Ladj Ly : « Ma banlieue est joyeuse, mais ça peut partir en vrille »

Les Misérables | Il y a quelques années, Ladj Ly tournait Les Misérables, court métrage matriciel dont l’accueil a permis (dans la douleur) la réalisation de son premier long en solo. Primé à Cannes, il est à présent en lice pour représenter la France dans la course à l’Oscar du meilleur film étranger.

Vincent Raymond | Mercredi 20 novembre 2019

Photo : ©Renaud Konopnicki


Comment vous êtes-vous remis dans l'énergie du court métrage ?

Ladj Ly : J'avais toujours eu cette idée de faire un long métrage : plein de séquences étaient écrites. Mais comme vous savez, c'est le parcours du combattant de tourner un long. J'ai voulu faire le court pour rassurer et montrer que j'étais capable de faire de la fiction et des trucs cool. Ça aurait pu tomber à l'eau, mais j'étais convaincu par cette stratégie. Et puis, je savais ce que je voulais : mon énergie était déjà là. Ce court a bien marché dans les festivals, puisqu'on a gagné un quarantaine de prix. Et malgré ça, on a quand même eu du mal à financer le long…

Malgré votre parcours et À voix haute, vous aviez encore besoin de prouver des choses ?

Clairement. Ça fait 20 ans qu'on fait des films avec Kourtajmé ; notre parcours est assez riche, avec des clips, du long du documentaire… Mais malgré tout ça, c'est compliqué de faire financer un projet. J'ai galère à financer le film alors que la même année j'avais eu mon court et mon documentaire sélectionnés aux César. C'est un problème !

A quoi l'attribuez-vous ? Au fait que vous ayez pris de chemins de traverse ?

On sait tous que ce genre de sujet est compliqué : un banlieusard qui fait un film sur la banlieue, qui veut traiter de sujets sensibles, quelque part, c'est pas évident.

Aujourd'hui, vous vous retrouvez en compétition pour les Oscars, sans l'avoir voulu ou presque…

Clairement, je ne l'ai jamais voulu ! Je voulais juste financer un fil, . Et c'était déjà pour moi une victoire. De fil en aiguille, on se rend compte qu'on va en sélection officielle à Cannes, que je suis le premier franco-africain en compétition ; quelques mois après on apprend qu'on est lice pour les Oscars, qu'on représente la France… Entre-temps on a gagné une dizaine de prix pour le film qui n'est même pas encore sorti, donc c'est complètement fou, oui.

Les Misérables est construit comme une spirale : il s'ouvre sur un mouvement joyeux, avec l'idée d'une concorde nationale et se avance en accélérant en suivant une logique d'enferment et de réclusion absolue.

es gens ont l'image que tout le monde est méchant et que c'est triste dans la banlieue… Ma banlieue est tellement joyeuse ; il y a une énergie folle mais aussi ce truc qui fait qu'à tout moment, ça peut dégénérer. Dans cette première séquence de la Coupe du Monde, c'est joyeux mais en même temps il y a une tension. La musique apporte un truc : c'est joyeux mais ça peut partir en vrille. On ne sait pas quand ça va dégénérer, la tension est omniprésente.

Et puis, dans la première moitié du film, on est vraiment en immersion, on prend le temps dans le quartier, de découvrir les gens et de voir comment ça se passe. À partit du moment où l'on a fini cette petite immersion, on entre dans le vif du sujet…

L'immersion se fait grâce au « bacqueux extérieur » arrivé de sa province…

J'ai trouvé intéressant de raconter cette histoire à travers son regard, c'est-à-dire celui du nouveau qui découvre la Cité et ne connaît pas du tout cet univers. Personne n'aurait attendu cette histoire du point de vue d'un policier ; je trouvais ça plus intéressant et plus malin.

Vous avez tourné ce film un an avant la séquence dite des « Gilets jaunes ». Imaginiez-vous que vous auriez raison à ce point là ?

