy Nebbou, il accompagne aussi Lukas Dhont dont Girl est une sensation d'Un certain regard :

« S'il me demande de faire ses 5 prochains films, sans savoir ce que c'est, je signe tout de suite ; s'il veut 400 millions, je me démerde, je les aurai.

Diaphana a par le passé connu un petit trou d'air, comme tout le monde dans ce milieu fait de risques et d'incertitudes. « Mais on a retourné le truc. En plus de 300 films, je n'ai jamais planté quiconque, il n'y a pas un seul technicien à qui on doit de l'argent. C'est parce que j'ai été bien éduqué. » On n'oublie jamais ses vertes années…

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"Matthias & Maxime" : Embrasse-moi idiot

ECRANS | De et avec Xavier Dolan (Can., 1h59) avec également Gabriel D'Almeida Freitas, Anne Dorval…

Vincent Raymond | Mercredi 16 octobre 2019

À la suite d’un pari perdu, deux amis d’enfance (Matthias et Maxime) doivent s’embrasser devant une caméra. La situation les perturbe profondément et affecte leur relation, d’autant plus tendue que Maxime va partir deux ans en Australie. Ce baiser aurait-il révélé une vérité enfouie ? Débarrassons-nous tout de suite des tics dolanniens qui, à l’instar d’excipients dans une recette, font du volume autour du “principe actif“ ; en l’occurrence, le cœur palpitant et original du film. Oui, on retrouve un portrait vitriolé de la génération parentale, en particulier des mères — les pères étant globalement absents. La génitrice du personnage de Maxime joué par Dolan apparaît comme de juste dysfonctionnelle, excessive (et droguée, violente, sous tutelle pour faire bonne mesure). Autre constante, la B.O. ressemble encore au juke box personnel du cinéaste, les aplats de musiques se révélant bien commodes pour faire des ponts entre séquences. Sorti de cela, Matthias & Maxime se situe dans un registre moins exalté qu’à l’ordinaire : la trentaine approchant, la ré

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Ma vie avec John F. Donovan : Juste après la fin du monde

ECRANS | De Xavier Dolan (Can., 2h03) avec Kit Harington, Jacob Tremblay, Susan Sarandon…

Vincent Raymond | Mardi 12 mars 2019

 Ma vie avec John F. Donovan : Juste après la fin du monde

Jeune acteur dans le vent, Rupert Turner raconte à une journaliste pète-sec dans quelles circonstances il entretint enfant une correspondance épistolaire avec un John F. Donovan, un autre comédien à l’existence torturée, et comment cet échange influa sur leurs destinées… Un petit saut de l’autre côté de la frontière et voici donc enfin (pour lui) Dolan aux manettes d’un film étasunien. Mais, outre la langue et donc les interprètes la pratiquant, point de métamorphose dans le cosmos de Dolan : la structure nucléaire basique de son cinéma reste inchangée (une relation fusion/répulsion entre un fils et sa mère renforcée par l’absence du père, le sentiment teinté de culpabilité de se découvrir habité par des pulsions différente de la “norme hétéro“, de la musique pop forte plaquée sur des ralentis, des éclats de voix…). Certes, le maniérisme formel est (un peu) mis en sourdine au profit de l’histoire — elle mérite toute l’attention de l’auteur, puisqu’il s’agit d’un enchâssement de récits —, mais il demeure quelques facilités consternantes empesant inutilement le tableau. Comme ce be

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"Cold War" : Rideau de fer et voix de velours

Jazzy | de Paweł Pawlikowski (Pol.-G.-B.-Fr., 1h27) avec Joanna Kulig, Tomasz Kot, Agata Kulesza…

Vincent Raymond | Mercredi 17 octobre 2018

Années 1950. Compositeur, Wictor sillonne la Pologne rurale pour glaner des mélodies populaires et trouver des voix. Bouleversé par celle de Zula, il fait de cette jeune interprète sa muse et sa compagne. Leur romance connaîtra des hauts des bas, d’un côté puis de l’autre du rideau de fer. Pawlikowski, ou la marque des origines. Est-ce un hasard si Cold War, ayant pour décor la Pologne d’après-guerre et d’avant sa naissance comme son film précédant Ida (2013), présente la également même radicalité formelle, la même rigueur quadrangulaire, le même noir et blanc ? Consciemment ou non, Pawlikowski renvoie ce faisant de ce pays au système intransigeant un visage âpre, et reproduit dans le même temps les procédés du cinéma des origines — en lui donnant toutefois la parole, même s’il l’économise. Son “année zéro“ intime devient un peu celle de la Pologne, voire celle du cinéma. Encore davantage ici, où l’histoire de Wictor et Zula s’inspire (on ne sait à quel degré) de celle de ses parents. Mais la rigueur formelle n’abolit pas tout

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"Girl" : Lara au bal du diable

Camera d'Or | Le portrait plein de vie d’une adolescente née garçon luttant pour son identité sexuelle et pressée de devenir femme. Une impatience passionnée se fracassant contre la bêtise à visage de réalité, filmée avec tact et transcendée par l’interprétation de l’étonnant·e Victor Polster.

