La Vénus à la fourrure

ECRANS | Une actrice, un metteur en scène, un théâtre et "La Vénus à la fourrure" de Sacher-Masoch : un dispositif minimal pour une œuvre folle de Roman Polanski, à la fois brûlot féministe et récapitulatif ludique de tout son cinéma. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mercredi 6 novembre 2013

À sa sortie, on avait pris Carnage pour une sorte de repli stratégique de la part de Roman Polanski. L'adaptation de la pièce de Yasmina Reza venait après ses déboires avec la justice suisse, et le choix d'un huis clos à quatre personnages lui permettait de tourner vite en déclinant en virtuose sa science du découpage et de la mise en scène. Surtout, il y circulait une rage que l'on imaginait circonstanciée, là encore liée à cette énième humiliation dans une vie déjà chaotique.

Derrière sa réjouissante santé, par-delà la comédie de mœurs labyrinthique à laquelle Polanski nous convie, La Vénus à la fourrure poursuit ce double geste de façon enthousiasmante. C'est une charge virulente contre l'époque et ses travers, ici pris sous l'angle de la lutte des sexes, et c'est à nouveau un huis clos tiré d'une pièce de théâtre, signée cette fois David Ives ; sauf que cette fois, le théâtre est le lieu et la matière du film, même si, en transparence, le cinéaste vise aussi tout ce qu'implique l'acte de mettre en scène, y compris le sien.

Le théâtre du complot

Il y a donc un auteur, Thomas, qui s'apprête à adapter La Vénus à la fourrure de Sacher-Masoch sur les planches, et qui cherche une comédienne pour incarner Vanda. Mais, en cette journée d'auditions, il n'a vu défiler que de ravissantes idiotes, et il peste au téléphone auprès de sa compagne contre l'inculture de ces jeunes filles surtout préoccupées par leur carrière. Soudain, comme tombée du ciel – orageux, orageux, ce qu'on découvre durant le générique, travelling à travers une allée parisienne où la caméra finit par pousser les portes du théâtre, le tout rythmé par une musique de sabbat païen d'Alexandre Desplat, très inspiré – une dernière actrice débarque, en retard, trempée jusqu'aux os, trop maquillée, un peu vulgaire ; et pour couronner le tout, son nom n'est même pas sur la liste des auditions.

Au départ, elle donne raison à Thomas : mâchouillant son chewing-gum et ponctuant toutes ses phrases par des « genre » et des « OK », elle figure une caricature de la comédienne écervelée, et plus toute jeune qui plus est. Mais, à force d'insister, elle finit par obtenir le droit de faire un essai pour le rôle, et c'est Thomas qui lui donnera la réplique. Dès les premières lignes, la voilà métamorphosée, crédible en demoiselle autrichienne du XIXe siècle. C'est le renversement inaugural opéré par Polanski dans La Vénus à la fourrure, et ce n'est pas le dernier puisqu'il va ensuite s'amuser à brouiller les frontières entre le texte de Sacher-Masoch et celui de Ives, entre la représentation théâtrale et la mise en scène cinématographique, créant ainsi une atmosphère de complot où le pouvoir ne cesse de changer de main.

La déesse du carnage

Thomas et Vanda sont comme les trois actes d'une pièce, à tour de rôles acteurs, personnages et auteurs de partitions conflictuelles. Mais chacun de ces actes renvoie à un moment du cinéma polanskien, si bien que La Vénus à la fourrure est comme un condensé sidérant de toute son œuvre, enfermé entre quatre murs mais libre d'en explorer tous les recoins : la scène et les gradins, la régie et les loges, ouvrant un espace considérable pour une mise en scène constamment inventive et d'une remarquable fluidité…