Il y a des gilets oranges dans le film, c'est pas loin ! (sourire) Le sujet, on le connaît un peu : on sait ce que c'est que vivre dans des conditions dures et avec les violences policières. Avec le mouvement des Gilet Jaunes, les Français découvrent que la Police française est violente. Mais ça date pas d'aujourd'hui. Merci les GJ d'avoir mis en lumière les violences policières et toutes les difficultés que l'on peut rencontrer dans ce pays.

Qu'est-ce qui fait que les artistes semblent anticiper les faits sociaux ?

Pour ma part, je suis sur le terrain. J'ai grandi à Montfermeil, j'y habite toujours ; je sais ce qui se passe contrairement aux politiques qui sont dans leur petite bulle, pas au courant de ce qui se passe dans la réalité. Nous, en tant qu'artistes, on est forcément connecté avec la vraie vie, en fonction du travail qu'on fait. Je parle de banlieue, je connais la banlieue.

Je viens du documentaire ; je pars du principe que documentaire ou fiction, pour moi c'est pareil : c'est un témoignage que j'apporte. Ici, j'ai trouvé l'exercice intéressant de ramener le documentaire dans la fiction et d'avoir ce mélange pour qu'on se demande si c'est de la fiction ou pas. Par moments, j'ai voulu grader cette couche documentaire très réaliste, caméra épaule. C'est ma marque de fabrique, quelque part. Je vais continuer dans cette façon de faire la fiction mêlée au documentaire. J'aime beaucoup les deux.

Vous avez beaucoup travaillé en collectif ou en duo. Le passage en solo est-il définitif ?

C'est en fonction des projets, il n'y a pas de règle. Quand le projet m'intéresse, j'y vais. Si on doit le réaliser à 4, ça ne me dérange pas du tout. Après, j'ai mes projets perso. Je ne me dis pas que je veux réaliser mes projets tout seul. Je suis assez ouvert, je n'ai pas de problème avec ça.

L'idée du collectif est dans l'ADN de Kourtrajmé ; elle intègre aussi désormais la transmission dans l'école que vous avez créée…

L'idée c'est de renvoyer la balle, de faire partager notre expérience. Je l'ai créée il y a un an, on forme 30 jeunes aux métiers du scénario, de la réalisation et de la postproduction. On a produit 5 courts métrages, on développe déjà 2 longs. C'est concret : les gens qui arrivent ne partent de rien et à la fin, ils parviennent à faire leur film. Ce concept d'école qu'on a développé nous tient à cœur : on en a ouvert une à Montfermeil-Clichy ; on en ouvre une autre à Angoulême l'année prochaine, en Afrique. L'idée, c'est d'en ouvrir partout.

Kourtrajmé va devenir un label respectable alors qu'il est né en marge des réseaux…

Exactement. On est partis d'un collectif de potes, on toujours voulu être hors cadre. Depuis toujours, on disait le cinéma français nous faisait chier. On voulait faire nos trucs à nous, avec notre énergie. Mais notre école est très peu soutenue : ça se fait avec des bonnes énergies, des potes qui aident. C'est “Kourtrajmé style“. C'est important, c'est notre identité. On continue tous à se conseiller sur nos projets. C'est une famille qui a pris son envol : Kim Chapiron, Romain Gavras, Mouloud Achour sur Canal+…

Kim Chapiron a dû partir aux État-Unis pour mener à bien certains projets. Redoutez-vous d'avoir à en faire autant ?

Pour l'instant, c'est pas une envie. Peut-être dans quelques années, ça viendra peut-être avec le temps. J'ai déjà les deux prochains prévus à tourner alors pour l'instant, je me concentre ici. J'ai d'autres choses à faire avant de partir.

