Les Innocentes

ECRANS | Anne Fontaine, qui apprécie toujours autant les sujets épineux et a pris goût aux distributions internationales, en a débusqué un en Pologne : l’histoire de religieuses enceintes après avoir été violées par des soudards soviétiques…

Vincent Raymond | Mercredi 17 février 2016

Photo : © Dr


C'est une fort étrange apocalypse que l'irruption de cette œuvre dans la carrière d'Anne Fontaine. Même si la cinéaste a continûment manifesté son intérêt pour les histoires un brin dérangeantes, celles-ci se déroulaient dans des familles ordonnées, aux meubles et parquets bien cirés ; la perversité et l'audace transgressive demeuraient domestiques, circonscrites aux périmètre intime. Les Innocentes change la donne.

Premier réel film historique de la réalisatrice (Coco avant Chanel (2009), comme son nom l'indique, était un portrait bancal d'une Gabrielle Chanel en pleine ascension), il s'extrait surtout du récit bourgeois pour investir un “ailleurs”, ou plutôt “des” ailleurs. Le contexte de la guerre, la situation des autres (et non plus le “moi” du couple, de la famille idéale chamboulée) ; l'apprentissage du dialogue corps-esprit et surtout la place des femmes, universelles premières victimes des conflits, dessinent ici les lignes de force de ce qui n'est pas qu'une reconstitution. L'histoire pourrait hélas se dérouler en des temps contemporains : Les Innocentes montre que des médecins doivent contrevenir à des règles militaires et religieuses pour soigner des victimes dites “collatérales”. C'est encore le cas aujourd'hui.

Médecine non conventionnelle

Revendiquant Bernanos, et s'inscrivant dans une forme d'ascèse narrative, Anne Fontaine n'omet cependant pas la chair : en parallèle des séquences dans le gris clos du couvent ou la nuit glaciale des forêts solitaires, elle instille des parenthèses de vie au milieu des décombres de la guerre — paradoxe en apparence invraisemblable. À coup de petites discordances, de ruptures, elle fait progresser deux mondes disjoints (le laïc et le spirituel) ayant connu séparément la même barbarie vers une lumière grave, leur offrant de partager une “libération” commune, à défaut d'être irénique.

Interprète du chirurgien mélancolique courtisant l'héroïne, Vincent Macaigne compte au nombre des étrangetés du film. Il doit sa présence à Anne Fontaine, qui a misé, justement, « sur sa bizarrerie, sa fantaisie, son ironie. Jusqu'à présent, il a toujours été dans des rôles un peu bobos : flou, mal rasé, les cheveux n'importe comment. » La réalisatrice poursuit : « Je lui ai tout de suite fait couper les cheveux et mettre un corset. Cet élément corporel a changé son attitude, l'a stylisé. Il n'est pas le beau chirurgien que l'on s'attend à voir dans un couple romantique ; il le rend non conventionnel. » Voilà qui tombe bien : la seule convention admissible dans un film de guerre, c'est celle de Genève. VR

Les Innocentes de Anne Fontaine (Fr, 1h55), avec Lou de Laâge, Vincent Macaigne, Agata Buzek…


Les Innocentes

De Anne Fontaine (Fr, 1h40) avec Lou de Laâge, Vincent Macaigne...

De Anne Fontaine (Fr, 1h40) avec Lou de Laâge, Vincent Macaigne...

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Pologne, décembre 1945. Mathilde Beaulieu, une jeune interne de la Croix-Rouge chargée de soigner les rescapés français avant leur rapatriement, est appelée au secours par une religieuse polonaise. D’abord réticente, Mathilde accepte finalement de la suivre dans son couvent où trente Bénédictines vivent coupées du monde.


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"Présidents" : Vieilles choses publiques

ECRANS | Enchaînant films et sujets opposés, Anne Fontaine s’attaque après Police à l’étage supérieur : le pouvoir suprême et ceux qui l’ont exercé… lorsqu’ils en sont dépossédés. Entre fable et farce, une relecture des institutions et de l’actualité politique bien plus intéressant que ce que les teasers-sketches laissaient supposer…

Vincent Raymond | Jeudi 1 juillet 2021

Reconverti en homme d’intérieur dépressif, l’ex président Nicolas S. prend pour prétexte la popularité grandissante de la candidate d’extrême-droite pour partir en Corrèze afin de convaincre son ancien adversaire et successeur François H. de monter un nouveau parti avec lui. La cohabitation sera d’autant plus rude qu’ils sont opposés en tout, et que leurs compagnes s’invitent dans la campagne… Une évidence en préambule : sur les arcanes de la Ve République — et ses bruits de cabinet, diront les mauvaises langues — il sera difficile de parvenir un jour à se montrer plus complet que t le magistral L’Exercice de l’État de Pierre Schoeller. Rien n’empêche toutefois d’attaquer le sujet par la bande, en se focalisant sur des espèces s’ébattant dans cet écosystème. Tels les Présidents du film homonyme d’Anne Fontaine construit comme une fable dont les protagonistes ne seraient pas de grands fauves, mais deux ex éconduits par leur bien-aimée, trompant ensemble leur déni dans l’illusoire espoir d’une reconquête. Sauf que la belle, de plus en plus versatile et capricieuse, ne veut plus d’e

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"Les Choses qu’on dit, les choses qu’on fait" : Pas sages à l’acte

ECRANS | ★★★★☆ De Emmanuel Mouret (Fr., 2h02) avec Camélia Jordana, Niels Schneider, Vincent Macaigne… Sortie le 16 septembre 2020

Vincent Raymond | Mercredi 9 septembre 2020

C’est l’histoire de plusieurs histoires d’amour. Celles que Maxime raconte à Daphné, la compagne de son cousin François ; celles que Daphné raconte à Maxime. Et qu’advient-il lorsqu’on ouvre son cœur sur ses peines et ses joies sentimentales ? On finit par se rapprocher… Emboîtant et mélangeant les récits-souvenirs de ses protagonistes (à l’image de son délicat Un baiser s’il vous plaît), abritant un sacrifice amoureux absolu (comme le très beau Une autre vie) ; accordant aux jeux de langues et à la morale un pouvoir suprême (dans la droite ligne de Mademoiselle de Joncquières), ce nouveau badinage mélancolique d’Emmanuel Mouret semble une synthèse ou la quintessence de son cinéma. Jadis vu comme un héritier de Rohmer, le cinéaste trouve ici en sus dans la gravité sentimentale des échos truffaldiens ; son heureux usage de l’accompagnement musical (ah, Les Gymnopédies !) lui conférant une tonalité allenienne. Malgré le poids de ces références, ce que l’on apprécie à l’écran est bel et bien du Mouret et l’on en redemande.

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"Police" : Protéger ou servir ?