Vincent Raymond | Mardi 2 octobre 2018

Jeune ballerine de 15 ans, Lara se bat pour rester dans la prestigieuse école de danse où elle vient d’être admise, mais aussi pour accélérer sa transition de garçon en fille. La compréhension bienveillante de ses proches ne peut hélas en empêcher d’autres d’être blessants. Jusqu’au drame. Girl pose sur des sujets divers un regard neuf, lesquels sont loin de l’être : la danse comme école de souffrance et de vie (on se souvient de la claque Black Swan), la difficulté de mener une transition de genre (voir Transamerica), la vie d’un parent isolé élevant deux enfants. Des thèmes rebattus mais qui, par coagulation et surtout grâce à une approche déconcertante, c’est-à-dire bannissant les situations attendues, trouvent une perspective nouvelle. Ainsi, la question de l’acceptation par la famille du choix intime de la jeune Lara ne se pose même pas ; au contraire bénéficie-t-elle ici d’un accompagnement solide et complice. Quant aux professeurs de danse, ils n’ont rien des tyrans ordinaires martyrisant les petits rats. Bref, outre l’absence de la

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Octobre : Restons groupés !

Un mois de cinéma | Mois à cinq mercredis + vacances scolaires + poids lourds de Cannes et Venise = le plus gros embouteillage de l’année sur les écrans. Bienvenue en enfer. Pardon : en octobre.

Vincent Raymond | Mardi 2 octobre 2018

Octobre : Restons groupés !

Chaque année c’est pareil, en pire : barycentre de la rentrée cinématographique, octobre concentre un nombre croissant de films art et essai à fort potentiel, propulsés par les festivals et soucieux de se faire une place au box office avant la saison des récompenses. Et surtout avant le raz-de-marée des fêtes, confisquées par les grosses productions famille et jeune public. Est-ce par osmose ? L’effet foule semble déteindre sur des films où le collectif a le beau rôle. Dring & plouf Désormais genre en soi, la comédie chorale n’échappe pas au mouvement avec plusieurs représentants de qualité inégale et d’étonnantes surprises. Ainsi, on attendait avec une confiance raisonnable Michel Blanc pour Voyez comme on danse (10 octobre) ; force est de constater que cette suite d’Embrassez qui vous voudrez (2002) dilue paresseusement un ou deux rebondissements et quiproquos à l’ancienne (genre XIXe siècle) en rentabilisant les personnages caractérisés dans l’opus précédent. Seul Jean-Paul Rouve, très bon en velléit

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Lee Chang-dong : « Je voulais raconter la colère qui se forme chez les jeunes d’aujourd’hui »

Burning | Invité à ouvrir la saison de la Cinémathèque française (qui lui consacre une rétrospective), le cinéaste coréen y a présenté l’avant-première post-cannoise de son nouveau film, "Burning", adapté de Murakami et Faulkner. Conversation privée avec l’auteur de "Peppermint Candy".

Vincent Raymond | Vendredi 31 août 2018

Lee Chang-dong : « Je voulais raconter la colère qui se forme chez les jeunes d’aujourd’hui »

Burning usant volontiers d’une forme métaphorique, comment interpréter votre choix de faire de votre héros Jongsu un écrivain ayant du mal à écrire, sachant que justement vous avez débuté comme écrivain ? L C-d : Effectivement, Jongsu représente un aspirant écrivain, et je voulais montrer un caractère inhérent de ces jeunes gens, au moment où ils se posent beaucoup de questions sur ce qu’ils doivent absolument écrire. J’ai été écrivain. Il y a même un moment où je voulais écrire un roman : après avoir démissionné de mes fonctions ministérielles. Mais autour de moi, les gens étaient furieux, et me disaient de recommencer à faire des films. Alors j’ai abandonné. À présent, je suis un vieux cinéaste (sourire), mais dans mon for intérieur, je pense ne pas avoir trop changé. À chaque fois, je me demande comme un débutant quel film réaliser ; comment dialoguer avec les spectateurs… Cela traduit mes limites et mes faiblesses.

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"En guerre" : La Loi n’a pas dû marcher

On ne Loach rien ! | « Celui qui combat peut perdre. Celui qui ne combat pas a déjà perdu » Citant Brecht en préambule, et dans la foulée de La Loi du marché Stéphane Brizé et Vincent Lindon s’enfoncent plus profondément dans l’horreur économique avec ce magistral récit épique d’une lutte jusqu’au-boutiste pour l’emploi. En compétition Cannes 2018.

Vincent Raymond | Mercredi 16 mai 2018

Quand la direction de l’usine Perrin annonce sa prochaine fermeture, les représentants syndicaux, Laurent Amédéo en tête, refusent la fatalité, rappelant la rentabilité du site, les dividendes versés par la maison-mère allemande aux actionnaires, les sacrifices consentis. Une rude lutte débute… Nul n’est sensé ignorer La Loi du marché (2015), pénultième réalisation de Stéphane Brizé, qui s’intéresse à nouveau ici à la précarisation grandissante des ouvriers et des employés. Mais il serait malvenu de lui tenir grief d’exploiter quelque filon favorable : cela reviendrait à croire qu’il suffit de briser le thermomètre pour voir la fièvre baisser. Mieux vaudrait se tourner vers les responsables de ces situations infernales conduisant le vulgum pecus à crever de préférence la gueule fermée. Des responsables que Brizé, et Lindon son bras armé, désignent clairement, révèlent dans leur glaçant cynisme et la transparence de leur opacité. L