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"Canción sin nombre / Nuestras Madre" : L’une sort en salle, l’autre pas

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"Vivarium" : Restez chez vous…

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"Le Lac aux oies sauvages" : Pêche à l’homme

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Vincent Raymond | Mercredi 18 décembre 2019

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"Une vie cachée" : Celui qui croyait au Ciel et à la terre

Biopic à la Malick | L’inéluctable destin d’un paysan autrichien objecteur de conscience pendant la Seconde Guerre Mondiale, résistant passif au nazisme. Ode à la terre, à l’amour, à l’élévation spirituelle, ce biopic conjugue l’idéalisme éthéré avec la sensualité de la nature. Un absolu de Malick, en compétition à Cannes 2019.

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"Les Misérables" : La Cité a craqué

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Vincent Raymond | Mercredi 20 novembre 2019

Arrivant de sa province cherbourgeoise, Stéphane débarque dans une unité de BAC d’une cité de banlieue, Montfermeil, pour faire équipe avec Chris et Gwada. Si les méthodes du premier le heurtent, une série d’événements dramatiques vont le contraindre à faire corps. Malgré lui. Voyez l’affiche des Misérables : une foule en liesse, tricolore — multicolore, même —, défilant sur les Champs-Élysées en direction de l’Arc de Triomphe. Tournées à l’occasion de la victoire de la France lors de Coupe du monde de football 2018, ces images ouvrant le film (rappelant au passage le goût pour le documentaire de Ladj Ly), forment un bien singulier prologue. Prises sur le vif, elles sont certes les plus indiscutablement “authentiques“ de cette fiction, mais rétrospectivement, elles paraissent tellement déconnectées de la réalité ! La communion et la concorde populaires qu’elles reflètent ne cesseront en effet d’être démenties par la suite. Jusqu’ici tout va mal Comme pour l’injustement mésestimé Mauvaises Herbes de Kheiron, la référence à Victor Hugo est explicite dans cette chronique d

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Vincent Raymond | Mercredi 13 novembre 2019

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Marc du Pontavice : « Il faut prendre des risques et suivre très loin ses convictions »

J’ai perdu mon corps | Seul contre tous (ou presque), le patron de Xilam a voulu et porté ce projet atypique, s’inscrivant dans le sillage des grands producteurs indépendants voyant au-delà du tiroir-caisse, l'œuvre en devenir dans le projet cinématographique. Un exemple et un avertissement pragmatique à l’adresse des circuits traditionnels, décidément trop formatés…

Vincent Raymond | Mercredi 13 novembre 2019

Marc du Pontavice : « Il faut prendre des risques et suivre très loin ses convictions »

En 2015, lors de la présentation du pitch du film au Carton Movie de Lyon, vous confiiez qu’il s’agissait d’un projet difficile à monter… Marc du Pontavice : On savait qu’on allait affronter vents et tempêtes pour le faire. Et ça a été pire : en-dehors du soutien des Régions et d’un peu d’argent que le CNC nous a accordés au titre des nouvelles technologies, on n’a rien eu. On a donc dû y aller tout seuls ! C’est un film qui a été financé à 50% sur les fonds propres de Xilam. Il y a peu, Coppola disait à Lyon que plus personne n’était aventureux dans le cinéma, à part les indépendants… C’est un bon exemple ! Très modestement, je suis heureux de me mettre dans les traces de Monsieur Coppola, qui un exemple d’aventurier du cinéma. Parfois, si l’on veut repousser des frontières, renouveler l’offre du cinéma avec des programmes qui ne sont pas fabriqués pour rentrer dans le système, il faut effectivement être aventureux ; prendre des risques et suivre très très loin ses convictions. Dans notre mé

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Jérémy Clapin : « J’ai dû “détruire“ le roman pour construire le film. »

J’ai perdu mon corps | Avant de remporter le Grand Prix de la Semaine de la Critique (une première pour un film d’animation) et le Cristal à Annecy, le premier long métrage de Jérémy Clapin a connu une lente maturation en dialogue et confiance avec son producteur ainsi que l’auteur du roman (et coscénariste) Guillaume Laurant.

