Cannes 2015, jours 10 et 11. La dernière ligne droite…

ECRANS | "Valley of Love" de Guillaume Nicloux. "Chronic" de Michel Franco. "Macbeth" de Justin Kurzel. "Notre petite sœur" d’Hirokazu Kore-eda. "Marguerite et Julien" de Valérie Donzelli. Le Palmarès du festival.

Christophe Chabert | Mardi 26 mai 2015

Encore une poignée de films arrachés à l'épuisement de fin de festival. Une journée pour souffler après le Palmarès. Et nous voilà de retour derrière notre clavier pour commenter tout ça, depuis nos calmes pénates et sous un ciel grisâtre, loin des coups de soleil et du stress cannois.

Nicloux : Depardieu et Huppert, perdus dans l'espace

La fin de la compétition — et les deux films rattrapés in extremis avant de rentrer — auront achevé de faire pencher la balance longtemps indécise du jugement global porté sur sa qualité : c'était quand même très moyen. On y reviendra à la fin de ce billet, mais il faut remonter à loin pour trouver autant de déceptions, sinon de films franchement mauvais, dans ce qui est censé être le top du festival. Et s'il y eût aussi quelques grands moments, c'est bien l'écart entre les deux extrêmes qui pose question. Mais bon, ne spoilons pas, on développera plus tard.

Ainsi du Valley of Love de Guillaume Nicloux qui, sans être le «navet» proclamé par certains, nous a quand même sérieusement laissé sur notre faim. Il faut dire que Nicloux est un drôle de cinéaste, que l'on a d'abord beaucoup aimé — grâce à sa trilogie policière Une affaire privée / Cette femme-là / La Clef — puis qu'on a lentement abandonné, jusqu'à son coup d'éclat de l'an dernier : son téléfilm Arte avec et autour de Michel Houellebecq (L'Enlèvement de Michel Houellebecq).

Qui partage de nombreuses similitudes avec Valley of Love, à commencer par l'idée de mélanger réalité et fiction en faisant de ses personnages des acteurs connus interprétant leur propre rôle à l'écran. Pas n'importe quels acteurs : Gérard Depardieu et Isabelle Huppert. Le film n'est pas avare en transparences entre ce que l'on sait de leur vie et ce que l'on en dit à l'écran, notamment concernant cet ogre de Gégé.

C'est sans doute la meilleure idée de Valley of Love : aujourd'hui, Depardieu est un personnage bigger than life, bigger en tout cas que tous ceux qu'on pourrait lui inventer à l'écran. Big d'abord par sa corpulence, qu'il étale et réfléchit tout au long du film ; big aussi par le romanesque qui l'entoure. Comme le personnage du film, lui aussi vit dans le deuil d'un fils, et de ce drame-là découle sans doute sa misanthropie actuelle, son désir de fuite permanente.

Justement, le voilà au beau milieu de nulle part, dans la Vallée de la mort, avec son ancienne compagne (Huppert, qui tient la dragée haute à son monstrueux partenaire), réunis par deux lettres posthumes que leur a envoyées Michael avant son suicide. Il était homosexuel, un peu artiste, et il vivait aux États-Unis avec son compagnon. Le reste de sa vie est un mystère pour ses parents et, comme mus par une culpabilité de ne l'avoir pas assez connu — et de n'avoir pu conjurer son geste fatal — les voilà qui accomplissent sa dernière volonté : qu'ils se retrouvent dans le désert, guettant un signe qui les réunira furtivement tous les trois une dernière fois.

Nicloux avance ainsi dans un drôle de mixte entre Gerry, M. Night Shyamalan et Picnic à Hanging Rock, entre stases contemplatives, fantastique en sourdine et quotidienneté triviale. On ne sait d'ailleurs jamais vraiment dans quelle direction Valley of Love va pencher : comédie, tragédie, conte mystique ? Un peu de tout cela, et c'est finalement ce refus de choisir une voie plutôt qu'une autre qui handicape le film et nous laisse sur notre faim.