ECRANS | De Anne Fontaine (Fr., 1h38) avec Omar Sy, Virginie Efira, Grégory Gadebois…

Vincent Raymond | Jeudi 3 septembre 2020

Virginie, Aristide et Erik sont flics au sein de la même brigade parisienne, enchaînant les heures et les missions, sacrifiant leur vie privée aux aléas de leur métier. Un soir, on leur confie une mission différente : convoyer un réfugié à l’aéroport en vue de son expulsion. Doit-on toujours obéir ? Film à thèse, film sociétal ? Sans doute : Anne Fontaine ne s’intéresserait pas aux atermoiements de représentants des forces de l’ordre si elle-même ne voulait pas à la fois parler de l’étrange ambivalence de la “patrie des droits de l’Homme” lorsqu’elle procède à des *reconduites à la frontière* (terme pudique) de personnes en péril dans leur pays d’origine, ainsi qu’aux conditions de vie et de travail des policiers. Dès lors, on comprend mieux la construction violemment hétérogène de Police, juxtaposition de deux films formellement différents, voire opposables. Le premier, archi découpé, syncopé même, combinant les points de vues de trois protagonistes offre une vision heurtée, parcellaire, parfois contradictoire de leurs interventions au quotidien. Outre

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"T’as pécho ?" : Bisous dans le cours

ECRANS | De Adeline Picault avec Ramzy Bedia, Vincent Macaigne, Sophie-Marie Larrouy

Vincent Raymond | Mardi 25 août 2020

Arthur, 15 ans, fait partie des bolos du lycée. Pour que cela change, il demande à Ouassima (dont il est secrètement épris) de lui prodiguer, ainsi qu’à trois autres ringards, des cours pour pécho des filles. La belle accepte pour des raisons pécuniaires, sans se douter des conséquences… Ah, les films pour ados français… Un carnaval de clichés, de faux parler jeune, de gags salaces et de situations lourdes. Difficile d’y échapper : accusant deux, voir trois fois l’âge des protagonistes (donc des cibles visées), ceux qui sont aux manettes de ces productions ont une vision fatalement biaisée de la tribu des 15-20 ans. En découlent des films de vieux et/ou bourgeois, où les héros étudient au Lycée Henri-IV (avec odeur d’encaustique intégrée), résident dans les beaux arrondissements parisiens (180m2 parquet Versailles ou point de Hongrie) auprès de leurs parents cadres supérieurs adeptes de l’adultère. Tout projet s’écartant de ces critères mérite attention ; T’as pécho en fait partie. Sans être un chef-d’œuvre — l’histoire res

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Suites Royales

Classique | Alors que son CD consacré aux Suites pour violoncelle de Bach provoque quelques répliques sismiques, assurément prévisibles, Emmanuelle Bertrand, mue par le (...)

Alain Koenig | Mardi 5 novembre 2019

Suites Royales

Alors que son CD consacré aux Suites pour violoncelle de Bach provoque quelques répliques sismiques, assurément prévisibles, Emmanuelle Bertrand, mue par le zéphyr d'un mutin dieu lare, pose le pied sur sa terre natale pour un prestigieux concert symphonique. Après l'Elégie de Fauré, œuvre-phare dans laquelle son public sera déjà conquis, elle se prêtera au jeu du "revival" d'une pépite oubliée : le Concerto pour violoncelle, de l'ombrageuse mais résolument fascinante Marie Jaëll. Grande lisztienne, pianiste virtuose ayant légué à la postérité sa pédagogie de l'instrument, la compositrice est encore connue aujourd'hui pour sa célèbre "Méthode Marie Jaëll". L'air du temps médiatique élude parfois le discernement au profit de l'intriguant concept artistique de parité. Or, voici un corpus passionnant, cohérent et une compositrice au talent éblouissant, à qui il convenait indubitablement de redonner toute sa place dans la frise chronologique de la musique. Emmanuelle Bertrand saura bien sûr, faire éclater ce pur diamant, puis laissera la place à un tube planétaire, dont l'auteur, Maurice Ravel, dira lui-même : « Je n'ai écrit qu'un seul chef-d'œuvre, l

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MJÓLK, La guerre du lait : Petite paysanne

ECRANS | De Grímur Hákonarson (Isl., 1h30) avec Arndís Hrönn Egilsdóttir, Sveinn Ólafur Gunnarsson, Sigurður Sigurjónsson…

Vincent Raymond | Mercredi 11 septembre 2019

MJÓLK, La guerre du lait : Petite paysanne

La campagne islandaise. À la mort de son époux, Inga reprend l’exploitation laitière familiale et découvre l’emprise mafieuse de la coopérative agricole locale sur les fermes du coin. Malgré les intimidations, les mesures de rétorsion, Inga résiste et tente d’en rallier d’autres à sa cause… Mjólk a un petit côté “Erin Brockovich contre les Soviets“ ou pour faire plus imagé encore, le petit pot de lait en terre contre les pots-de-vin en fer. En apparence, la fermière isolée étranglée par les dettes ne peut pas grand-chose contre un système censément mutualiste et vertueux qui, avec le temps (et sous l’action d’un chef aussi avide que manipulateur), s’est transformé en machine surcapitaliste omnipotente. Mais nous sommes au cinéma, où le bon droit peut triompher du vilain tordu ; alors on peut croire à un dénouement heureux. Même s’il vient de très loin. Car Grímur Hákonarson charge la barque d’entrée, au point que l’on pense être dans un drame de la pire essence charbonneuse. Visant sans doute la comédie sociale à la Loach, avec ses coups d’éclats de groupe, il tente d’éclairer par la suite le tableau, peina

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"Fête de famille" : Pièce rapportée

ECRANS | Un seul être revient… et tout est dévasté. Cédric Kahn convoque un petit théâtre tchekhovien pour pratiquer la psychanalyse explosive d’une famille aux placards emplis de squelettes bien vivants. Un drame ordinaire cruel servi par des interprètes virtuoses.

Vincent Raymond | Mercredi 4 septembre 2019

Pour son anniversaire, Andréa a convié enfants et petits-enfants dans la maison familiale. Mais l’irruption de l’aînée, Claire, met au jour (et à vif) plaies et dettes du passé. Entre la bipolarité de la revenante, les coups de sang du cadet et l’aboulie des autres, la fête à du plomb dans l’aile… Si les questions de corps au sens large — cul, inceste, maladie, décès… — constituent les habituels carburants dramatiques des réunions de familles cinématographiques souvent crues et psychologiquement violentes (Festen, La Bûche, Un conte de Noël…), aucune d’entre elles ne surpasse le tabou suprême que constitue le fric. Fille d’Andréa née d’un précédent lit, Claire veut récupérer l’héritage de son père qu’elle placé dans la maison de famille… où vivent sa mère, mais aussi sa fille, qu’elle a abandonnée pour mener son existence instable et qui la hait. Dette d’amour, dette d’argent, silences embarrassés… Dans cette maison trop grande, dont les recoins pénombraux disent les non-dits coupables, personne à l’exception du cadet n’ose s’opposer à la fille prodigue ni prendre

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24 révoltes par seconde

Panorama ciné rentrée/septembre | Peu importe qu’il soit passé au tout numérique : lorsqu’il s’agit des colères du mondes, le 7e Art retrousse ses babines et retrouve les bobines. Au moins de celles et ceux qui les incarnent…

Vincent Raymond | Mardi 3 septembre 2019

24 révoltes par seconde

Le feuilleton de l’été ne se suivait pas sur les petits écrans (la saga estivale made in TF1, c’est tellement 1987), ni sur les tablettes (la saison 7 de Orange is the new black qui se fait la malle des serveurs de Netflix France, ce fail trop beau pour être vrai), mais dans les coulisses du cinéma hexagonal dont la plupart des représentants (membres de la SRF, étudiants de la Femis, indépendants…) ont accueilli avec des piques l’éventualité d’une nomination du producteur Dominique Boutonnat à la tête du CNC, l’instance suprême de la profession. Pas uniquement parce que celui-ci figurait parmi les premiers à avoir abondé au comité de soutien du candidat Macron (encore que…) ; plutôt pour le rapport que la Ministère de la Culture lui avait commandé, dans lequel il préconisait le financement privé du cinéma et de l’audiovisuel. Ni la mobilisatio

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Femme, femme, femme…

MUSIQUES | Fort heureusement, elles n’ont pas attendu les réseaux sociaux, le grand buzz des chaînes en continu, ni l'anathème porcin pour avoir du talent, avec (...)

