Outrage

ECRANS | De et avec Takeshi Kitano (Japon, 1h49) avec Ryo Kase, Jun Kunimura…

Christophe Chabert | Mardi 16 novembre 2010

Après trois films autobiographiques où il s'interrogeait sur son rôle d'artiste, d'amuseur et de cinéaste, Takeshi Kitano revient au genre qui l'a rendu célèbre hors du Japon : le film de yakuzas. Compromis ? Initialement peut-être, mais en fin de compte, "Outrage" est tout sauf une opération séduction. Le premier plan, génial, donne le ton : un long travelling latéral sur des yakuzas en stand by contre leurs voitures de luxe. La caméra arrive sur le visage de Kitano ; va-t-elle s'arrêter ? Non, elle continue sa route et découvre d'autres personnages. Ce n'est pas un pied de nez. Il n'y a ni protagoniste, ni intrigue centrale dans "Outrage", juste la reconduction jusqu'à épuisement du même motif : des dominants arrogants et des dominés qui veulent prendre leur place par le meurtre et la violence. La mathématique des humiliations et de leurs conséquences remplace la psychologie ou le code d'honneur, souvent bafoué. Loin des éclats esthètes d'Hana Bi, Kitano choisit une rugosité formelle radicale pour montrer ce spectacle d'un pouvoir mouvant, sans enjeu autre que de le prendre et de le conserver jusqu'à la mort. Même les scènes de sadisme (notamment un passage terrible où il torture un homme avec une fraise de dentiste) paraissent désenchantées, routinières. Kitano ne jouit plus de ce cirque-là et tient à le faire savoir. À la manière de Kechiche dans "Vénus noire", il livre un film jusqu'au-boutiste, peu aimable, retournant comme un gant les clichés faciles sur son cinéma.
CC

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Sous le ciel de Tashkent : "Au bout du monde"

Drame | Présentatrice d’une émission japonaise de découvertes géographiques, Yoko est en reportage en Ouzbékistan. Aux nombreuses difficultés “pimentant” son tournage s’ajoute une mélancolie intime qui l’occupe hors caméra. Samarcande et Tashkent sont si loin de Tokyo…

Vincent Raymond | Mardi 15 octobre 2019

Sous le ciel de Tashkent :

Tout comme les compatriotes de sa génération et des suivantes, tels Kore-eda ou Kawase, que son effrayante productivité ferait passer pour des paresseux, Kurosawa manifeste une certaine porosité à l’Occident tranchant avec l’esprit d’insularité ordinairement attribué aux artistes nippons. Deux ans après son escapade parisienne pour Le Secret de la Chambre noire, il jette son dévolu sur l’Ouzbekistan, plus proche géographiquement du Japon mais porteur d’un exotisme mystérieux. Et même si ce film est sans le doute le plus étranger au genre fantastique qu’il ait jamais réalisé, Au bout du monde se trouve traversé par une impression de bizarrerie et de déphasage constants. Ce trouble n’a rien de surnaturel : Yoko ne parlant pas l’ouzbek, éprouvant le manque de son fiancé, ambitionnant une carrière de chanteuse plutôt que de présentatrice ; subissant un tournage compliqué et devant de surcroît feindre la félicité suprême devant l’objectif, a bien des raisons d’être désorientée. Le seul expédient à ce sentiment d’égarement, elle le trouve dans l’errance physique, à l’occasion de balades solitaires

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"Ghost in the Shell" : critique et interview de Scarlett Johansson

ECRANS | À l’instar de ses héros humains améliorés par les machines, ce film en prises de vues réelles s’hybride avec toutes les technologies visuelles contemporaines pour revisiter le classique anime de Mamoru Oshii (1997). Une (honnête) transposition, davantage qu’une adaptation.