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Mai : Le retour des films prodigues

Panorama mai ciné | Films décalés parvenant enfin (ou pas) sur les écrans, familles séparées finissent par renouer des liens distendus voire coupés… Mai est un mois de retrouvailles. Et de festival, aussi, un peu…

Vincent Raymond | Mercredi 2 mai 2018

Mai : Le retour des films prodigues

On avait annoncé en mars 7 Minuti de Michele Placido, transposant un fait survenu dans une usine d’Yssingeaux en Italie et sous la forme d’un huis clos dans le contexte italien. Sauf qu’il n’était pas sorti à la date escomptée. Est-ce une bonne nouvelle que de le confirmer pour le 9 mai ? Il demeure deux mois plus tard pareillement théâtral et mollasson. Pas de chance en revanche pour l’excellent Mean Dreams de Nathan Morlando, qui devait enfin être sur les écrans le 9 mai, deux ans après sa présentation à la Quinzaine des réalisateurs et un an après l’annonce de sa première date de sortie. On ne connaît pas pour le moment de date de report ; de mauvais augure pour ce qui est sans doute l’ultime rôle du grand Bill Paxton, ici en flic pourri et abusif lancé à la poursuite de sa fille. Tous ensemble, tous ensemble En général, il faut avoir éprouvé la douleur de la distance pour goûter au bonheur des retrouvailles. Sauf pour Le Ciel étoilé au-dessus de ma tête de Ilan Klipper (23 mai) où un écri

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Girls In Hawaii : « Nous sommes des enfants des années 80 »

Entretien | Nocturne est plus électronique que vos précédents albums, était-ce une volonté de départ ? Lionel Vancauwenberghe de Girls In Hawaii : Oui, nous (...)

Nicolas Bros | Mardi 6 février 2018

Girls In Hawaii : « Nous sommes des enfants des années 80 »

Nocturne est plus électronique que vos précédents albums, était-ce une volonté de départ ? Lionel Vancauwenberghe de Girls In Hawaii : Oui, nous souhaitions ajouter de l'électronique dans l'habillage de nos titres. Nous avions déjà touché à cela auparavant avec Luuk Cox, notre producteur. Nous sommes des enfants des années 80. Pendant toute notre jeunesse, nous avons entendu les Depeche Mode, Jacno, Kraftwerk... C'est une période à laquelle nous nous référons beaucoup dans notre sonorité et donc, ce côté plus électronique en est issu. Dans les années 90, nous étions en totale rupture avec cette décennie 80, nous étions très guitare, grunge... Nous en sommes revenus. C'est assez drôle que Nocturne soit, en quelque sorte, notre pacte de paix avec cette époque. Dans une interview, vous expliquiez que « plus vous aviez abordé cet album de manière froide, plus l'émotion revenait de manière différente »... Avec le décès de notre batteur en 2010 et les années qui ont suivi, nous avons dé

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Girls in Hawaii : vers les lueurs

Pop | Après quatre ans d'absence et un album, sublime, consacré à la douleur de la perte d'un de ses membres, le groupe belge Girls in Hawaii renaît une fois de plus à lui même et retrouve la lumière en se tournant vers l'électronique et un rien d'abstraction.

Stéphane Duchêne | Mardi 6 février 2018

Girls in Hawaii : vers les lueurs

La dernière fois qu'on avait eu affaire à Girls in Hawaii, ceux-ci nous avait livré un album de deuil, celui du batteur du groupe et frère du chanteur, Denis Wielemans. À voir débarquer ce Nocturne on se dit, sur la foi de son titre, qu'il s'agit ici d'en prendre la suite. Surtout quand sur l'élégiaque ouverture du disque This Light, le groupe répète « Keep your distance from this light », celle qu'on verrait, blanche, au bout du dernier tunnel. Et pourtant un autre genre de lumière vient rapidement contredire ce titre et celui d'un album plein de couleurs. Le même genre de lumière que celle de l'étoile filante qui éclaire la nuit sur la peinture naïve (une toile du peintre britannique Tom Hammick) qui orne la pochette du disque. À moins qu'il ne s'agisse, suivant l'interprétation qu'on en fait, d'un volcan en éruption. Dans les deux cas, une manière brute et poétique d'éclairer la nuit, de l'embraser, et peut-être même de l'embrasser, d'en accepter l'augure. De se livrer à une métamorphose aussi, d'accomplir un souhait comme on en fait au passage d'une étoile filante, d'entrer en é

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Bric à brac

Galerie | Tout comme le font l’Atelier du Coin et d’autres galeries-boutiques stéphanoises à l’approche de Noël, le Beluga propose une exposition collective qui donne (...)