Alain Koenig | Mardi 3 septembre 2019

Femme, femme, femme…

Fort heureusement, elles n’ont pas attendu les réseaux sociaux, le grand buzz des chaînes en continu, ni l'anathème porcin pour avoir du talent, avec fougue, passion et surtout dignité. Le très inspiré et passionné Concerto pour violoncelle de Marie Jaëll (1846-1925), superbe compositrice, sera magnifié par le sublime et mystique archet d’Emmanuelle Bertrand que l’on ne présente plus au lecteur. Un simple rappel pour les pousses du jour en mal de reconnaissance, de l’universalité du génie humain, hommes et femmes, mus par un même et grand geste artistique. Le violoncelle au féminin, Emmanuelle Bertrand (violoncelle) et OSSEL, dir. G.Grazioli, à l'Opéra de Saint-Étienne, mardi 19 novembre 2019 à 20h

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"Doubles Vies" : Sous les couvertures…

Bon à tirer | De Olivier Assayas (Fr., 1h48) avec Guillaume Canet, Juliette Binoche, Vincent Macaigne…

Vincent Raymond | Mercredi 16 janvier 2019

Dirigeant avec pugnacité et passion une maison d’édition, Alain s’interroge. Sur ses publications — il vient de refuser l’énième opus de son ami nombriliste Léonard —, sur l’évolution de son métier à l’heure du numérique, sur le couple qu’il forme avec Séléna, une comédienne de série… Bonne nouvelle : après l’éprouvant Personal Shopper, Olivier Assayas a tourné la page pour évoquer en français deux sujets on ne peut plus hexagonaux : les chassés-croisés amoureux et le milieu du livre — deux passions tricolores qui se croiseront prochainement à nouveau dans Le Mystère Henri Pick de Rémi Bezançon. L’approche est habile, car on ne sait en définitive s’il s’agit d’une réflexion profonde sur les mutations des industries culturelles (s’apprêtant, après avoir glissé du monde des lettres à celui des chiffres, à basculer dans celui, binaire, de la digitalisation) passée en contrebande dans une comédie entomologique de mœurs germanopratine, ou bien du contraire. Seuls des archétypes de parisiens peuvent se livrer à ces petites joutes verbales, amoureuses et professionnelles,

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Michel Saint-Jean : la hauteur du politique

Portrait cinéma | Avec Brizé, Pawlikowski et Lee Chang-dong en compétition et trois autres réalisateurs dans les sections parallèles, le distributeur et producteur Michel Saint-Jean a savouré « comme si c’était le premier » le festival de Cannes 2018. Affable mais discret, le patron de Diaphana y fait souvent résonner des voix indépendantes et engagées. Rencontre.

Vincent Raymond | Mardi 5 juin 2018

Michel Saint-Jean : la hauteur du politique

Même si rien ne vient jamais amenuiser son prestige, la rumeur prétend que son éclat s’estompe avec le temps. C’est un fait chimique : l’oxydation est la pire ennemie des César. Celui décorant discrètement le bureau de Michel Saint-Jean a de fait gagné son pesant de patine. Sans doute s’agit-il de la statuette remportée en 1999 avec La Vie rêvée des anges ; sa petite sœur conquise en 2009 pour Séraphine demeurant chez ses producteurs. Un trophée du meilleur film toutes les années en 9, comme pour célébrer chaque nouvelle décennie de sa société Diaphana fondée en 1989… Le distributeur peut toucher du bois pour 2019. Et pourquoi pas grâce à En guerre, la nouvelle réussite de Stéphane Brizé. Ce « combat pour la dignité et la justice allant au-delà de la photographie de la délocalisation », s’inscrit dans la cohérence des près de 350 films qu’il a portés sur les écrans depuis ses débuts, où l’on croise le Lucas Belvaux de la géniale Trilogie ou de La Raison du plus faible, presque tout Robert G

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"En guerre" : La Loi n’a pas dû marcher

On ne Loach rien ! | « Celui qui combat peut perdre. Celui qui ne combat pas a déjà perdu » Citant Brecht en préambule, et dans la foulée de La Loi du marché Stéphane Brizé et Vincent Lindon s’enfoncent plus profondément dans l’horreur économique avec ce magistral récit épique d’une lutte jusqu’au-boutiste pour l’emploi. En compétition Cannes 2018.

Vincent Raymond | Mercredi 16 mai 2018

Quand la direction de l’usine Perrin annonce sa prochaine fermeture, les représentants syndicaux, Laurent Amédéo en tête, refusent la fatalité, rappelant la rentabilité du site, les dividendes versés par la maison-mère allemande aux actionnaires, les sacrifices consentis. Une rude lutte débute… Nul n’est sensé ignorer La Loi du marché (2015), pénultième réalisation de Stéphane Brizé, qui s’intéresse à nouveau ici à la précarisation grandissante des ouvriers et des employés. Mais il serait malvenu de lui tenir grief d’exploiter quelque filon favorable : cela reviendrait à croire qu’il suffit de briser le thermomètre pour voir la fièvre baisser. Mieux vaudrait se tourner vers les responsables de ces situations infernales conduisant le vulgum pecus à crever de préférence la gueule fermée. Des responsables que Brizé, et Lindon son bras armé, désignent clairement, révèlent dans leur glaçant cynisme et la transparence de leur opacité. L

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"Action ou vérité" : Parie ici ta sortie

Cap ou pas cap ? | de Jeff Wadlow (É.-U., 1h40) avec Lucy Hale, Tyler Posey, Violett Beane…

Vincent Raymond | Jeudi 31 mai 2018

Springbreak pour Olivia et ses potes, qui vont se soûler au Mexique. Sur place, ils suivent un étudiant dans une église abandonnée et se défient à “Action ou vérité”. Au retour, ils découvrent avec effroi qu’une malédiction les condamne à prolonger le jeu sans fin sous peine de mort… Issue de la très prolifique maison Blumhouse Productions (Get Out, Happy Birthdeath), cette bien sympathique série B s’inscrit sans trembler dans les rails d’un cinéma de genre que les ongles des victimes de Destination finale (1, 2, 3, 4, 5) ou Urban Legend (1, 2) ont déjà largement labouré — sans parler des griffes de Freddy Krueger. Le principe ne varie pas d’un iota : les membres d’une troupe d’écervelé·e·s ayant commis individuellement et/ou collectivement une forme de sacrilège doivent subir une vengeance plus ou moins paranormale avant de périr à tour de rôle selon des protocoles rivalisant en raffinement. Le procédé étant relativement mécanique, et malgré les coups de théâtre cout

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Mai : Le retour des films prodigues

Panorama mai ciné | Films décalés parvenant enfin (ou pas) sur les écrans, familles séparées finissent par renouer des liens distendus voire coupés… Mai est un mois de retrouvailles. Et de festival, aussi, un peu…

Vincent Raymond | Mercredi 2 mai 2018

Mai : Le retour des films prodigues

On avait annoncé en mars 7 Minuti de Michele Placido, transposant un fait survenu dans une usine d’Yssingeaux en Italie et sous la forme d’un huis clos dans le contexte italien. Sauf qu’il n’était pas sorti à la date escomptée. Est-ce une bonne nouvelle que de le confirmer pour le 9 mai ? Il demeure deux mois plus tard pareillement théâtral et mollasson. Pas de chance en revanche pour l’excellent Mean Dreams de Nathan Morlando, qui devait enfin être sur les écrans le 9 mai, deux ans après sa présentation à la Quinzaine des réalisateurs et un an après l’annonce de sa première date de sortie. On ne connaît pas pour le moment de date de report ; de mauvais augure pour ce qui est sans doute l’ultime rôle du grand Bill Paxton, ici en flic pourri et abusif lancé à la poursuite de sa fille. Tous ensemble, tous ensemble En général, il faut avoir éprouvé la douleur de la distance pour goûter au bonheur des retrouvailles. Sauf pour Le Ciel étoilé au-dessus de ma tête de Ilan Klipper (23 mai) où un écri

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Grand angle

Photographie | Le Musée d'Art Moderne et Contemporain de Saint-Etienne Métropole n’en finit pas de fêter son trentième anniversaire. L’exposition consacrée à l'artiste indien Anish Kapoor laisse la place à deux nouvelles expositions qui mettent à l’honneur la photographie, avec notamment les images de Valérie Jouve.