Vincent Raymond | Mercredi 13 novembre 2019

Jérémy Clapin : « J’ai dû “détruire“ le roman pour construire le film. »

Comment le livre dont est inspiré J’ai perdu mon corps, Happy Hand, vous est-il tombé entre les mains ? Il semble vous avoir été destiné… Jérémy Clapin : On le doit à mon producteur, Marc du Pontavice. Il a demandé à me rencontrer en 2011 après avoir vu mes courts métrages : dans tous mes films, il y a un élément fantastique qui vient interroger la réalité. Cette intrusion du fantastique me permet d’aborder des thèmes plus délicats à aborder frontalement, d'éclairer certaines zones d’ombre. Ce n’est pas un fantastique gratuit juste parce qu’il est spectaculaire ; il parle d’autre chose que du sujet lui-même. Comme dans le réalisme magique dans la littérature sud-américaine ? Oui : la combinaison des deux crée une autre réalité qu’on accepte en tant que telle. Et ces éléments fantastiques et réels sont séparés, chacun appartenant à leur monde, ils fabriquent une autre réalité. Mais ça c’est très présent aussi dans la littérature asiatique, japonaise, notamment chez Murakami, o

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"Le Traître" : Paroles contre parole

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"Atlantique" : Eau-delà

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Dakar, de nos jours. Lassés de travailler sans être payés, les ouvriers d’un chantier décident de quitter le pays dans une embarcation de fortune qui chavire en mer. Mais leurs esprits reviennent posséder les vivants et réclamer justice pour les vies qui leur ont été volées… La vie actuelle est-elle à ce point si désespérante qu’il faille se résigner à recourir à des extensions post mortem pour pouvoir la vivre pleinement ? C’est un peu le sentiment que l’on éprouve face à la déferlante de films de zombies, revenants et autres fantômes dont nos écrans sont les réceptacles depuis quelques semaines. Ces non-morts à qui la paix du repos a été refusée viennent hanter les vivants comme des incarnations — souvent désincarnées — de leur mauvaise conscience, dans une mouvement de balancier moral très judéo-chrétien. Amalgamant une situation sociale et géopolitique (le drame des réfugiés économique) à une structure fantastique, Atlantique est représentatif de cette tendance. Et s’il parle d’une histoire d’amour interrompue entre Ada et Suleiman avant que d’avoir été consommée, il y est surtout question de possession

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"Portrait de la jeune fille en feu" : Consumée d’amour

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Fin XVIIIe. Officiellement embauchée comme dame de compagnie auprès d’Héloïse, Marianne a en réalité la mission de peintre la jeune femme qui, tout juste arrachée au couvent pour convoler, refuse de poser car elle refuse ce mariage. Une relation profonde, faite de contemplation et de dialogues, va naître entre elles… Il est courant de dire des romanciers qu’ils n’écrivent jamais qu’un livre, ou des cinéastes qu’ils ne tournent qu’un film. Non que leur inspiration soit irrémédiablement tarie au bout d’un opus, mais l’inconscient de leur créativité fait ressurgir à leur corps défendant des figures communes ; des obsessions ou manies constitutives d’un style, formant in fine les caractéristiques d’une œuvre. Et de leur singularité d’artiste. Ainsi ce duo Héloïse-Marianne, autour duquel gravite une troisième partenaire (la soubrette), rappelle-t-il le noyau matriciel de Naissance des pieuvres (2007) premier long métrage de Céline Sciamma : même contemplation fascinée pour une jeune femme à l’aura envoûtante, déjà incarnée par Adèle Haenel, mêmes souffrances dans l’affirmation d’une identité intime.