Niko Rodamel | Lundi 27 novembre 2017

Bric à brac

Tout comme le font l’Atelier du Coin et d’autres galeries-boutiques stéphanoises à l’approche de Noël, le Beluga propose une exposition collective qui donne à ceux qui en manqueraient quelques idées de cadeaux originaux. Les créations des garçons et celles des filles (une trentaine de créateurs au total) se répondent dans un face à face malicieux, de mur à mur (mais aussi dans les vitrines), dans un jeu de doubles et de correspondances, déclinant les voies multiples du portrait. L’occasion de retrouver côte à côte les productions d’artistes stéphanois parmi lesquels Manu Chandès, Deloupy, Claire Malen, Esperanza Pena, Charlotte Piérot, Véronique Vernette, Léna von Busse, Daniela Vincent Jean-Yves… Au programme : acryliques et aquarelles, dessins au Posca ou à l’encre de Chine, tirages argentiques et typographies, photomontages et photogrammes, sérigraphies et carnets, grès et porcelaine papier, collages, gravures sur bois et autres broderies sur coussins. Boys meet girls, une expo en forme de jeu de piste, à découvrir au Beluga jusqu’au 24 décembre, à Saint-Étienne.

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Stéphane Brizé : « J’ai eu l’impression d’avoir l’outil à la forme de ma main »

Entretien | Tout juste quinquagénaire, le cinéaste affiche la satisfaction d’un artisan ayant achevé son Tour de France et son chef-d’œuvre. Une vie, à nouveau, est un grand film.

Vincent Raymond | Mercredi 23 novembre 2016

Stéphane Brizé : « J’ai eu l’impression d’avoir l’outil à la forme de ma main »

Jeanne est un personnage d’une pure intégrité, c’est ce qui fait son malheur ? Stéphane Brizé : Jeanne reste très fidèle au regard qu’elle avait sur le monde à vingt ou quinze ans ; ce qui en fait un être d’une grande pureté. Cet endroit du beau est en même temps celui du tragique : il faut parfois être capable de trahir son regard pour ne pas souffrir. Lorsque la bonne lui dit « vous voyez, la vie c’est jamais si bon ni si mauvais qu’on croit », cette simple phrase dite par une petite paysanne — une phrase sublime, de très haute philosophie — lui fait accéder à la nuance après trente ans de souffrance. Comme si deux nuages s’écartaient pour laisser apparaître cette vérité. Je crois que j’ai voulu faire ce film pour accéder à cette nuance-là. En permettant à Jeanne d’y accéder, j’évite la désillusion, très douloureuse. Quand on est petit, on est doté d’une certaine forme d’idéalisme, ensuite on accède à la réalité et à la duplicité de l’Homme — et c’est une grande violence de voir la pureté qui s’éloigne. Après, on acquiert des outils de défense, il faut essayer de ne pas basculer dans le cynisme, trouver le juste milieu. Jeanne ne sait

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"Une vie" Brizé

ECRANS | Une ingénue sort du couvent pour se marier et mener une existence emplie de trahisons et de désenchantements. Maupassant inspire Stéphane Brizé pour un récit ascétique situé dans un XIXe siècle étrangement réaliste, et habité jusqu’à la moelle par Judith Chemla.

Vincent Raymond | Mercredi 23 novembre 2016

« Plutôt que de tourner “l'adaptation” d’Une vie, Stéphane donnait l’impression de vouloir réaliser un documentaire sur les gens qui avaient inspiré Maupassant ; de faire comme si l’on avait la chance de retrouver des images d’époque, certes un peu différentes du livre : Maupassant ayant pris des libertés et un peu romancé ! » Jean-Pierre Darroussin, qui incarne le père de Jeanne — un hobereau quasi sosie de Schubert —, a tout dit lorsqu’il évoque sa compréhension du projet artistique, voire du postulat philosophique de Stéphane Brizé. Il y a en effet dans la démarche du réalisateur une éthique de vérité surpassant le classique désir de se conformer à la véracité historique pour éviter l’anachronisme ballot. Nulle posture, mais une exigence participant du conditionnement général de son équipe : plutôt que de mettre en scène le jeu de comédiens dans l’ornière de la restitution de sentiments millimétrés, Brizé leur fait intérioriser à l’extrême le contexte. Ils éprouvent ainsi le froid ambiant sans recourir à un vêtement contemporain pour s’en prémunir, ou s’éclairent à une lumière exclusivement dispensée par des bougie

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"Juste la fin du monde" : Dolan au début d’un nouveau cycle ?

ECRANS | Ébauche de renouveau pour Xavier Dolan qui adapte ici une pièce de Lagarce, où un homme vient annoncer son trépas prochain à sa famille dysfonctionnelle qu’il a fuie depuis une décennie. Du maniérisme en sourdine et une découverte : Marion Cotillard, en comédienne.