Niko Rodamel | Mercredi 2 mai 2018

Grand angle

Appelouse de naissance, Valérie Jouve expose son travail pour la toute première fois au MAMC. Egalement vidéaste et réalisatrice, la photographe construit depuis le début des années quatre-vingt-dix une œuvre singulière, interrogeant la présence humaine dans la ville avec un angle documentaire pétri d’empathie. La démarche est avant tout intuitive, l’artiste préférant partager ce qu’elle-même ressent plutôt que de chercher à faire comprendre. « C'est par l'émotion que l'image photographique engage les spectateurs dans ce monde » affirme-t-elle. Pour l’exposition Formes de vie, Valérie Jouve présente conjointement un film et une sélection de photographies figurant des êtres et des lieux. L’accrochage rassemble et rapproche des images inédites réalisées à Saint-Étienne par le passé et d’autres, plus récentes. La photographe laisse ainsi poindre une silencieuse et intime conversation avec sa région. Quand on arrive en ville La seconde exposition, Vues urbaines, présente des œuvres peu montrées d’une dizaine de photographes dont Günther Förg, Jochen Gerz, Laurent Gueneau, Nigel Henderson, Ito Josué, Rajak Ohanian ou Wolf Vostell. Bala

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"Marvin ou la Belle Éducation" : Le gay savoir

ECRANS | Marvin ou la belle éducation de Anne Fontaine (Fr., 1h53) avec Finnegan Oldfield, Grégory Gadebois, Vincent Macaigne…

Vincent Raymond | Mardi 21 novembre 2017

Depuis toujours, Marvin Bijou se sent “à part”. Traité de “pédé” et harcelé au collège, il étouffe aussi dans sa famille à peine quart-monde. Grâce à un atelier théâtre et à sa rencontre avec un metteur en scène, il va découvrir qu’une issue existe qu’il peut s’affirmer dans son identité… Anne Fontaine a une manière de filmer la misère sociale qui rappelle, sans vouloir faire offense ni à l’une ni à l’autre, le Scola de Affreux, sales et méchants. Sauf que le cinéaste italien tournait au second degré. Pas la réalisatrice française, qui pense nécessaire de représenter dans leur caricature la plus élimée des pauvres qu’elle ne doit guère connaître. Non qu’il faille adoucir ni faire de l’angélisme, mais cette représentation tient davantage du vieux stéréotype que du réalisme — curieusement, sa vision des sphères bourgeoises est plus réaliste. De fait, elle pousse vers une outrance aussi aberrante qu’inutile ses comédiens, au premier chef desquels Grégory Gadebois plus excessif à lui seul que toute la famille Groseille de La Vie est un long fleuve tranquille et Vin

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Anne Fontaine : « Avoir un autre regard sur soi peut permettre d’exister autrement »

ECRANS | Queer Lion à la Mostra de Venise, le quinzième long métrage d’Anne Fontaine est une adaptation aussi lointaine que promet de l’être son futur Blanche-Neige, qu’elle tournera en avril et mai entre Lyon et Vercors avec Isabelle Huppert…

Vincent Raymond | Mardi 21 novembre 2017

Anne Fontaine : « Avoir un autre regard sur soi peut permettre d’exister autrement »

Adapté d’un livre racontant une “renaissance” passant par un changement de nom, votre film Marvin change également le nom du protagoniste. À travers le prisme du cinéma, il s’agit donc d’un changement au carré… A.F. : Le point de départ a été la rencontre avec En finir avec Eddy Bellegueule dont j’ai voulu sortir en inventant le parcours que j’imaginais pour le personnage à travers les années : comment il pouvait trouver sa vocation, comment il pouvait s’en sortir… Ce qui n’est pas le cas du livre, qui est sur l’enfance, et ne traite pas l’épanouissement ni la singularité de son destin. Très vite avec Edouard Louis [l’auteur du livre, NDR], on est tombé d’accord sur le fait que c’était pas une adaptation, mais un acte d’inspiration. Près de 70% du film est inventé à partir d’une enfance traumatisante et difficile. Mais j’ai aussi mis beaucoup d’éléments personnels : j’ai moi aussi changé de nom quand j’avais 17 ans, j’ai été actrice… J’ai construit l’histoire avec des points communs, et elle un peu mienne. Y avait-il che

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Thierry de Peretti : « Quand on montre les choses qui vous hantent, elles cessent de vous hanter »

Rencontre | Metteur et scène, acteur et cinéaste, Thierry de Peretti consacre un film à son île d’origine, la Corse. Une œuvre politique, loin des clichés, qu’il évoque avec son comédien fétiche Henri-Noël Tabary.

Vincent Raymond | Jeudi 20 juillet 2017

Thierry de Peretti : « Quand on montre les choses qui vous hantent, elles cessent de vous hanter »

Depuis combien de temps portiez-vous Une vie violente ? Thierry de Peretti : Depuis Les Apaches, je cherchais un récit capable d'évoquer la force romanesque de ce que je vois et ressens en Corse — sur la société corse de cette époque-là. Mais pour moi, c’est moins une reconstitution qu’une évocation ou qu’un dialogue avec ces années-là. Ce n’est pas le film ultime sur le nationalisme en Corse et la lutte armée. Le personnage de Stéphane passe par là comme Rimbaud passe par la poésie et se rêve ailleurs. Il est un peu comme le Prince Mychkine dans L’Idiot : il nous fait pénétrer plusieurs cercles de la société : les étudiants, les petits voyous, les nationalistes… Comment vous êtes vous immergé dans ce rôle et ce contexte ? Henri-Noël Tabary : Un mois avant de tourner, Thierry a voulu que Jean Michelangeli [l’interprète de Stéphane, NDLR] et moi nous soyons dans la ville de Bastia pour la préparation. On était payés à boire des verres, à aller au resto… (sourires). C’était de l’imprégnation, ça nous a beaucoup aidés. En deux semaines j’ai repris l’accent

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Une vie violente : Têtes de Maures

ECRANS | de Thierry de Peretti (Fr., 1h47) avec Jean Michelangeli, Henry-Noël Tabary, Cédric Appietto… (9 août)

Vincent Raymond | Vendredi 11 août 2017

Une vie violente : Têtes de Maures

Au péril de sa vie, Stéphane sort de sa clandestinité parisienne et retourne en Corse assister aux obsèques de son compagnon d’armes Christophe, qui vient d’être exécuté. Il se remémore leur trajectoire commune… Traitant de la particulière situation corse, si chatouilleuse pour les insulaires, ce film qui fuit le folklore caricatural possède une dimension régionaliste forte. Pour autant, l’histoire n’a rien d’hermétique pour les “pinzuti” : le contexte, aussi dramatique que politique est détaillé par des cartons explicites. On assiste ici à une scission dans les rangs des indépendantistes, entre une composante minoritaire inspirée par une doctrine marxiste, et une frange davantage tentée par le banditisme. A ces “philosophies” irréconciliables s’ajoutent des querelles personnelles, qui tournent vite, promiscuité oblige, en peines capitales. S’ouvrant sur un plan choc (et cependant sans gratuité ni complaisance) montrant frontalement l’abomination d’une élimination “typique”, Un vie violente évoque par moments la tragédie grecque, en particulier lors d’un déjeuner de veu

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Bach-élite

Classique | Atypiques, authentiques, intuitifs... Les deux guest stars de la Petite Saison du SyLF se soustraient délibérément au culte du superlatif médiatique. Purs (...)