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"Bacurau" : Qui s’y frotte…

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Arnaud Desplechin : « J’arrive enfin à rendre hommage à un Roubaix que j’adore »

Roubaix, une lumière | Arnaud Desplechin délaisse, en apparence, la veine introspective pour signer un film noir tiré d’un fait divers authentique survenu dans sa ville natale. Rencontre le cinéaste autour de la genèse de cette œuvre, sa méthode, ses doutes et ses joies. Mais aussi du théâtre… (attention, spoilers)

Vincent Raymond | Mardi 20 août 2019

Arnaud Desplechin : « J’arrive enfin à rendre hommage à un Roubaix que j’adore »

La tension est-elle un peu retombée depuis Cannes ? Arnaud Desplechin : C’était très intense ! Le soir de la projection a été un moment assez bouleversant pour chacun des acteurs. Il y a eu deuxième ovation pour eux et j’ai vu Roschdy qui était comme un petit garçon. Il y a un amour des acteurs spécifique à Cannes : c’est le seul endroit où vous pouvez offrir aux acteurs cet accueil-là. Avec les photographes, les sourires, les encouragements, il y a tout un rituel qui est mis en place… Alors, quand vous pouvez offrir ça aux acteurs qui vous ont tant donné pendant le tournage, c’est très, très, émouvant. À Venise, c’est différent, c’est le metteur en scène qui ramasse tout. Comment avez-vous choisi Roschdy Zem ? Je le connais depuis très longtemps, par ma maison de production. Je l’avais déjà repéré dans les films de Téchiné où il avait fait de petites apparitions et je m’étais dit : « celui-là, on va compter avec lui ». Et quand j’ai vu N’oublie pas que tu vas mourir… Même sa partition dans Le Petit Lieutenant est vachement bien. Et puis après toute sa carrière, Indigènes…

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Palme d'Or | Une famille fauchée intrigue pour être engagée dans une maison fortunée. Mais un imprévu met un à terme à ses combines… Entre "Underground" et "La Cérémonie", Bong Joon-Ho revisite la lutte des classes dans un thriller captivant empli de secrets. Palme d’Or 2019.

Vincent Raymond | Mardi 4 juin 2019

Recommandé par un ami étudiant, Kevin devient le professeur d’anglais de la fille de riches Coréens, les Park. Ce faisant, il tire un peu sa famille de sa misère. Puis, grâce à d’habiles ruses, sa sœur, son père et sa mère finissent par se placer chez les Park. Jusqu’où cela ira-t-il ? Un film asiatique montrant une famille soudée vivant dans la précarité, devant astucieusement flirter avec la légalité pour s’en sortir… Les ressemblances avec Une affaire de famille s’arrêtent là : quand Kore-eda privilégiait la dramédie, Joon-Ho use du thriller psychologique teinté d’humour noir pour raconter une fable sociale corrosive bien qu’elle elle ne soit pas exempte de traits caricaturaux — après tout, la persistance d’une dichotomie franche entre une caste de super-riches et une d’infra-pauvres ne constitue-t-elle pas une aberration grotesque pour une société censément civilisée ? Certes, la famille Ki-taek se rend bien coupable de faux en écriture ainsi que de quelques machinations visant à congédier les employés occupant

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Justine Triet : « La particularité de Sibyl, c’est son côté kaléidoscopique »

Sibyl | Le troisième long métrage de Justine Triet sera le dernier à être présenté aux jurés du 72e festival de Cannes. Avant les marches et donc le palmarès, la scénariste-réalisatrice évoque la construction de ce film complexe et multiple…

Vincent Raymond | Mardi 21 mai 2019

Justine Triet : « La particularité de Sibyl, c’est son côté kaléidoscopique »

Est-ce difficile de parler d’un film où la confession occupe une place aussi importante ? Le plus difficile quand on fait un film, c’est quand il n’est pas assez vu ou qu’il reste très peu en salle… C’est une expérience que j’ai un peu connue avec mon premier, La Bataille de Solférino. Le reste franchement, c’est chouette… (rires) Sibyl parle de la création et aussi de la transgression (des confessions, des serments médicaux)… Est-ce qu’il faut une part de transgression dans tout acte de création ? Je pense que oui. C’est difficile de ne pas être tenté de transgresser pour écrire, pour faire un film, pour tourner : on est tous des vampires, d’une certaine façon. Après, Sibyl va beaucoup plus loin que la majorité des gens et ça m’intéressait de pousser mon personnage dans les limites extrême. Quand elle est sur l’île, elle ne distingue même plus ce qui est de l’ordre de la réalité et de la fiction : elle est dans un vertige absolu de son existence, elle a dépassé les limites

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"Le Jeune Ahmed" : Le ver dans le fruit

FRÈRES DARDENNE | ​Après un passage à l’acte, un ado radicalisé est placé dans un centre de réinsertion semi-ouvert où, feignant le repentir, il prépare sa récidive. Un nouveau et redoutable portrait de notre temps, renforcé par l’ascèse esthétique des frères Dardenne. En compétition Cannes 2019.