Nicolas Bros | Mercredi 21 septembre 2016

La parentèle recuite dans sa rancœur d’un côté ; de l’autre le fils prodigue… C’est une bien belle collection de menteurs et de névrosés qui défile. De lâches, aussi. Ensemble ou séparément, ils ne parviennent pas à extérioriser ni leur amour, ni leur haine. Dans la présence des corps, c’est l’absence des mots qui les foudroie. La pièce de Lagarde dont Dolan s’est emparée est un de ces psychodrames familiaux à la Festen, où jamais les traumas originels n’arrivent à s’exprimer, ni les abcès à se vider. Personne n’a le luxe de respirer dans cette succession de têtes à têtes : à la canicule s’ajoute l’oppression de gros plans implacables entravant jusqu’au mouvement de la pensée. Comment peut-on être aussi seul en coexistant à plusieurs, aussi éloignés en ayant tant en commun ? Cotillard, épure et pure Avouons que l’on redoutait la surenchère de têtes d’affiches ; on la craignait comme un artifice obscène, un signe extérieur de richesse vulgaire, un mesquin coupe-file pour la Croisette… Oubliant qu’une réunion de comédiens de renom dans un quasi huis clos les condamne à se mesurer les uns aux autres ; accent

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Gaspard Ulliel : « La parole sert de fuite, tout est dans le non-dit »

Juste la fin du monde | Acteur discret et intérieur, Gaspard Ulliel incarne Louis, le pivot de Juste la fin du monde. Xavier Dolan et lui reviennent sur la genèse de ce film, ainsi que leur rapport à l’écriture de l’auteur, Jean-Luc Lagarce…

Vincent Raymond | Lundi 19 septembre 2016

Gaspard Ulliel : « La parole sert de fuite, tout est dans le non-dit »

Ce film marque-t-il, selon vous, un moment crucial dans votre carrière ? Xavier Dolan : Oui. Ce n’est pas un “entre-film” ; je ne l’ai pas fait envers ou en en attendant un autre. Les choses se prolongeaient sur la préparation de The Death and Live of John F. Donovan et moi, j’avais besoin de tourner, de raconter une histoire. Si on m’avait appelé pour me dire « on peut faire Donovan tout suite », j’aurais dit « trop tard, c’est celui-ci que je fais. » Quels rapports aviez-vous avec cette pièce de Lagarce et de manière plus générale, avec son théâtre ? X. D. : Un rapport un peu ignare. Je n’ai pas lu toute son œuvre et je n’ai jamais vu ses pièces jouées sur scène. Anne Dorval un jour m’a parlé d’une pièce que je devais absolument lire, qui lui avait été donnée de jouer, absolument inoubliable, « faite sur mesure pour moi » selon ses mots. J’ai ramené chez moi son grand cahier — son texte de théâtre, en fait — avec ses annotations en marge, les déplacements... J’ai commencé à lire la pièce et je n’ai pas été co

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The Danish girl

ECRANS | De Tom Hooper (GB, 2h) Avec Eddie Redmayne, Alicia Vikander, Ben Whishaw…

Vincent Raymond | Mardi 19 janvier 2016

The Danish girl

Cela va finir par se voir : certains réalisateurs et comédiens n’aspirent qu’à garnir leur cheminée de trophées. Peu leur importe le film, du moment qu’il satisfait à quelques critères d’éligibilité : biopic avec sujet concernant, pathos et performance d’interprète bien apparente. Sa sinistre parenthèse Les Misérables refermée, Tom Hooper renoue donc avec le portrait académique en jetant son dévolu sur Einar Wegener, peintre danois(e) entré(e) dans l’Histoire pour avoir fait l’objet d’une opération de réattribution sexuelle. Mais Hooper, léger comme un bison scandinave, tangue entre clichés niais et ellipses hypocrites – ah, la ridicule propension à occulter les aspects biographiques trop abrupts ! Il ne suffit pas de costumer un acteur aux traits androgynes pour créer un personnage authentique, ni de lui demander d’exécuter des poses délicates et des grimaces pleines de dents comme Jessica Chastain pour figurer le trouble ou l’émoi. L’inspiration et l’originalité du Discours d’un roi semblent, décidément, taries…

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Qu’as-tu vu à la guerre, Johnny ?

ECRANS | Si la question de la mort choisie fait l’objet en ce moment d’une mise en lumière particulière grâce au film de Pascale Pouzadoux La Dernière Leçon (04/11), (...)

Vincent Raymond | Mardi 3 novembre 2015

Qu’as-tu vu à la guerre, Johnny ?

Si la question de la mort choisie fait l’objet en ce moment d’une mise en lumière particulière grâce au film de Pascale Pouzadoux La Dernière Leçon (04/11), adapté du livre de Noëlle Châtelet, elle traverse le cinéma depuis des années, avec des œuvres ayant contribué à porter à la connaissance du grand public cette problématique douloureuse. La Cinémathèque de Saint-Étienne en projette une significative jeudi 12 novembre à 18h dans le cadre de l’événement « Une ville en partage » : Johnny got his gun (Johnny s’en va-t-en guerre, 1971). Unique réalisation de Dalton Trumbo — l’un des « 10 d’Hollywood » à avoir été blacklistés par le Macchartysme —, il s’agit à la fois d’une leçon de cinéma et d’humanisme : on y suit en effet en « vision » subjective le ressenti d’un soldat étasunien de la Grande Guerre gravement mutilé au front — il ne reste de lui qu’un tronc et un fragment de visage. Privé de l’ouïe, de la vue, Johnny vit dans ses souvenirs (sa jeunesse, sa famille, l’ivresse du départ, ses étreintes avec sa fiancée…) et tente de faire comprendre à son entourage qu’il est encore, malgré tout, conscient