Si la première partie tient beaucoup à la puissance des deux acteurs et à quelques séquences assez drôles où Depardieu se révèle vachard comme on sait qu'il peut l'être, le film négocie mal son virage vers la gravité et encore plus vers le mystère. Trop long et en même temps un peu court — il manque un bon quart d'heure final pour vraiment faire ressentir le trouble qui s'empare du couple à mesure qu'il approche de la vérité — le film se résume à un beau projet, globalement inabouti.

entrez votre adresse mail pour vous abonner à la newsletter

Tout sur sa mère : "La Vérité"

Drame | Star de cinéma, Fabienne vient de publier ses mémoires titrées La Vérité et va entamer un nouveau tournage. Sa scénariste de fille Lumir, son époux et leur petite Charlotte, débarquent alors de New York. Leur séjour permettra de régler de vieilles querelles, mais aussi panser des plaies…

Vincent Raymond | Mardi 17 décembre 2019

Tout sur sa mère :

« On ne peut se fier à sa mémoire ». Aux allures de mantra, cette réplique est un peu la clef de La Vérité : on l’entend sortir de la bouche de Lumir (reprochant les arrangements de sa mère avec la vérité dans son livre), mais aussi de celle de la fantasque Fabienne, faisant remarquer en retour à sa fille que le point de vue d’une enfant est trompeur. Si l’actrice revendique dans sa vie comme son art le “mentir vrai“ d’Aragon, en assumant également une incorrigible mauvaise foi et ses caprices, elle sait — par le bénéfice de l’âge — que toute vérité est relative, subjective. Que la perfection qu’elle suppose est forcément impossible à atteindre. Et que l’écrit est un pis-aller au jeu, donc à la vie. Acteurs 1, scénaristes 0 ? Difficile de savoir qui aura le dernier mot ! Kore-eda accomplit ici une œuvre d’une vertigineuse adresse offrant bien des niveaux de lectures. Sans renoncer aux valeurs intrinsèques de son cinéma (ses “plans haïkus“ célébrant la saisonnalité et la nature ; la famille…), il témoigne d’une authentique compréhension et assimilation des codes

Continuer à lire

Archi réussite : "Notre dame"

Le Film de la Semaine | Pâques au tison, Noël au balcon… des cinés. Grâce à Valérie Donzelli, la cathédrale de Paris revit à l’écran, personnage secondaire d’une délicieuse fantaisie sentimentale burlesque et fantastique. Où il est aussi question de la place des femmes au travail et en amour…

Vincent Raymond | Mardi 17 décembre 2019

Archi réussite :

Architecte tyrannisée par son patron, maman séparée d’un ex un brin crampon, Maud Crayon mène plusieurs vies complexes en une. Et voici que par un étrange coup du sort, elle remporte sans avoir concouru le réaménagement de Notre-Dame et se retrouve enceinte. Alléluia ? Les méchantes gens et autres mauvaises langues trouveront une corrélation entre la non-présence de Jérémie Elkaïm au générique et la réussite du cinquième long-métrage de Valérie Donzelli ; bornons-nous à pointer cet amusant détail, sans en tirer de perfides conclusions. Charmant bijou de joliesse, Notre dame est une irrésistible comédie sentimentale sérieusement drôlement et drôlement sérieuse s'accommodant d'une once de magie — le fameux “réalisme magique“ tant prisé par les romanciers de García Márquez à Murakami, qui n'est rien d'autre qu'un habit poétique ou métaphorique du fatum à l'intérieur d'une fiction. On croit rêver Au reste, la singularité surnaturelle n’en est plus une dès lors que l’on considèr

Continuer à lire

Notre Dame

Avant-Première | Quand l’actualité télescope ironiquement la fiction… Valérie Donzelli est sans doute l’une des dernières cinéastes à avoir filmé la cathédrale parisienne sous toutes (...)

Vincent Raymond | Mardi 26 novembre 2019

Notre Dame

Quand l’actualité télescope ironiquement la fiction… Valérie Donzelli est sans doute l’une des dernières cinéastes à avoir filmé la cathédrale parisienne sous toutes ses coutures avant qu’un incendie ne la dévore. Et c’est en plus pour une comédie subtile, trépidante, mâtinée de fantastique et par moments plutôt caustique (en clair, son meilleur film). Chance : elle vient la présenter à Lyon en compagnie de son co-interprète principal, Pierre Deladonchamps, juste avant que la basilique de Fourvière ne s’illumine (avec des lumignons, soyons clairs !). Vous auriez tort de manquer cela. Notre Dame Au Pathé Bellecour ​lundi 2 décembre à 20h

Continuer à lire

Guillaume Nicloux : « le cinéma, c’est le traitement du mensonge »

Les Confins du monde | Le prolifique Guillaume Nicloux a mené Gaspard Ulliel aux tréfonds de la jungle et de l’Histoire pour ce qui pourrait être un prélude français à "Apocalypse Now". Rencontre en tête à tête avec un réalisateur qui compte.