Thomas est un bourgeois hautain et arrogant qui pense détenir un savoir qui le met à l'abri de la bêtise environnante ; puis il devient un homme ensorcelé par une femme dont il cherche à percer le mystère ; et il terminera en être androgyne et humilié, victime d'un machisme dont il n'a même plus conscience. Il est à la fois Le Pianiste, l'écrivain de Lunes de fiel et Le Locataire. Il est surtout un parfait alter ego de Polanski, metteur en scène obsédé par le contrôle mais dépassé par son désir ; la ressemblance, graduellement troublante, entre Amalric et le cinéaste, achève de le souligner. En face de lui, Emmanuelle Seigner, impressionnante comme jamais auparavant, semble elle aussi ramasser en un seul rôle tous ceux qu'elle a tenus chez son mari : la fille d'à côté muée en héroïne hitchcockienne de Frantic, la femme fatale de Lunes de fiel et le diable sexué de La Neuvième porte.

Cet affrontement entre deux archétypes quasi-mythologiques – l'Homme dominant et la Femme asservie – a quelque chose de vertigineux à l'écran : car Polanski arrive non seulement à éclairer sous un jour nouveau ce qui travaillait secrètement ses films, dont on découvre aujourd'hui à quel point ils ont toujours été féministes, mais il parvient à le faire dans un geste extrêmement audacieux de cinéma, où chaque détail sollicite une attention totale du spectateur, qui perd pied entre le réel, sa représentation et sa représentation à l'intérieur de la représentation.

En cela, le jeu sur les objets, tantôt réels, tantôt mimés et sonorisés, et sur un érotisme essentiellement suggéré – il suffit d'un sein qui se dévoile furtivement et de manière inattendu pour que Thomas perde définitivement le peu d'ascendant qu'il avait encore sur la situation – participent du trouble ludique avec lequel Polanski nous invite dans son dispositif, dont l'épure dissimule l'extrême sophistication. C'est d'ailleurs à cela qu'on mesure quel immense cinéaste il est : avec La Vénus à la fourrure, il n'a jamais été si près d'une absolue nudité de moyens – deux comédiens, un seul lieu, du temps réel – et autant dans l'expérimentation, la liberté et l'ouverture sur le monde actuel. On l'imaginait replié sur lui-même ; il était, au contraire, en train d'élargir encore l'horizon de son œuvre, une des plus importantes du cinéma contemporain.

La Vénus à la fourrure
De Roman Polanski (Fr, 1h36) avec Emmanuelle Seigner, Matthieu Amalric…


La Vénus à la fourrure

De Roman Polanski (Fr, 1h33) avec Emmanuelle Seigner, Mathieu Amalric...

De Roman Polanski (Fr, 1h33) avec Emmanuelle Seigner, Mathieu Amalric...

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Seul dans un théâtre parisien après une journée passée à auditionner des comédiennes pour la pièce qu’il s’apprête à mettre en scène, Thomas se lamente au téléphone sur la piètre performance des candidates.


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"Rosemary’s Baby" : beauté (cinématographique) du diable

ECRANS | Le Ciné-Club de Grenoble lancera mercredi 5 décembre son cycle "Ô Diable" avec ce film culte de Roman Polanski.

Vincent Raymond | Mardi 27 novembre 2018

Mercredi 5 décembre, le Ciné-Club de Grenoble entamera son cycle "Ô Diable" en invoquant une œuvre à la sulfureuse réputation : Rosemary’s Baby (1968). Oh, il ne la doit pas tant à son histoire délicieusement inquiétante de possession et d’enfantement satanique savamment ourdie par un Roman Polanski alors galvanisé par son premier tournage à Hollywood et la promesse de son avenir radieux avec Sharon Tate ; ni à l’interprétation terrifiante de retenue de John Cassavetes ; pas plus qu’à la puissance de la suggestion qui fit croire à des milliers de spectateurs qu’ils avaient vu le visage du bébé. Ce qui, hélas, a contribué à la postérité de ce film, ce sont les tragédies bien réelles que d’aucuns ont bien voulu lui rattacher : le meurtre de Sharon Tate par les émules de Charles Manson, l’assassinat de John Lennon devant l’immeuble servant de décor, les "errements" de Polanski – et l’on en passe. Ne jetons pas le bébé avec l’eau du bain et revoyons le film pour ce qu’il est : un chef-d’œuvre de l’épouvante, qui glace le sang dès les premières mesures du générique, sur cette berceuse dissonante chantée par une mère détraquée, à qu

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"Réparer les vivants" : Simon, as-tu du cœur ?