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La Loi du Marché

ECRANS | Comment un chômeur de longue durée se retrouve vigile et fait l’expérience d’une nouvelle forme d’aliénation par le travail : un pamphlet de Stéphane Brizé, radical dans son dispositif comme dans son propos, avec un fabuleux Vincent Lindon. Critique et propos du cinéaste. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mercredi 27 mai 2015

La Loi du Marché

Thierry, 51 ans, 20 mois de chômage derrière lui, constate avec calme l’aporie sociale dans laquelle il se trouve : d’abord face à un conseiller Pôle Emploi qui a bien du mal à lui donner le change, puis à la table d’un café où ses anciens collègues syndiqués tentent de lui expliquer qu’il faut attaquer le mal à la racine. Et la racine, c’est la malhonnêteté et l’avarice du patron qui les a licenciés. Mais Thierry n’en démord pas : il veut seulement du travail pour sortir de cette foutue précarité dans laquelle il se trouve, cesser d’épousseter les meubles et faire vivre sa famille — dont un fils handicapé. Alors, de guerre lasse, il accepte un emploi de vigile dans un centre commercial, où on l’initie à la surveillance des clients, mais aussi des autres employés. L’itinéraire de Thierry a tout de la fiction édifiante, proche sur le papier de ceux accomplis par les personnages des frères Dardenne. Mais Stéphane Brizé a sa propre manière de filmer conflits moraux et injustices sociales liés au monde du travail. Celle-ci repose, comme c’était déjà le cas dans son très beau film précédent,

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Stéphane Brizé en visio-conférence

ECRANS | Le Méliès réussit un nouveau joli coup dans sa programmation de séances de cinéma suivies ou précédées par des rencontres en visio-conférence avec des réalisateurs ou (...)

Nicolas Bros | Mercredi 27 mai 2015

Stéphane Brizé en visio-conférence

Le Méliès réussit un nouveau joli coup dans sa programmation de séances de cinéma suivies ou précédées par des rencontres en visio-conférence avec des réalisateurs ou des acteurs. Ce soir, ce sera au tour de Stéphane Brizé, réalisateur de La Loi du Marché, film primé à Cannes pour la performance impressionnante de réalisme de Vincent Lindon, de se prêter au jeu des questions-réponses. Rendez-vous est donné à 20h10 au Méliès Jean Jaurès. Projection de La Loi du Marché à 20h10 au Méliès Jean Jaurès + rencontre en visio-conférence avec Stéphane Brizé, réal., au Méliès Café

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A girl at my door

ECRANS | De July Jung (Corée du Sud, 1h59) avec Doona Bae, Kim Sae-Ron…

Christophe Chabert | Mercredi 12 novembre 2014

A girl at my door

Sitôt vu, sitôt oublié à Cannes dans la section Un certain regard, ce drame sud-coréen avait pour ambassadeur son prestigieux producteur, Lee Chang-Dong. Au premier abord, cette peinture cruelle d’une commissaire de police de Séoul mutée dans un bled où elle décide de prendre la défense d’une jeune fille qui s’est réfugiée chez elle, rappelle par son inscription géographique (la Province sud-coréenne) et son point de vue (une femme au bord de la rupture intérieure) le sublime Secret sunshine. Mais là où Lee Chang-Dong est capable de désamorcer tout ce qui pourrait virer à la thèse par la force de son écriture et de sa mise en scène, July Jung pense qu’il faut empiler les sujets sensibles pour livrer un film fort. L’escalade est ici infernale : harcèlement, mauvais traitements, pédophilie, corruption, homophobie… A girl at my door croule ainsi sous les intentions au point de virer au ridicule, d’autant plus que le film ne prend absolument aucun risque visuel, se contentant d’un réalisme gluant qui est la marque d’un world cinema d’auteur définitivement calibré pour les festivals internationaux. Christophe Chabert

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Gone Girl

ECRANS | Film à double sinon triple fond, Gone Girl déborde le thriller attendu pour se transformer en une charge satirique et très noire contre le mariage et permet à David Fincher de compléter une trilogie sur les rapports homme / femme après The Social Network et Millenium. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Lundi 6 octobre 2014

Gone Girl

Dans le commentaire audio de The Game, David Fincher affirme qu’il avait tourné là son dernier film pensé pour le soir de sa «première». Tournant majeur qui consiste à ne plus vouloir scotcher le spectateur sur son siège par une succession d’effets de surprise, mais à s’inscrire dans un temps plus long où le film gagnerait en profondeur et en complexité, révélant à chaque vision de nouvelles couches de sens. C’est ce qui a fait, en effet, le prix de Fight club, Zodiac et The Social Network. Gone Girl, cependant, a les apparences du pur film de «première» : le calvaire de Nick Dunne, accusé de la disparition de sa femme le jour de leur cinquième anniversaire de mariage, repose sur un certain nombre de retournements de situations importés du roman de Gillian Flynn qu’il convient de ne pas révéler si l’on veut en préserver l’efficacité. La matière est donc celle d’un bon thriller psychologique : un écrivain raté et falot est transformé en coupable idéal par des médias avides de scoop, le tout raconté par une série d’allers-retours entre le présent de la narration et les confessions tirées du journal in

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Mommy

ECRANS | De Xavier Dolan (Can, 2h18) avec Antoine-Olivier Pilon, Anne Dorval, Suzanne Clément…