Vincent Raymond | Mardi 28 mars 2017

Dotée d’un corps cybernétique augmentant ses capacités humaines, le Major a été affectée à la Section 9, une unité d’élite dépendant du gouvernement. Sa prochaine mission vise à combattre un criminel capable de pirater les esprits, mais aussi de lui révéler un passé qu’on lui a dissimulé… En s’appropriant le joyau de Oshii, Rupert Sanders touche à un tabou. Ghost in the Shell constitue en effet un jalon dans l’histoire des anime : il est le premier à avoir été universellement considéré comme un film “adulte” (en tout cas moins familial ou jeune public que les Takahata et Miyazake) ainsi qu’une œuvre de science-fiction visionnaire, dans la lignée des adaptations de Philip K. Dick ou Asimov. Sa narration elliptique, intriquant anticipation et tensions géopolitiques, ajoutée à son esthétique élégante et épurée, l’ont érigé en référence d’un futur dystopique… dépassé. Bien en chair Car depuis vingt ans, EXistenZ, Matrix puis la réalité virtuelle ont rattrapé certaines des projections de l’anime. Sanders et ses scénaristes l’ont donc “déshab

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Le Cœur régulier

ECRANS | de Vanja d’Alcantara (Fr./Bel., 1h30) Avec Isabelle Carré, Jun Kunimura, Niels Schneider…

Vincent Raymond | Mardi 29 mars 2016

Le Cœur régulier

D’un certain point de vue, Vanja d’Alcantara signe une adaptation conforme au roman d’Olivier Adam : Le Cœur régulier étant l’un de ses ouvrages les plus dépouillés, sinistres — sur ce point, il y a débat, car chaque nouveau livre de l’auteur de Je vais bien ne t’en fais pas rebat les cartes — et pour tout dire rébarbatifs, le film en découlant se révèle d’un intérêt chétif. Épure à la nippone ? Admettons, au risque de tomber dans le cliché. Or, Le Cœur régulier-film ressemble à une Biennale de la photographie tant il en accumule : contemplation, caméra à hauteur de tatami, mutisme éloquent, jeune écolière en uniforme délurée (comprenez : qui va se dénuder), Isabelle Carré grave dans l’attente d’une illumination intérieure, puis Isabelle Carré dégageant une sérénité irénique de chrétienne pour chromo sulpicien… Ce drame assourdissait par les mots sur papier, il indiffère sur écran. VR

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L’envie de Brian

ECRANS | Alors que son piteux Passion s’éteint lentement sur les écrans, Jean Douchet se charge de rallumer la flamme Brian De Palma avec son stage annuel à (...)

Christophe Chabert | Jeudi 7 mars 2013

L’envie de Brian

Alors que son piteux Passion s’éteint lentement sur les écrans, Jean Douchet se charge de rallumer la flamme Brian De Palma avec son stage annuel à l’Institut Lumière. Une sélection de quatre films plutôt bien vue, puisqu’elle ne s’axe pas seulement sur le De Palma maniériste relisant avec son style emphatique les classiques hitchcockiens (il y en a deux, toutefois superbes : Blow out et Pulsions), mais aussi au cinéaste capable de transcender une commande et en faire un matériau éminemment personnel. En cela, son Mission Impossible est un sommet. Chargé de lancer une franchise de blockbusters initiée par l’acteur et producteur Tom Cruise, De Palma signe un film d’espionnage ludique et théorique, capable de glisser une réflexion très forte sur l’après-guerre froide, de tisser d’incroyables scènes de suspense pur et de multiplier les mises en scène à l’intérieur de la mise en scène, les trompe-l’œil virtuoses et les images manquantes ou menteuses. Encore plus étonnant, Outrages

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Saya Zamuraï

ECRANS | De Hitoshi Matsumoto (Japon, 1h43) avec Takaaka Nomi, Jun Kunimura, Masato Ibu...