Alain Koenig | Mardi 31 janvier 2017

Bach-élite

Atypiques, authentiques, intuitifs... Les deux guest stars de la Petite Saison du SyLF se soustraient délibérément au culte du superlatif médiatique. Purs parmi les purs, ils s'apprécient et se connaissent : Mathieu Névéol maîtrise son instrument sur le bout des doigts, pas de doute ! Violoniste-concertiste de talent, il est aussi luthier. Cette double carte de visite a de quoi intriguer dans une époque où le cloisonnement phagocyte l'artisan-musicien, rêveur ardent et passionné. Promoteur inlassable de son instrument, il le met au service des patrimoines architecturaux en détresse, ou des répertoires traditionnels sous-représentés sur la « planète classique ». Philippe Bourlois, quant à lui, donne à l'accordéon, un peu "boudi-boudé" pour ses effluves prolétaires, ses lettres de vraie noblesse. Le SyLF nous enjoint une nouvelle fois, à troquer l'onirisme dominical de notre couette pour celui du grand Jean-Sébastien ! Qu'il en soit remercié. Dans cette transcription, le sublime Concerto en fa mineur se rajoutera à l'inventaire des ébouriffantes prestations de Philippe Bourlois. Autres biscuits apéritifs: du Piazzola, bien sûr, des œuvres et arrangements de Mathieu Névéol

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Ultra « Violette »

MUSIQUES | Piano-chant flétri par les ans, "Violetta", version française de la "Traviata", aurait pu rester en jachère sur les étagères de la médiathèque du conservatoire. C'était sans compter sur le sens inné du revival de Robert Parize et de ses talentueux acolytes lyriques ! Alain Koenig

Alain Koenig | Mercredi 31 août 2016

Ultra « Violette »

En s'engageant dans son projet d'élève, le metteur en scène Robert Parize, qui s'était déjà affirmé comme une vraie pointure dans Cendrillon de Pauline Viardot, s'élance, à l'assaut d'un véritable sanatorium. Cette Traviata, en version française, ressuscitée avec la fraîcheur des alpages et beaucoup de second degré, devient, avec la complicité de la musicologue Florence Badol-Bertrand, son trésor de guerre. Il décape le blockbuster planétaire de Verdi, dans sa délicieuse traduction d'Édouard Duprez, très Salle Favart, subtilement surannée : « L'amour m'enivre, je veux te suivre...Bientôt fraîche et plus jolie, la rose à ton front renaîtra... ». Il faut dire que la distribution, présentée lors d'une très opportune sortie de résidence, est un sans faute ! Ultra-chic Amélie Grillon, que les amoureux de belles voix connaissent bien, s'impose comme une évidence vocale et scénique dans ce rôle si périlleux où tant de sopranos lyriques se sont abîmées. Aurélien Raymond, Rodolphe (Alfredo) ténor de charme est tout aussi convaincant que sa contrepartie féminine, tandis qu'il incombe à François Gauthier la lourde charge d'incarner le truche

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"La Loi de la jungle" : et si c'était le succès surprise de l’été ?

ECRANS | Satire de la bureaucratie obstinée et stérile, film d’aventure burlesque, le second long-métrage d’Antonin Peretjatko est beau comme la rencontre de Jean-Luc Godard (première époque) et de Peter Sellers sur une piste de ski en Guyane.

Vincent Raymond | Jeudi 16 juin 2016

Quand elles ne font pas désespérer du genre humain, les règles administratives sont d’inépuisables sources d’inspiration pour un auteur comique. L’absurdité pratique de certaines d’entre elles, combinée à la suffisance de ceux qui les promulguent comme de ceux chargés de les faire respecter, les confit de ridicule, éclaboussant au passage l’ensemble de l’institution les ayant engendrées. Aussi, lorsque Antonin Peretjatko imagine la Métropole décréter d’utilité publique la construction d’une piste de ski artificiel en Guyane, on s’étonne à peine. Pas plus lorsqu’il montre un pays abandonné aux mains des stagiaires au mois d’août. L’abominable norme des neiges On s’étrangle en revanche — de rire — devant la cavalcade de gags assénés, à un tempo d’autant plus soutenu que la vitesse du film, légèrement accélérée, donne aux voix un ton aigrelet décalé. Peretjatko investit tous les styles d’humour (le visuel pur et chorégraphié à la Tati, le burlesque de la catastrophe façon Blake Edwards, le nonsense montypythonesque et l’aventure exotique trépidante dont Philippe de Broca avait le secret) en conservant sa propre “musique”. Tâtonnant dans ses films précédents, i

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Élie Chouraqui : « On a le droit et le devoir de montrer ”l'immontrable“ »

ECRANS | Choc des Rencontres cinématographiques du Sud d’Avignon, où il a été projeté en avant-première, L’Origine de la violence a été présenté par un Élie Chouraqui combatif et serein.

Vincent Raymond | Mercredi 25 mai 2016

Élie Chouraqui : « On a le droit et le devoir de montrer ”l'immontrable“ »

Y a t-il de la violence en vous ? Avez-vous réussi à en déterminer l’origine ? Il y en a, oui. J’ai fait un peu d’analyse, je me suis fait “suivre”, comme on dit, parce que j’avais des questions auxquelles personne n’avait répondu. Des vides dans mon passé, des inquiétudes, des angoisses — qui m’habitent toujours, qui ne sont pas complètement dissipées — m’empêchant parfois de “bien” vivre. J’avais tendance à me mettre dans des situations désagréables alors que ce n’était pas du tout indispensable. J’ai compris pourquoi. Maintenant, je vais mieux (rires). Je suis beaucoup plus apaisé. Vous évoquez à travers le film les interdits pesant sur la représentation des camps d’extermination — et l’impossibilité de montrer des déportés en train de rire. C’est rare… Ce principe de Claude Lanzmann, selon lequel on ne montre pas l’immontrable, c’est comme un lieu commun, c’est stupide. Pardon pour Lanzmann, pour lequel j’ai beaucoup de respect, mais il n’est pas question de garder les choses mystérieuses, sans en parler. Il faut au contraire tout montrer et tout analyser — si possible avec talent et intelligence. On a non seulement l

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L’Origine de la violence

ECRANS | Absent des écrans depuis presque une décennie, Élie Chouraqui revient avec un film inégal dans la forme (ah, cette satanée image numérique…), mais prodigieusement intéressant sur le fond. Pas vraiment étonnant car il pose, justement, des questions de fond. Vincent Raymond

Vincent Raymond | Mardi 3 mai 2016

L’Origine de la violence

Comme beaucoup de cinéastes, d’artistes ou tout simplement d’êtres, Élie Chouraqui est double. Parfois il s’engage dans une veine sentimentale, dans le film-chorale “superficiel et léger” façon Marmottes ; parfois il montre sa face la plus tourmentée dans des œuvres graves, profondes — indiscutablement les plus réussies. Man on Fire (1989) ou Harrison’s Flowers (2000) constituent ainsi des repères précieux dans sa filmographie ; L’Origine de la violence pourrait les rejoindre — et ce en dépit d’une facture parfois un peu bancale, qu’un budget étriqué peut justifier. Bien qu’il s’agisse ici d’une adaptation d’un roman de Fabrice Humbert, l’œuvre en résultant s’avère éminemment personnelle ; une sorte de synthèse où il opère une réconciliation entre ses thèmes de prédilection : la famille, la mémoire et la guerre — pas n’importe laquelle, la Seconde Guerre mondiale. Partant questionner les silences intimes, les non-dits et les interdits, il traite du rapport au temps et à l’oubli, au pardon nécessaire et à la mémoire obligatoire. Jamais il n’excuse, son propos est net, mais il fait la démarche d’expliquer pour comprendre des personnages qu’il a l’audac

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Ultra « Violette »