Vincent Raymond | Mardi 21 mai 2019

Ahmed, 13 ans, vient de basculer dans l’adolescence et fréquente avec assiduité la mosquée du quartier dirigée par un imam fondamentaliste. Fasciné par le destin de son cousin djihadiste et désireux de plaire à son mentor, Ahmed commet une tentative d’assassinat sur une professeure… Toujours identique à lui-même et cependant constamment différent, le cinéma des frères Dardenne n’en finit pas de cartographier le paysage social contemporain, à l’affût de ses moindres inflexions pour en restituer dans chaque film la vision la plus rigoureuse. À eux (donc à nous) les visages de la précarité, la situation des migrants ou des réfugiés ; à eux également comme ici — avant peut-être un jour leur regard sur l’exploitation “uberissime“ de la misère — la radicalisation dans les quartiers populaires d’ados paumés entre deux cultures, la cervelle lessivée par de faux prophètes les brossant dans le sens du poil pour mieux les manipuler. À l’horreur économique s’est en effet ajoutée une très concrète abomination terroriste tout aussi internationalisée, usant de techniques de recrutement n’ayant rien à envier au cynisme des

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"The Dead Don't Die" : Comme un petit goût de reviens-y-pas

Cannes 2019 | Quelle mouche a piqué Jim Jarmusch (ou quel zombie l’a mordu) pour qu’il signe ce film ni série B, ni parodique, ni sérieux ; ni rien, en fait. Prétexte pour retrouver ses copains dans une tentative de cinéma de genre, ce nanar de compétition figure dans celle de Cannes 2019 dont il effectue en sus l’ouverture.

Vincent Raymond | Mercredi 15 mai 2019

Centerville, États-Unis. Depuis la fracturation des Pôles, la terre est sortie de son axe et de drôles de phénomènes se produisent : la disparition des animaux ou l‘éveil des macchabées qui attaquent la ville. Au bureau du shérif Robertson, on commence à lutter contre les zombies… Certes oui, l’affiche de The Dead Don’t Die vantant son « casting à réveiller les morts » a de la gueule. Mais empiler des tombereaux de noms prestigieux n’a jamais constitué un gage de qualité, ni garanti de provoquer le tsunami de spectateurs escompté par les producteurs. Voyez les cimetières, où l’on trouve pourtant la plus forte concentration de génies au mètre carré (et une proportion non négligeables de sinistres abrutis) : outre les taphophiles, ils ne rameutent guère les foules. Blague à part, cette affiche reproduisant luxueusement celle plus brute de décoffrage de La Nuit des Morts-Vivants (1968) annonce d’emblée la couleur : Jarmusch vient rejouer la partition du classique horrifique de George A. Romero. C’est loin d’être la premiè

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"Douleur et Gloire" : Autoportrait de l’homme en vieil artiste

Almodóvar | Un cinéaste d’âge mûr revisite son passé pour mieux se réconcilier avec les fantômes de sa mémoire et retrouver l’inspiration. Entre Les Fraises sauvages, Stardust Memories, Journal Intime et Providence, Almodóvar compose une élégie en forme de bilan personnel non définitif illustrant l’inéluctable dynamique du processus créatif. En compétition Cannes 2019.