Jerôme Dittmar | Jeudi 3 mai 2012

Saya Zamuraï

Star de la télévision nippone où il anime un duo comique crétin, Hitoshi Matsumoto débarque avec son troisième film (le premier distribué en France), et une réputation de nouveau Takeshi Kitano. Histoire improbable d'un samurai errant avec sa fille, Saya Zamuraï se présente comme un film concept. Une comédie dans laquelle, pour dérider un jeune seigneur traumatisé par le décès de sa mère, le personnage doit multiplier les gags (après trente échecs, c'est hara kiri). Mis en scène par un tandem lui inventant diverses situations stupides, le samurai enchaîne ainsi les sketchs jusqu'à devenir une vraie marionnette de cinéma muet. Passé le côté absurde du bout à bout façon mini format télé, le film bascule progressivement dans un tragique délirant où les numéros toujours plus fous font du héros une star. Matsumoto transforme alors son acteur en clown triste pour retrouver la poésie de Kitano. Un peu trop forcé et cheap pour tutoyer le maître, sauf peut-être sa seconde période mal aimée.Jérôme Dittmar

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La Terre outragée

ECRANS | Étrange film qui raconte en deux parties l’accident de Tchernobyl et ses conséquences vingt-cinq ans après sur une poignée de rescapés, avec la force visuelle du cinéma russe et la pesanteur psychologique du cinéma français. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Vendredi 23 mars 2012

La Terre outragée

En 1986, tandis que la centrale de Tchernobyl explosait, la vie continuait dans les villages environnants. À Pripiat, Anya et Piotr se marient, et la joie de cet amour juvénile va, en pleine cérémonie, être obscurci par une menace que personne ne soupçonne, sinon un ingénieur ayant immédiatement compris l’ampleur de la catastrophe. Piotr, pompier, est appelé pour éteindre le feu ; il n’en reviendra pas, laissant Anya seule et marquée à jamais par le drame. Cette histoire, c’est celle que raconte Michale Boganim dans la première partie de La Terre outragée. Loin de s’en tenir à une reconstitution façon docu-fiction, elle saisit littéralement le spectateur par la force d’évocation des images : personnages et décors ne semblent faire qu’un au sein de plans composés dans la tradition du meilleur cinéma russe, avec un lyrisme visuel qui rappelle Klimov, Tarkovski ou Kalatozov. Dans ce bout d’Ukraine hors du temps et insouciante, seule une statue de Lénine en plein cœur du village vient rappeler que la liberté n’est que conditionnelle. Une fois la catastrophe arrivée, la machine étatique se met en marche et Boganim filme quelques séquences terrifiantes où les hommes sont arra

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Achille et la Tortue

ECRANS | De et avec Takeshi Kitano (Japon, 1h59) avec Kanako Higuchi, Kumiko Aso…

Dorotée Aznar | Lundi 8 mars 2010

Achille et la Tortue

On commençait à perdre patience devant le cinéma de Takeshi Kitano, surtout après l’avoir autant admiré. Lancé dans une trilogie sur les affres de la création artistique, il avouait en creux une perte d’inspiration qu’il entendait pallier en mettant son œuvre en abyme. Redondants, contemplatifs à l’excès, mis en scène sans passion, Takeshis et Glory to the filmmaker se faisaient les reflets occasionnellement désagréables d’un artiste en pleine déconfiture, rejouant sa filmographie sans entrain particulier, se réfugiant dans des élans comiques qui sentaient franchement le sapin. Joie : l’ultime volet de cette trilogie redresse la barre, et renoue avec ce qui faisait cruellement défaut à ses deux prédécesseurs – l’émotion. Achille et la Tortue nous évoque par petites touches la vie d’un peintre loser, interprété dans la dernière partie par Kitano lui-même, qui s’escrimera durant toute sa carrière à chercher son identité à travers ses toiles, les conseils contradictoires qui lui seront prodigués, les femmes qui tenteront de l’inspirer. D’une trame en marabout de ficelle, Kitano tire tout le potentiel poétique, ludique (les différentes méthodes employées p

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