MUSIQUES | Piano-chant flétri par les ans, Violetta, version française de la Traviata, aurait pu rester en jachère sur les étagères de la médiathèque du conservatoire. C'était sans compter sur le sens inné du revival de Robert Parize et de ses talentueux acolytes lyriques ! Alain Koenig

Alain Koenig | Mardi 5 avril 2016

Ultra « Violette »

En s'engageant dans son projet d'élève, le metteur en scène Robert Parize, qui s'était déjà affirmé comme une vraie pointure dans Cendrillon de Pauline Viardot, s'élance, à l'assaut d'un véritable sanatorium. Cette Traviata, en version française, ressuscitée avec la fraîcheur des alpages et beaucoup de second degré, devient, avec la complicité de la musicologue Florence Badol-Bertrand, son trésor de guerre. Il décape le blockbuster planétaire de Verdi, dans sa délicieuse traduction d'Édouard Duprez, très Salle Favart, subtilement surannée : « L'amour m'enivre, je veux te suivre...Bientôt fraîche et plus jolie, la rose à ton front renaîtra... ». Il faut dire que la distribution, présentée lors d'une très opportune sortie de résidence, est un sans faute ! Ultra-chic Amélie Grillon, que les amoureux de belles voix connaissent bien, s'impose comme une évidence vocale et scénique dans ce rôle si périlleux où tant de sopranos lyriques se sont abîmées. Aurélien Raymond, Rodolphe (Alfredo) ténor de charme est tout aussi convaincant que sa contrepartie féminine, tandis qu'il incombe à François Gauthier la lourde charge d'incarner le truche

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L'Attente

ECRANS | De Piero Messina (Fr/It, 1h40) avec Juliette Binoche, Lou de Laâge, Giorgio Colangeli…

Vincent Raymond | Mardi 15 décembre 2015

L'Attente

Pour sa première réalisation, Piero Messina se gâte avec une belle distribution (Binoche de tous les plans ou presque, Lou de Laâge), de somptueux décors siciliens, un cadre soigneusement composé autour de symétries léchées et un matériau de base très classe : une pièce de Pirandello. Et puis il se rate, aussi, en étant incapable d’adapter la forme dramaturgique d’origine à la dynamique cinématographique : on subit l’effroyable pesanteur du théâtre filmé, rendu d’autant plus pénible par l’inconsistance de l’intrigue. Le pire, c’est cette espèce de faux suspense, mâtiné d’onirisme esthétisant, tentant de faire croire que le personnage attendu en vain pendant le film n’est pas mort — alors qu’on a suivi ses obsèques dès les premières séquences. Le plaisir exotique de voir Juliette Binoche rire et pleurer en italien se paie fort cher… VR

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Qu’as-tu vu à la guerre, Johnny ?

ECRANS | Si la question de la mort choisie fait l’objet en ce moment d’une mise en lumière particulière grâce au film de Pascale Pouzadoux La Dernière Leçon (04/11), (...)

Vincent Raymond | Mardi 3 novembre 2015

Qu’as-tu vu à la guerre, Johnny ?

Si la question de la mort choisie fait l’objet en ce moment d’une mise en lumière particulière grâce au film de Pascale Pouzadoux La Dernière Leçon (04/11), adapté du livre de Noëlle Châtelet, elle traverse le cinéma depuis des années, avec des œuvres ayant contribué à porter à la connaissance du grand public cette problématique douloureuse. La Cinémathèque de Saint-Étienne en projette une significative jeudi 12 novembre à 18h dans le cadre de l’événement « Une ville en partage » : Johnny got his gun (Johnny s’en va-t-en guerre, 1971). Unique réalisation de Dalton Trumbo — l’un des « 10 d’Hollywood » à avoir été blacklistés par le Macchartysme —, il s’agit à la fois d’une leçon de cinéma et d’humanisme : on y suit en effet en « vision » subjective le ressenti d’un soldat étasunien de la Grande Guerre gravement mutilé au front — il ne reste de lui qu’un tronc et un fragment de visage. Privé de l’ouïe, de la vue, Johnny vit dans ses souvenirs (sa jeunesse, sa famille, l’ivresse du départ, ses étreintes avec sa fiancée…) et tente de faire comprendre à son entourage qu’il est encore, malgré tout, conscient

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La Grande Guerre, une bonne guerre ?

ARTS | « Bénéfices de guerre, guère de bénéfices ? » Voilà une interrogation pouvant paraitre sordide au premier abord. Cette nouvelle exposition du Musée (...)

Marlène Thomas | Mardi 3 novembre 2015

La Grande Guerre, une bonne guerre ?

« Bénéfices de guerre, guère de bénéfices ? » Voilà une interrogation pouvant paraitre sordide au premier abord. Cette nouvelle exposition du Musée d’Art et d’industrie a pour ambition de sortir des sentiers battus en proposant une nouvelle vision de la Grande Guerre de 14-18, celle des "combattants de l’arrière". A travers deux salles, Nadine Besse, Eric Perrin et Stéphane Rivoire mettent en perspective l’important engagement de la région stéphanoise dans l’effort de guerre national, tout en révélant les polémiques sous-jacentes à son enrichissement industriel. La première salle place le visiteur dans le contexte du site industriel d’avant-guerre, en présentant neuf personnages fictifs qui l’accompagneront tout au long de la visite. Ces personnages, construits à partir de témoignages de personnes réelles, représentent les diverses populations de la région et permettent d’humaniser l’exposition. Le visiteur s’imprègne alors des différentes histoires et quotidiens tout en appréhendant, dans la seconde salle, les réalités économiques et les progrès sociaux réalisés pendant la guerre. Loin de se contenter de panneaux explicatifs, l’exposition regorge d’objets emblématiques

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Nuits incertaines

ARTS | « Mais quand tout a disparu dans la nuit, « tout a disparu » apparaît. C'est l'autre nuit. La nuit est apparition du « tout a (...)

Jean-Emmanuel Denave | Lundi 15 juin 2015

Nuits incertaines

« Mais quand tout a disparu dans la nuit, « tout a disparu » apparaît. C'est l'autre nuit. La nuit est apparition du « tout a disparu ». Elle est ce qui est pressenti quand les rêves remplacent le sommeil, quand les morts passent au fond de la nuit, quand le fond de la nuit apparaît en ceux qui ont disparu » écrit Maurice Blanchot. Ce dehors, cette « autre nuit » de l'écrivain, semblent particulièrement résonner avec les tableaux de Damien Cadio (né en 1975 à Mont-Saint-Aignan). Des formes pâles y sourdent de fonds obscurs, détachées de tout contexte, flottant comme des fantômes devant notre regard un peu angoissé. Ce sont des mains, des visages livides ou bien masqués, des lueurs comme des tâches de couleurs évanescentes, des crânes, des animaux, des fleurs, des anonymes dans des situations indéterminées... Toutes ces apparitions, qui semblent flotter entre deux mondes, sont issues d'images récoltées par l'artiste sur Internet. Des images les plus banales possibles que Cadio fait basculer avec beaucoup de talent dans l'inquiétante étrangeté. « J'ai commencé la peinture en fanfare, avec des formats immenses, peints au sang, à la pisse, très violent

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Hacker

ECRANS | Ce devait être le grand retour de Michael Mann après le décevant "Public Enemies", mais ce cyber-thriller ne fait oublier un scénario aux enjeux dramatiques faibles et aux personnages superficiels que lors de ses scènes d’action époustouflantes et novatrices. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mercredi 18 mars 2015