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Vincent Raymond | Lundi 31 octobre 2016

À l’hôpital où des parents viennent d’apprendre que Simon, leur ado accidenté, se trouve en mort cérébrale, un médecin aborde avec tact la question du don d’organes. Ailleurs, une femme attend un cœur pour continuer à vivre… Cette transplantation du roman multiprimé de Maylis de Kerangal sur support cinéma présente des suites opératoires tout à fait attendues, en regard du protocole suivi. En convoquant une galerie d’interprètes popu/tendance autour d’un sujet touchant à un drame intime et à l’éthique, Katell Quillévéré est en effet assurée d’avoir son film-dossier programmé en amorce de mille débats, et que ses comédien(ne)s recevront un prix ici ou là. D’accord, elle nous évite avec raison toute forme d’hystérie et de tachycardie artificielle dans le montage (pour ne pas singer Urgences), mais le rythme est tout de même bien pépère et l’ambiance cotonneuse. Sage, gentiment didactique et surtout un brin trop aseptisé.

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L’insolente jeunesse des vieux cinéastes

ECRANS | Alors que la rentrée cinéma est dominée par des cinéastes entre 40 et 60 ans, deux octogénaires vont surprendre par la vigueur de leurs derniers opus, aussi inattendus que flamboyants de maîtrise : Woody Allen avec "Blue Jasmine" et Roman Polanski avec "La Vénus à la fourrure". Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 27 août 2013

L’insolente jeunesse des vieux cinéastes

Une expression bien aimée de la critique française parle des "films tardifs" des grands cinéastes pour évoquer leurs derniers opus. Manière élégante de dire qu’ils sont comme les combats de trop d’anciens puncheurs n’ayant plus les jambes pour suivre le rythme imprimé par la génération montante et réclamé par un public avide de nouveautés. Si les exceptions ne sont pas rares – de John Huston à Kinji Fukasaku – on a pris cette habitude de regarder vieillir les metteurs en scène que l’on aime avec un mélange d’affection et d’affliction. Or, en cette rentrée 2013 riche en événements, ce sont deux cinéastes ayant dépassé les 80 printemps qui vont frapper très fort, et montrer que le talent, mieux que les cellules, se régénèrent au contact de défis inédits dans leur carrière. Deux cinéastes nomades En même temps, quoi de plus différent que Blue Jasmine de Woody Allen et La Vénus à la fourrure de Roman Polanski ? Et quoi de commun entre les deux cinéastes – à part, diront les mauvais esprits, les scandales de mœurs auxquels ils ont été mêlés ? Allen enchaîne tel un métronome un film par an, au risque pas tou

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Cannes, jour 10 : bouquet final

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Christophe Chabert | Samedi 25 mai 2013

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Au moment où n’importe quel festivalier voit apparaître sur son visage des rides de fatigue qui le font ressembler à Bruce Dern dans Nebraska, il fallait pourtant se ressaisir d’urgence, car Thierry Frémaux, dans un hallucinant tir groupé final, avait placé en fin de compétition de très gros morceaux signés par de très grands cinéastes. C’est d’ailleurs à l’aune de cette attente, pour le coup gigantesque, que The Immigrant de James Gray a déçu. Attention, tout de même… Gray, dont les quatre derniers films ont tous été présentés en compétition, y a systématiquement récolté les mêmes commentaires perplexes ou frustrés, avant que lesdits films, à leur sortie, ne reçoivent un accueil enthousiaste d’une presse ayant revu son jugement à la hausse, et de spectateurs qui ont l’avantage considérable de ne pas s’être empiffré 35 films en dix jours. Mais la déception est soigneusement entretenue par Gray lui-même. En effet, The Immigrant part sur une piste qu’on identifie immédiatement comme coppolienne façon Parrain 2. Plan sur la stat