Christophe Chabert | Lundi 6 octobre 2014

Mommy

L’encensement précoce de Xavier Dolan ne pouvait conduire qu’à l’accueil exagérément laudatif qui a été celui de Mommy au dernier festival de Cannes. Disproportionné mais logique : même bancal, même inégal, c’est son meilleur film, celui où il s’aventure dans des directions nouvelles, mais bien plus maîtrisées que dans son précédent Tom à la ferme. La première heure, notamment, est vraiment excitante. Si on excepte une inexplicable mise en perspective futuriste du récit, la description de cet Œdipe hystérique entre un adolescent hyperactif et colérique et sa maman borderline et débordée, dans laquelle se glisse une enseignante névrosée qui va tenter de dompter le gamin, permet à Dolan de s’adonner à une comédie furieuse et décapante, remarquablement servie par son trio d’acteurs, tous formidables, et par cette langue québécoise incompréhensible mais fleurie. Même le choix d’un cadre rectangulaire et vertical façon écran d’IPad est habilement géré par la mise en scène, redéfinissant les notions de plans larges et de gros plans — dommage qu’il

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Fincher en plan(s) libre(s)

ECRANS | En ouverture de la belle saison de Plan(s) Libre(s), le ciné-club des écoles supérieures de Saint-Étienne, une soirée David Fincher, avec son fameux Social Network et l’événement Gone girl, fraîchement débarqué sur les écrans. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 30 septembre 2014

Fincher en plan(s) libre(s)

Il est aujourd’hui un des rares cinéastes américains dont le nom fait frémir d’excitation tous les cinéphiles : David Fincher n’est pas encore Stanley Kubrick, mais chacun de ses films est désormais la promesse d’un mélange rare entre spectacle et signature personnelle. Ses galons, ils les a glanés en quatre temps : d’abord, l’électrochoc Seven, thriller nietzschéen d’une noirceur proportionnelle à l’éclat de sa mise en scène ; puis la controverse Fight club, honni par la critique, adulé par une génération de spectateurs qui en ont fait plus qu’un film culte, un résumé des angoisses qui ont pu les saisir au crépuscule du XXe siècle ; ensuite, ce fut Zodiac, merveille du film noir, où l’on découvrait un Fincher plus sobre, converti au numérique dont il deviendra l’utilisateur le plus audacieux ; et enfin, The Social Network, qui faisait de ce même numérique un sujet mais aussi une critique, le portrait de Mark Zuckerberg, étant le prétexte à un impressionnant réseau de temporalités enchevêtrées qui, plutôt que d’éclaircir la figure du fondateur de Facebook, la figeait comme une surface aussi indéchiffrable que les pages de code de l’Internet. C

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Vent de jeunesse sur la rentrée cinéma

ECRANS | Moins flamboyante que l’an dernier, la rentrée cinéma 2014 demandera aux spectateurs de sortir des sentiers battus pour aller découvrir des films audacieux et une nouvelle génération de cinéastes prometteurs. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mercredi 3 septembre 2014

Vent de jeunesse sur la rentrée cinéma

Si l’extraordinaire Leviathan ne lui avait ravi in extremis la place de chouchou de la rentrée cinéma, nul doute qu’elle aurait échu à Céline Sciamma et son très stimulant Bande de filles (sortie le 22 octobre). Troisième film de la réalisatrice déjà remarquée pour son beau Tomboy, il suit le parcours de Meriem, adolescente black banlieusarde qui refuse la fatalité d’une scolarité plombée et se lie d’amitié avec une «bande de filles» pour faire les quatre cents coups, et en donner quelques-uns au passage afin d’affirmer sa virilité dans un monde où, quel que soit son sexe, la loi du plus fort s’impose à tous. Cette éducation par la rue et le combat n’est pas sans rappeler les deux derniers films de Jacques Audiard ; Un prophète en particulier, puisque Sciamma cherche elle aussi à filmer l’éclosion dans un même mouvement d’une héroïne et d’une actrice — formidable Karidja Touré. S’il y a bien une comédienne qui est en train d’exploser sur les écrans, c’est d’évidence Shailene Woodley. Star de la saga teen

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Cannes 2014, jour 2. Girls power.

ECRANS | Bande de filles de Céline Sciamma. Party girl de Marie Amachoukeli, Claire Burger et Samuel Theis. White bird in a blizzard de Gregg Araki.

Christophe Chabert | Vendredi 16 mai 2014

Cannes 2014, jour 2. Girls power.