Hacker

Pour son retour au cinéma après six ans de silence — et une série HBO avortée, Luck —, Michael Mann s’est fixé un défi à la hauteur de sa réputation : filmer les flux du cyberespace et la manière dont cette mondialisation des données affecte le monde réel. Hacker va donc défier David Fincher, l’autre grand cinéaste numérique du XXIe siècle, sur son terrain de prédilection, et il le fait d’abord en matérialisant les circuits informatiques qui relient un cyberpirate à une centrale nucléaire chinoise, provoquant une catastrophe aux conséquences géopolitiques inattendues. En effet, la police chinoise doit pactiser avec le FBI américain pour retrouver l’auteur de l’attaque, qui pourrait avoir des liens avec un ancien hacker purgeant une peine de prison, à qui l’on accorde donc une gracieuse liberté conditionnelle le temps de l’enquête. On sent que Mann se plaît à amener son cinéma vers de nouveaux territoires, que ce soit celui des effets spéciaux numériques ou celui de l’empire capitaliste chinois avec ses villes polluées et ultratechnologiques. En revanche, il ne trouve de moyen pour les faire se rejoindre qu’un action man bodybuildé e

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A most violent year

ECRANS | J. C. Chandor explore à nouveau les flux du capitalisme américain en montrant l’ascension d’un self made man dans le New York violent et corrompu de 1981. Un thriller glacial, élégant et cérébral qui confirme son auteur comme la révélation américaine des années 2010. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 23 décembre 2014

A most violent year

La chute d’une banque et de ses employés lors de la crise financière de 2008 ; un marin solitaire en perdition sur l’océan ; un entrepreneur cherchant à faire fructifier son business malgré une violence omniprésente et la pression des juges et de ses concurrents. Quoi de commun entre Margin call, All is lost et A most violent year, les trois premiers films (en trois ans !) de J. C. Chandor ? Une affaire de flux et de cap, de tempêtes et d’éthique, de systèmes déréglés et d’humanité en péril. Le protagoniste de A most violent year, Abel Morales, aime les lignes droites. On le découvre longeant les quais de New York pour son footing quotidien, dans un travelling latéral qui vaut résumé de son caractère ; il ne cessera de le répéter : toute sa vie, il a suivi «le droit chemin». Cet entrepreneur ambitieux, qui a fait de la distribution du pétrole son fonds de commerce, est sur le point de gravir un échelon en rachetant des entrepôts au bord de l’Hudson à une famille de juifs traditionalistes. Self made man et fier de l’être,

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Eden

ECRANS | Présenté comme un film sur l’histoire de la French Touch, Eden de Mia Hansen-Love évoque le mouvement pour mieux le replier sur une trajectoire romanesque, celle d’un garçon qui croyait au paradis de la house garage et qui se retrouve dans l’enfer de la mélancolie. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 4 novembre 2014

Eden

Nuits blanches et petits matins. L’extase joyeuse des premières soirées techno-house où le monde semble soudain s’ouvrir pour une jeunesse en proie à un nouvel optimisme, à toutes les expériences et à toutes les rencontres ; et ensuite la descente, le retour chez soi, la gueule de bois, le quotidien de la vie de famille et des disputes amoureuses. Cette courbe-là, Eden la répète à deux échelles : la plus courte, celle des cérémonies du clubbing d’abord sauvages, puis ritualisées via les soirées Respect ; et la plus large, celle de son récit tout entier, où l’utopie de la culture house-garage portée par son héros se fracasse sur la réalité de l’argent, des modes musicales et du temps qui passe. Aux États-Unis, on appelle ça un «period movie», un film qui embrasse une époque et un mouvement, de ses prémices à son crépuscule. Eden, quatrième film de Mia Hansen-Love répond en apparence à ce cahier des charges, puisqu’il s’étend sur une dizaine d’années, à la charnière des années 90 et des années 2000, celles où la France a été une tête chercheuse du mouvement techno, avec en figures de proue les deux membres de Daft Punk, Thomas Bangalter et Guy-Ma

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Gemma Bovery

ECRANS | D’Anne Fontaine (Fr, 1h39) avec Fabrice Luchini, Gemma Arterton, Jason Flemyng…

Christophe Chabert | Mardi 9 septembre 2014

Gemma Bovery

Martin Joubert, un boulanger féru de littérature, s’ennuie dans son petit village normand jusqu’à ce que débarquent de leur Angleterre natale Gemma Bovery et son mari Charles. À la fois troublé par la sensualité de la jeune femme et par sa ressemblance avec Emma Bovary, l’héroïne de Flaubert, Martin s’embarque dans un jeu fait de voyeurisme et de fantasmes, érotiques autant que littéraires, envers elle. Cette trame-là est de loin ce qu’il y a de plus intéressant dans le nouveau film d’Anne Fontaine, mais la cinéaste n’en tire aucun point de vue fort dans sa mise en scène. Plutôt que de coller au regard de Martin et à sa capacité à interpréter sauvagement la réalité en fonction de son désir et de ses références, elle va régulièrement filmer son contrechamp, ce qui tue instantanément toute ambiguïté et tout trouble. L’exemple évident est la relation entre Gemma et Hervé, le fils à maman friqué qui devient son jeune amant fougueux ; la scène où Martin "double" leur dialogue à distance est une belle idée, mais Fontaine la réduit à néant en enregistrant aussi la vraie conversation entre les deux tourtereaux. Cette manière tiède et rassurante de raconter son histoire i

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Tristesse club

ECRANS | Premier film sous influence Wes Anderson de Vincent Mariette à l’humour doucement acide, où deux frères et une sœur partent enterrer un père / amant devenu un fantôme dans leur vie, pour un road movie immobile stylisé et séduisant. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 3 juin 2014

Tristesse club

Dans Tristesse club, comme dans tout bon road movie, une voiture tient un rôle décisif : c’est une vieille Porsche et elle appartient à Léon, ancien tennisman tombé dans la lose intégrale, plaqué par sa femme et méprisé par son propre fils de dix ans, à qui il essaie pathétiquement de taxer de l’argent. Cette voiture, c’est un peu la dernière chose qu’il possède dans l’existence, et il s’y accroche comme à une bouée de sauvetage face au naufrage de sa vie. Ladite Porsche va servir à beaucoup de choses au cours du film : par exemple, elle se transformera en abri protecteur contre une meute de chiens errants, ou d’issue de secours pour échapper à la rancœur ambiante. Car Léon a rendez-vous avec son frère Bruno pour enterrer leur père, qu’ils n’ont pas vus depuis des lustres et avec qui ils entretenaient des rapports opposés : houleux pour Léon, résignés pour Bruno. Les choses s’enveniment encore lorsqu’ils font la connaissance d’une demi-sœur dont ils ignoraient l’existence. Elle leur avoue que leur père n’est pas mort ;  il a juste disparu sans laisser de traces. Le deuil d’un fantôme Voilà donc un trio de comédie formidablement constitué, notam

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Le trio qui donne des «L»

MUSIQUES | Heureux le village de Pommiers qui verra le 11 mai se poser les ailes du Trio «L» ! Au piano Lyuba Zhezcheva, au violoncelle Louison Crès-Debacq, et (...)