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Aurélien Martinez | Jeudi 28 mars 2013

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Si le nombre incalculable de propositions culturelles adressées au public oblige à un zapping effréné, on peut parfois prendre le temps de la réflexion et oser un lapidaire : pourquoi ? Oui, pourquoi Luc Bondy, metteur en scène de renom, a-t-il choisi de monter cette pièce de Pinter (Le Retour, publiée en 1964) avec ce casting-là (une pléiade de stars qui n’a pas été sans conséquence sur le budget de la création) ? Sur le texte de Pinter, et la nouvelle traduction de Philippe Djian, c’est l’incompréhension : une œuvre fade et poussive, malgré un sujet sulfureux (une femme fait irruption dans une famille uniquement composée d’hommes, et choisit volontairement de rester avec eux pour se prostituer) qui questionne quant à sa pertinence aujourd’hui – « un ramassis de clichés misanthropes et misogynes » écrira même la romancière Nancy Huston dans une tribune publiée par Libération. Quant au casting vertigineux (Bruno Ganz, Louis Ga

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Incompréhension totale

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Aurélien Martinez | Mercredi 9 janvier 2013

Incompréhension totale

Pour sa première mise en scène en tant que directeur de l’Odéon (prestigieuse scène parisienne), le metteur en scène Luc Bondy a choisi de monter Le Retour d’Harold Pinter, avec un casting haut de gamme convoquant entre autres Louis Garrel, Bruno Ganz, Emmanuelle Seigner ou encore Pascal Greggory. Sauf que la sauce ne prend jamais, les comédiens s’embourbent, semblant constamment chercher le sens de cette pièce datée au propos étrange (une famille d’hommes accueille la nouvelle femme de l’un d’eux avec désir). Et l’on se demande alors en sortant de la salle : mais pourquoi tout ça ? À voir (ou pas) à la MC2 du 4 au 10 avril.

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Dans la maison

ECRANS | De François Ozon (Fr, 1h45) avec Fabrice Luchini, Kristin Scott-Thomas, Emmanuelle Seigner…

Christophe Chabert | Jeudi 4 octobre 2012

Dans la maison

Germain Germain (bonjour Nabokov !) est un prof de français désespéré par la nullité de ses élèves. Alors qu’il lit leurs médiocres rédactions à sa femme qui, elle, tient une galerie d’art contemporain sur le thème sexe et pouvoir (bonjour Sade !), l’une d’entre elles sort du lot. L’élève y raconte son envie de s’introduire dans la maison de l’un de ses camarades pour s’approcher de cette vie bourgeoise, avec une mère archétypale des « femmes de la classe moyenne » (bonjour Flaubert !). Germain pense qu’il y a là un talent à canaliser, sans savoir qu’il met le doigt dans un dispositif dangereux : celui qui brouille la frontière entre la réalité et la fiction, mais aussi celui de François Ozon, qui déroule ici une mécanique ludique où l’on ne sait jamais si ce que l’on nous raconte est le fruit d’une narration objective, si celle-ci a été influencée par les conseils de Germain ou encore si elle n’est que le reflet de l’imagination de son élève. Le voyeurisme littéraire de l’un rencontre le voyeurisme réel de l’autre, et tout le monde finit par vivre son fantasme (d’auteur frustré, d’adolescent orphelin, de femme délaissée) par procuration. Ozon s’amuse manifestement – et

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Vous n’avez encore rien vu

ECRANS | À presque 90 ans, Alain Resnais est manifestement entré dans le crépuscule de sa carrière. Cela fait quelques films qu’on le dit, et on peut se demander si (...)