Vincent Raymond | Mercredi 15 mai 2019

Le temps des hommages est venu pour Salvador Mallo, cinéaste vieillissant que son corps fait souffrir. Son âme ne l’épargnant pas non plus, il renoue avec son passé, se rabiboche avec d’anciens partenaires de scène ou de lit, explore sa mémoire, à la racine de ses inspirations… Identifiable à son auteur dès la première image, reconnaissable à la vivacité de ses tons chromatiques, mélodiques ou narratifs, le cinéma d’Almodóvar semble consubstantiel de sa personne : une extension bariolée de lui-même projetée sur écran, nourrie de ses doubles, parasitant sa cité madrilène autant que ses souvenirs intimes… sans pour autant revendiquer l’autobiographie pure. À la différence de Woody Allen (avec lequel il partage l’ancrage urbain et le goût de l’auto-réflexivité) le démiurge hispanique est physiquement absent de ses propres films depuis plus de trente ans. Almodóvar parvient cependant à les “habiter” au-delà de la pellicule, grignotant l’espace épi-filmique en imposant son visage-marque sur la majorité de l’environnement iconographique — il figure ainsi sur nombre de photos de tournages, rivalisant en notoriété avec les

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Les Misérables

ECRANS | À force d’adaptations, le roman de Victor Hugo devait en arriver là : la version filmée de la version anglaise de la comédie musicale. Elle confirme les limites de Tom Hooper derrière une caméra et accumule les faiblesses manifestes et les fautes de goût impardonnables. Pourtant… Christophe Chabert

Christophe Chabert | Lundi 11 février 2013

Les Misérables

Les Misérables n’est pas un bon film. On pourrait même passer la critique entière à en lister les défauts. À commencer par le travail de Tom Hooper lui-même, dont le trop admiré Discours d’un roi montrait déjà les limites : par exemple, Hooper s’avère absolument incapable de donner une forme aux passages non chantés. Alternant grand angle et longues focales, ils sont cousus n’importe comment par un montage aberrant réduisant l’action à une bouillie d’images incohérentes. On peut aussi s’interroger sur la valeur musicale de la partition de Schönberg et Boublil : ces "tubes" pensés pour des chanteurs à voix ont pris du plomb dans l’aile, et seul l’investissement des comédiens permet de leur donner un nouveau souffle. Au milieu de ce casting all stars, on trouve une incroyable faute de goût : Russell Crowe dans le rôle de Javert. L’acteur sort sa grosse voix dans les passages parlés, mais part dans les aigus dès qu’il se met à chanter, sapant toute la crédibilité du personnage. Le récit est ce qui résiste le mieux à ce duplicata musical et cinématographique : on se surprend, même si on la connaît par cœur, à se laisser emporter par l’histoire racontée par

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Les films de février

ECRANS | En février, à défaut de grands films, il y aura des artistes et de la musique sur les écrans. Et notamment dans un documentaire déjà culte exhumant Sixto Rodriguez, folkeux oublié et désormais légendaire. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Vendredi 1 février 2013

Les films de février

En général, quand le cinéma s’intéresse aux artistes, cela accouche de bio filmées lourdes comme le plomb où la maxime de Sainte-Beuve — la vie explique l’art — est suivie d’aussi près que les manuels de technique scénaristique d’un Robert MacKee. Le Hitchcock (6 février) de Sacha Gervasi semblait promis au même sort, et pourtant il y échappe partiellement. S’intéressant à un moment clé de la carrière du grand Alfred — celui où il décide de réaliser Psychose — il montre un cinéaste plus préoccupé par le public que par sa propre postérité, défiant studios et censeurs non pour faire triompher son intégrité artistique, mais pour s’assurer garantir l’efficacité de ses effets. Le film est plus laborieux lorsqu’il se penche sur les relations entre Hitchcock et sa femme Alma, tirant vers un vaudeville assez artificiel. Il reste recommandable pour la légèreté de sa mise en scène et la bienveillance de Gervasi envers ses personnages. À l’opposé de ce divertissement ludique, Shadow Dancer (6 février) de James Marsh est une des bonnes surprises du mois. Avec une mise en scène d’une précision chirurgicale, Marsh suit les pas d’une terroriste de l’IRA chopée la mai

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