Alain Koenig | Mercredi 30 avril 2014

Le trio qui donne des «L»

Heureux le village de Pommiers qui verra le 11 mai se poser les ailes du Trio «L» ! Au piano Lyuba Zhezcheva, au violoncelle Louison Crès-Debacq, et Louis-Jean Perreau au violon, livreront un programme subtil, concocté par de véritables «chambristes». Dans une lettre adressée à Robert Godet son ami, Claude Debussy décrit sa Sonate pour violon et piano en ces termes: «Défiez-vous à l'avenir des œuvres qui paraissent planer en plein ciel, souvent elles ont croupi dans les ténèbres d'un cerveau morose...». Dans une autre lettre, il surenchérit : «Sachez donc, ami trop confiant, que je n'ai écrit cette sonate que pour m'en débarrasser...» Pourtant, la subtilité harmonique et mélodique de ce petit «bijou» ne cessent d'étonner encore aujourd'hui. La fougue, la grâce et l'engagement «physique» de la talentueuse phalange ligérienne sauront, à n'en point douter, faire oublier les ratiocinations debussiennes pour laisser place à la «musique pure» d'un de nos plus grands compositeurs. La Grande Guerre étant le fil rouge du programme, le Trio en la mineur de Maurice Ravel redonne, dans son premier mouvement, du courage au compositeur engagé au front, par

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Tonnerre

ECRANS | De Guillaume Brac (Fr, 1h40) avec Vincent Macaigne, Solène Rigot, Bernard Menez…

Christophe Chabert | Lundi 27 janvier 2014

Tonnerre

Un rocker dépressif retourne vivre chez son père à Tonnerre, petite ville de l’Yonne connue surtout pour son vin, et y tombe amoureux d’une jeune journaliste locale, d’abord séduite, puis fuyante… Guillaume Brac, qui avait moissonné les prix avec son moyen métrage Un monde sans femmes, passe au long sans vraiment convaincre. L’idée de renouveler le boy meets girl hexagonal par le traitement quasi-documentaire d’un environnement familier à l’auteur ne crée aucune vérité à l’écran, mais souligne surtout la gaucherie, certes sympathique, des comédiens professionnels — Macaigne et Menez, dont le lien de parenté saute aux yeux, techniquement parlant. Plus l’histoire avance, plus Tonnerre ronronne dans une esthétique de téléfilm France 3 Région assez morne, où la grisaille tient lieu d’humeur monotone. Symptomatique des premiers films français, cette peur d’empoigner la matière cinématographique pour se réfugier prudemment derrière des idées depuis longtemps éculées n’est bousculée que par un dernier tiers qui s’aventure timidement sur la piste du mélodrame criminel, et plus encore par la présence, charnelle, intrigante et émouvante de Solène Rigot.

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2 automnes 3 hivers

ECRANS | Un joli premier film signé Sébastien Betbeder, à la fois simple et sophistiqué, qui raconte des petites choses sur des gens ordinaires en tentant de leur donner une patine romanesque, comme un croisement entre les chansons de Vincent Delerm et celles de Dominique A. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Lundi 23 décembre 2013

2 automnes 3 hivers

Les histoires d’amour entre trentenaires, l’angoisse de l’âge adulte, les instants fugaces, les départs et les retrouvailles, les films qui font partie de la vie et les chansons qu’on fredonne… 2 automnes 3 hivers a à peu près tout pour se faire détester par ceux qui fustigent un cinéma d’auteur français désespérément étriqué. Et Vincent Macaigne, metteur en scène de théâtre devenu «star» d’une génération de cinéastes l’utilisant dans son propre rôle d’ahuri lunatique et bégayant, y tient un des rôles principaux, ce qui ajoute au potentiel d’irritation de ce premier film signé Sébastien Betbeder. Pourtant, malgré l’étroitesse de son rapport au monde, malgré la fragilité de son propos, 2 automnes 3 hivers possède un charme tout à fait singulier et une réelle audace derrière son apparente modestie. Betbeder tente un grand écart entre la simplicité de ce qu’il raconte et la sophistication de son dispositif, qui emprunte à la littérature, au théâtre et surtout à de nombreux artifices purement cinématographiques. Les Amants parallèles Un matin, en allant faire son jogging, Arman croise Amélie ; comme il veut revoir cette belle inconnue, il

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La Bataille de Solférino

ECRANS | Un micmac sentimental autour d’un droit de visite paternel le soir de l’élection de François Hollande. Bataille intime et bataille présidentielle, fiction et réalité : Justine Triet signe un film déboussolant dont l’énergie débordante excède les quelques défauts. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 17 septembre 2013

La Bataille de Solférino

Vincent et Lætitia sont séparés ; ils ont eu deux enfants ; Lætitia a obtenu leur garde, Vincent un simple droit de visite qu’il applique n’importe comment, et son comportement un brin borderline ne fait que jeter de l’huile sur le feu. Ce drame ordinaire a été raconté mille fois, mais La Bataille de Solférino lui donne une dimension cinématographique unique : Lætitia est journaliste à Itéle et là voilà contrainte d’aller couvrir les résultats du second tour de l’élection présidentielle, le 6 mai 2012, au siège du PS rue de Solférino. Là encore, le scénario est connue, mais c’est le télescopage entre ces deux dramaturgies écrites d’avance — la crise du couple séparé et la victoire de François Hollande — qui donne au film sa vibration d’incertitude. Justine Triet fait entrer la fiction dans la réalité par surprise et sans filet ; quand Vincent débarque rue de Solférino dans la ferme intention de régler ses comptes avec son ancienne compagne, on craint à plus d’une reprise que cette foule en liesse, ivre mais pas que de joie, ne s’en prenne à lui comme s’il était un trouble-fête un peu trop hargneux pour les circonstances. La France coupée en deu

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La Fille du 14 juillet

ECRANS | Premier long-métrage d’Antonin Peretjatko, cette comédie qui tente de réunir l’esthétique des nanars et le souvenir nostalgique de la Nouvelle Vague sonne comme une impasse pour un cinéma d’auteur français gangrené par l’entre soi. Qui mérite, du coup, qu’on s’y arrête en détail… Christophe Chabert

Christophe Chabert | Vendredi 7 juin 2013

La Fille du 14 juillet

En remplacement d’un LOL galvaudé par l’adolescence sans orthographe, le branchouille a pris l’habitude de placer un peu partout des WTF — pour What The Fuck. WTF : un sigle qui semble avoir été importé pour résumer un certain cinoche d’auteur français qui, à la vision répétée de chacun de ses jalons, provoque la même sensation d’incrédulité. Qu’est-ce qui passe par la tête des cinéastes pour accoucher de trucs aussi improbables, dont une partie de la critique s’empare pour en faire des étendards de contemporanéité là où, même de loin, on ne voit pas la queue d’une idée aboutie ? La Fille du 14 juillet pousse même un cran plus avant le concept : c’est un film WTF assumé, le rien à péter devenant une sorte de credo esthétique et un mode de fabrication. Derrière la caméra, Antonin Peretjatko, déjà auteur d’une ribambelle de courts métrages sélectionnés dans un tas de festivals — mais refusés systématiquement dans beaucoup d’autres, c’est dire si son cas provoquait déjà des réactions épidermiques ; devant, le dénommé Vincent Macaigne, dont l’aura de metteur en scène de théâtre — dont on a pu lire du

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Des gens qui s’embrassent

ECRANS | De Danièle Thompson (Fr, 1h40) avec Kad Merad, Éric Elmosnino, Monica Bellucci, Lou De Laâge…

Christophe Chabert | Mardi 9 avril 2013

Des gens qui s’embrassent

Poursuivant ce qu’elle pense être une observation de la société française, Danièle Thompson invente surtout au fil des films une grande célébration des classes supérieures et de leurs valeurs : famille, religion, argent, apparences, réussite… Elle a beau, comme ici, créer des oppositions — les artistes contre les nantis, les candides contre les cyniques — ce n’est qu’une habile diversion avant la réconciliation finale — dans ce film-là, incroyablement bâclée. Et quand il s’agit de critiquer vaguement l’arrogance de ses personnages, c’est à travers des stéréotypes embarrassants, pas aidés par des comédiens parfois en pleine panade — Monica Bellucci est catastrophique en bourgeoise hystérique. Surtout, Des gens qui s’embrassent a l’ambition d’un film choral, mais se retrouve coincé dans un format de prime time d’évidence trop étroit, et qui intensifie tous ses défauts : ainsi la narration avance par bonds temporels, s’attarde sur des événements sans intérêt et passe à toute vitesse sur ce qui pourrait créer du trouble — le déterminisme amoureux qui relie les deux cousines, par exemple.

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