Christophe Chabert | Vendredi 21 septembre 2012

Vous n’avez encore rien vu

À presque 90 ans, Alain Resnais est manifestement entré dans le crépuscule de sa carrière. Cela fait quelques films qu’on le dit, et on peut se demander si le réalisateur n’a pas fini par inclure cette donnée comme un clin d’œil au spectateur – le titre de son dernier film, Vous n’avez encore rien vu, en est l’exemple manifeste. On a tendance aussi à louer sa "fantaisie" et sa "légèreté", mais c’est plus par indulgence coupable que par lucidité critique : la naphtaline s’emparait lentement de son cinéma, et elle vire ici à l’embaumement pur et simple. Le dispositif, très sophistiqué, voit une troupe d’acteurs réunis dans la dernière demeure d’un metteur en scène de théâtre qui les a tous dirigés dans une version ou une autre d’Eurydice. En guise de testament, il leur fait projeter la captation de sa dernière création, où la pièce est interprétée façon théâtre contemporain par de jeunes comédiens. Face aux images, ils vont revivre - rejouer leur rôle dans des décors réalistes ou numériques, effaçant la frontière entre le réel et sa représentation. C’est très malin, mais très répétitif aussi, et surtout lesté par le texte d’Anouilh, ampoulé, daté, fondame

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Le charme hargneux de la bourgeoisie

ECRANS | Huis clos à quatre personnages tiré de la pièce «Le Dieu du carnage» de Yasmina Reza, le nouveau film de Roman Polanski est une mécanique diabolique et très mordante, sur la violence masquée derrière les apparences sociales, avec un quatuor de comédiens au sommet de leur art. Critique et décorticage des racines du Carnage. Christophe Chabert

François Cau | Vendredi 2 décembre 2011

Le charme hargneux de la bourgeoisie

C’est un incident banal, une dispute entre gosses qui tourne mal : l’un d’entre eux en frappe un autre avec un bâton, lui brisant plusieurs dents et une partie de la mâchoire. Cette scène muette sert de générique à Carnage, et Polanski la filme de loin, en plein air, tandis que la musique guillerette d’Alexandre Desplat semble se moquer de la violence du geste. On devrait s’en tenir là. Et c’est peu ou prou ce qui se passe dans la scène suivante : les parents de la «victime», Penelope et Michael Longstreet (Jodie Foster et John C. Reilly) relisent devant eux la lettre d’excuses des époux Cowan (Kate Winslet et Christoph Waltz), père et mère du «coupable». Les deux couples peuvent alors se séparer à l’amiable, mais quelque chose cloche, comme une insatisfaction réciproque, la sensation d’un malentendu pas encore totalement dissipé. Alors qu’Alan et Nancy Cowan se dirigent vers l’ascenseur, Penelope, visiblement nerveuse, leur demande si c’est eux qui sont désolés ou leur enfant. Ça n’a l’air de rien, mais ce détail va déclencher une heure quinze de huis clos en temps réel où les quatre protagonistes se livreront à toutes les formes de mesquinerie, réglant leurs comptes avec une v

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Le goût de la claustrophobie

ECRANS | Polanski et le théâtre, c’est une longue histoire faite d’adaptations à l’écran, de créations pour la scène, mais surtout d’influence créative et de réminiscences autobiographiques. CC