Vincent Raymond | Jeudi 13 décembre 2018

Guillaume Nicloux : « le cinéma, c’est le traitement du mensonge »

La Guerre d’Indochine fait figure d’oubliée de l’Histoire, mais aussi du cinéma. Comment vous êtes-vous intéressé à ce conflit ? Guillaume Nicloux : Il y a d’abord une date : le 9 mars 1945 qui m’ a été murmurée à plusieurs reprises de façon insistante par ma productrice Sylvie Pialat et Olivier Radot, mon directeur artistique. Mais ça n’a jamais résonné plus que ça. Un jour, il sont revenus à la charge en me disant de regarder ce qui s’était passé. Et j’ai vu : les Japonais — qui à l’époque occupaient l’Indochine parce qu’Hitler les avaient autorisés à prendre possession de ces territoires pour faire la guerre à la la Chine par les terres — avait décidé le même jour à la même heure d’envahir les garnisons et de tuer soldats, femmes et enfants. Ça a été un massacre terrible, une sorte de coup de force opéré par les Japonais pour convaincre De Gaulle de renoncer aux colonies. Comme il n’était absolument pas soutenu pas Roosevelt à l’époque, qui ne voulait pas que la France étende son pouvoir colonial, ça été une espèce d’anarchie, de débandade pour l’armée française. Le temps

Continuer à lire

Dragueur de Minh : "Les Confins du monde"

Guerre | de Guillaume Nicloux (Fr, 1h43) avec Gaspard Ulliel, Guillaume Gouix, Gérard Depardieu…

Vincent Raymond | Mardi 4 décembre 2018

Dragueur de Minh :

Indochine, 1945. Rescapé par miracle de l’exécution d’un village où son frère a péri, le soldat Robert Tassen reprend du service afin de châtier l’auteur du massacre, un chef rebelle. S’il n’hésite pas pour cela à recruter d’anciens ennemis, il est aussi chamboulé par Maï, une prostituée… Deux séquences étrangement symétriques encadrent ce film dont le décor et l’histoire sont imprégnés par la guerre, mais qui transcendent ce sujet. Deux séquences où l’absence de mots dits font résonner le silence ; un silence éloquent renvoyant indirectement à l’assourdissante absence de représentation de la Guerre d’Indochine, cette grande oubliée des livres d’Histoire, enserrée qu’elle fut entre 39-45 et les “événements“ algériens. Une guerre sans mémoire (ou presque), dont l’essentiel de la postérité cinématographique repose sur Pierre Schoendoerffer. Une quasi “terre vierge“ historique donc, où Nicloux greffe ses obsessions, notamment le principe d’une quête (ici dissimulée en vengeance) plus métaphysique que réelle. La forme, volontairement elliptique,

Continuer à lire

De sang et d’or : "Les Frères Sisters"

Lion d’Argent Venise 2018 | de Jacques Audiard (Fr, 1h57) avec Joaquin Phoenix, John C. Reilly, Jake Gyllenhaal…

Vincent Raymond | Mercredi 19 septembre 2018

De sang et d’or :

Mieux vaut ne pas avoir de différend avec le Commodore. Car il envoie ses deux dévoués Charlie et Eli Sisters, tireurs d’élite et cogneurs patentés. Les deux frères vont pourtant faire défection quand une de leurs proies explique avoir découvert un procédé permettant de trouver de l’or… On attendait, en redoutant que la greffe transatlantique ne prenne pas, cette incursion de Jacques Audiard en un territoire aussi dépaysant par les décors, les usages ou les visages, que familier par son poids mythologique et les séquences fondatrices ayant dû sédimenter dans son imaginaire. Mais même délocalisé, le cinéaste n’est pas abandonné en zone hostile. D’abord, il se trouve toujours escorté par son partenaire, le magique coscénariste Thomas Bidegain ; ensuite la langue anglaise ne peut constituer un obstacle puisque son langage coutumier se situe au-delà des mots, dans la transcendance de personnages se révélant à eux-mêmes et aux autres, grâce à un “talent“ vaguement surnaturel. Le tout, dans un contexte physiquement menaçant. Empli de poudre, de sang et

Continuer à lire

"Assassin’s Creed" : Enter the game… over

ECRANS | de Justin Kurzel (E-U-Fr, int.-12 ans, 1h55) avec Michael Fassbender, Marion Cotillard, Jeremy Irons…

Vincent Raymond | Mercredi 21 décembre 2016

Censé être exécuté par injection, Cal se réveille dans une étrange institution où des scientifiques l’incitent à plonger dans sa mémoire génétique afin de trouver le moyen d’éradiquer à jamais toute pulsion de violence chez l’Homme. Héritier d’une séculaire guilde, les Assassins, adversaires immémoriaux des Templiers, Cal va affronter son passé… et le présent. Dans cette histoire où deux vilaines sectes s’entretuent à travers les âges pour contrôler l’humanité, difficile de comprendre laquelle est la moins pire — laissons aux complotistes le soin de les évaluer selon leurs critères tordus. Difficile aussi d’y trouver son content en terme d’originalité spectaculaire : à force d’en garder sous la pédale pour alimenter d’hypothétiques suites, les films d’action peinent à se suffire à eux-mêmes ; d’épiques, ils deviennent elliptiques. Son origine vidéoludique devrait irriguer Assassin’s Creed de trouvailles visuelles, le rendre aussi innovant et immersif qu’un Christopher Nolan des familles. Las ! Justin Kurzel ne fait qu’enquiller bastons chorégraphiées et combats de sabres pour yamakasi en toile de jute. Puis, entre de