Deuxième jour à Cannes, et déjà l’école buissonnière hors de la compétition. Il faut dire que le jeudi est traditionnellement le jour de l’ouverture des sections parallèles, et comme elles sont assez alléchantes cette année, on peut très bien remettre à plus tard la projection du dernier Mike Leigh (2h30 sur le peintre Turner, c’est vrai qu’en début de festival, c’est sans échauffement).   C’est un hasard, mais il est réjouissant : les femmes ont pris le pouvoir dans les trois films vus aujourd’hui, et notamment dans ce qui constitue le premier choc de Cannes, le nouveau film de Céline Sciamma, Bande de filles. Après Naissance des pieuvres et Tomboy, Sciamma confirme qu’elle n’est plus très loin d’être une de nos grandes cinéastes, et ce troisième opus démontre une inéluctable montée en puissance qui n’est pas sans rappeler celle d’un Jacques Audiard. Avec qui elle partage une intelligence du scénario et de la mise en scène, mais surtout l’envie de faire émerger conjointement des héro(ïne)s et des comédien(ne)s qui vont hanter longtemps l’esprit du spectateur, via des trajets de fiction puissants et authentiquement cont

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Tom à la ferme

ECRANS | Même s’il affirme une sobriété inédite dans sa mise en scène, Xavier Dolan échoue dans ce quatrième film à dépasser le stade de la dénonciation grossière d’une homophobie rurale dont il se fait la victime un peu trop consentante. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Jeudi 17 avril 2014

Tom à la ferme

Un discours d’adieu écrit à la peinture bleue sur du papier cul, une reprise des Moulins de mon cœur de Michel Legrand, une crise d’hystérie en bord de route : Tom à la ferme démarre en caricature du cinéma de Xavier Dolan, mélange d’immaturité et de pose qui nous l’a d’abord rendu insupportable, avant qu’il ne réussisse à en extraire d’authentiques fragments de sidération dans son beau quoi qu’inégal Laurence anyways. Surprise ensuite : le film adopte une sobriété inattendue pour raconter l’arrivée de Tom (Dolan lui-même) dans la ferme familiale de son ancien compagnon décédé. La musique de Gabriel Yared, le climat lourd de menaces et quelques clins d’œil appuyés lorgnent vers le thriller à la Hitchcock, mais la peinture de cette famille hypocrite et sadique rappelle plutôt le cinéma de Chabrol, Que la bête meure en premier lieu. Dolan brouille ainsi les motifs qui conduisent Tom à s’éterniser sur les lieux du "crime" — désir de vengeance ? Volonté de témoignage ? Attirance-répulsion envers ses hôtes, et notamment le frère brutal, homophobe autant qu’homo refoulé ? — laissant s’installer une tension anxiogène qui met de côté la tentat

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«Des sentiments, pas de sentimentalisme»

ECRANS | Stéphane Brizé, réalisateur de Quelques heures de printemps, cinquième film de cet amoureux des silences gênés, des plans séquences qui donne «vertige» et d’un cinéma qui créerait des émotions (fortes). Propos recueillis par Christophe Chabert

Christophe Chabert | Lundi 17 septembre 2012

«Des sentiments, pas de sentimentalisme»

Comment en êtes-vous venu à écrire ce scénario original, après l’adaptation d’Éric Holder pour Mademoiselle Chambon ?Stéphane Brizé : Mademoiselle Chambon était pour l’instant l’exception, c’était la seule adaptation que j’avais faite jusqu’ici. Après, comment naît une histoire, c’est une question que l’on pose régulièrement aux réalisateurs, et ils répondent en général que c’est assez mystérieux. Dans mon cas, c’est très organique : quelque chose dans ma vie me pousse vers une histoire. Il y a deux choses ici : la difficulté de communication entre un fils et sa mère, c’est autour de cela que l’on a tout structuré ; et un autre élément dramaturgique fort, le choix de cette femme de mettre fin à ses jours par un suicide assisté. Ça, c’est particulier, je crois que c’est la première fois qu’on le voit dans une fiction. Ça étonne, ça questionne, ça fait écho à des choses qui sont évoquées en ce moment par les politiques. Pourquoi l’histoire entre un fils et sa mère ? J’ai déjà écrit des histoires autour des liens familiaux, et j’étais mûr pour parler de celui-là. Ce n’e

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Quelques heures de printemps

ECRANS | Un fils sort de prison et renoue des rapports électriques avec sa mère malade. Avec ce film poignant emmené par une mise en scène sans psychologie ni pathos et deux comédiens incroyables, Stéphane Brizé s’affirme comme un grand cinéaste. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Lundi 17 septembre 2012

Quelques heures de printemps

C’est un malentendu qui persiste et qui s’agrandit : un fils, Alain, et sa mère, Yvette, deux échoués de la classe moyenne dans une banlieue pavillonnaire en Bourgogne. Lui vient de purger un an et demi de prison pour une connerie qui lui a coûté cher, elle souffre d’une tumeur au cerveau dont l’avancée inéluctable la pousse à envisager un suicide assisté en Suisse. Les voilà à nouveau sous le même toit, mais les épreuves ne les rapprochent pas ; au contraire, le fossé du ressentiment qui a toujours existé entre eux se creuse encore. Un ressentiment qui est surtout affaire de non-dits. Dans Mademoiselle Chambon, Stéphane Brizé mettait en scène des silences qui en disaient long sur le désir et le sentiment amoureux ; avec Quelques heures de printemps, le silence se fait douloureux, blessant, cruel. Commencé à la manière d’Un mauvais fils de Sautet, le film bifurque peu à peu vers un territoire qui lui est propre, où le cinéaste observe la dernière tentative de communication entre Alain et Yvette avec un vérisme constant (de l’accent des personnages à la déco des intérieurs, c’est une observation maniaque et en même temps discrète de cette France du mili

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