François Cau | Vendredi 2 décembre 2011

Le goût de la claustrophobie

Pour Roman Polanski, le théâtre semble être une valeur refuge, sa filmographie revenant à intervalles réguliers vers des adaptations de pièces célèbres, classiques ou contemporaines, et lui-même s’aventurant régulièrement sur les planches, en tant qu’acteur et metteur en scène. C’est d’ailleurs la part la moins connue de son œuvre : en 1981, c’est lui qui crée à Londres Amadeus, la pièce de Peter Schaeffer, se distribuant dans le rôle de Mozart, ouvrant la voie à l’adaptation qu’en fera pour le cinéma un autre réalisateur de l’Est expatrié, Milos Forman. Sept ans plus tard, c’est sur une scène parisienne qu’il brille en incarnant Grégoire Samsa, l’homme ordinaire transformé en cloporte dans La Métamorphose de Kafka. Au cinéma, il met tout de suite la barre très haute pour sa première adaptation : une version de Macbeth de Shakespeare qui a le mérite de ne lorgner ni sur le baroque tapageur d’un Welles, ni sur le classicisme respectueux d’un Laurence Olivier — le film, toutefois, est loin d’être son meilleur. Il aura encore moins de chance avec La Jeune fille et la mort, huis clos trop attendu autour d’une rescapée des camps de la mort qui séquestre chez elle celui qu’elle pense

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Essential killing

ECRANS | La fuite désespérée d’un taliban afghan dans l’Est de l’Europe, ou comment un acteur physique et mutique, Vincent Gallo, se livre à corps perdu à son metteur en scène, Jerzy Skolimowski, pour une œuvre prenante et picturale. Christophe Chabert

François Cau | Vendredi 1 avril 2011

Essential killing

Étrange aventure que cet Essential killing. Aventure est le mot qui convient, tant le film sur l’écran paraît se confondre avec les conditions de son tournage, et tant son acteur, l’immense Vincent Gallo, semble éprouver réellement la souffrance de son personnage. Gallo incarne un taliban afghan qui, après un attentat contre des soldats américains, réussit à s’échapper de la prison où on l’a torturé, et se lance dans une cavale à travers une Europe de l’Est enneigée. Mais le film de Skolimowski n’a que peu à voir avec la tradition du survival movie ; on est ici dans une œuvre radicale, un film de metteur en scène et un one man film d’autant plus impressionnant que l’homme en question n’y prononce pas un seul mot. L’idée derrière ce silence est simple : plus Gallo retourne vers une forme d’animalité pure, plus l’humanité de son personnage éclate à l’écran. Du rouge sur une toile blanchePris dans un piège à loup, dormant dans une mangeoire remplie de paille, mangeant des baies ou dévorant un poisson encore vivant, Gallo fait l’expérience d’une régression vers l’état de nature. Mais quelque chose ramène le personnage vers le monde des hommes : des flashbacks oniriques où,

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The Ghost writer

ECRANS | Retour au présent pour Roman Polanski avec un thriller politique classique et hitchcockien, où s’épanouissent sans tapage un plaisant savoir-faire et une ironie très actuelle. Christophe Chabert

François Cau | Lundi 1 mars 2010

The Ghost writer

La sortie de The Ghost writer faisant suite à l’encore fraîche «affaire Polanski» et au débat plutôt clivé qui s’ensuivit, il va être difficile de prendre la défense du film sans passer aussi pour un défenseur de son cinéaste. Alors autant le dire franchement : pour nous, Polanski est un metteur en scène majeur, une référence incontournable en matière de modernité cinématographique. The Ghost writer prouve d’ailleurs qu’après le chef-d’œuvre très personnel qu’était Le Pianiste et le faux-pas d’Oliver Twist, celui-ci sait faire rebondir sa carrière en prenant d’adroits contre-pieds. Après deux fresques historiques, le voilà de plain-pied avec l’actualité récente : au cœur du film, un mystère entour l’ancien Premier ministre britannique Adam Lang. Il demande à un nègre d’écrire ses mémoires, alors que la controverse se lève sur son action politique pendant la guerre en Irak. A-t-il créé une douteuse alliance avec l’Amérique pour organiser la lutte contre le terrorisme en faisant fi du droit international ? Et qu’est-il arrivé à son nègre précédent, retrouvé noyé sur les côtes de l’île où Lang s’est réfugié avec sa femme et ses assistantes ? Un livre ? Juste du pap

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