Continuer à lire

The End en avant-première

ECRANS | Dans la foulée de Valley of Death (en compétition à Cannes l’an passé), Guillaume Nicloux a de nouveau dirigé Gérard Depardieu pour The End, présenté à la dernière (...)

Vincent Raymond | Mardi 5 avril 2016

The End en avant-première

Dans la foulée de Valley of Death (en compétition à Cannes l’an passé), Guillaume Nicloux a de nouveau dirigé Gérard Depardieu pour The End, présenté à la dernière Berlinale. Bien que l’affiche soit susceptible d’attirer du public, le film ne sortira pas en salles, mais en e-cinéma le 8 avril — ces “replis domestiques” semblent devenir une triste mode. Toutefois, le réalisateur accompagnera une avant-première publique le mercredi 6 avril à 19h15 à l’Institut Lumière ; il aura l’occasion d’expliquer cette étrange diffusion : choisie ou subie.

Continuer à lire

The Assassin

ECRANS | de Hou Hsiao-hsien (Taï, 1h45) avec Shu Qi, Chang Chen, Yun Zhou…

Vincent Raymond | Mardi 8 mars 2016

The Assassin

Où l’expression “rester interdit” devant une certaine beauté (ou une beauté incertaine) revêt un sens inaccoutumé… Mais avec Monsieur Hou ce type de situation tend à dépasser le cadre de l’exception — le cinéaste taïwanais semblant estimer l’hermétisme comme une langue raffinée dont il convient d’user pour maintenir à distance un public profane. En l’occurrence, le procédé se révèle curieux lorsque l’on s’attelle à un wu xia pian (le film de sabre chinois), genre éminemment populaire, remis au goût du jour par le très chorégraphié Tigre et Dragon (2000) du toujours génial Ang Lee. Refusant sans doute de s’abaisser à signer un film totalement épique ou spectaculaire (aurait-il peur de déchoir ?), HHH verse dans une abstraction esthétique floue, certainement très symbolique. Mais à la différence d’un Tarkovski, d’un Bergman ou d’un Kubrick (voire d’un Malick dans ses bons jours), il ne va pas au bout de sa démarche et paraît comme incapable de se résoudre à une dissolution narrative absolue, qui ferait de ses œuvres de purs objets contemplatifs — même ses séquences de combats sont à Tsui Hark ou John Woo ce que Rivette pourrait être à Scorsese e

Continuer à lire

La Terre et l’Ombre

ECRANS | De César Acevedo (Col, 1h37) avec Haimer Leal, Hilda Ruiz, Edison Raigosa…

Vincent Raymond | Mardi 2 février 2016

La Terre et l’Ombre

Heureusement que le métal fin ne s’oxyde pas ! Sans quoi, la Caméra d’or reçue par César Acevedo pour son premier film en mai dernier sur la Croisette aurait terni avant que son œuvre n’arrive sur les écrans. Cela dit, le délai observé par La Terre et l’Ombre entre son sacre et sa sortie respecte son apparente discrétion et son rythme lent. Une lenteur insistante aussi esthétisée que l’image est composée, avec un luxe de symétries et de clairs-obscurs. Cette gravité contemplative en vient à déranger, tant elle semble s’énivrer de sa propre beauté tragique, allant jusqu’à détourner l’attention du spectateur des vrais sujets : l’agonie du fils du vieux héros et ce que le film révèle des conditions de vie infâmes des journaliers colombiens. Non qu’il faille, par principe, assigner une forme crasseuse et tremblotante à un drame social, mais opter pour un maniérisme très cosmétique n’est sans doute pas l’alternative la plus heureuse. VR

Continuer à lire

Les Chevaliers blancs

ECRANS | S’inspirant de l’affaire de l’Arche de Zoé, Joachim Lafosse confie à un Vincent Lindon vibrant un rôle d’humanitaire exalté prêt à tout pour exfiltrer des orphelins africains. L’année 2016 pourrait bien être aussi faste que la précédente pour le comédien récompensé à Cannes avec "La Loi du marché".

Vincent Raymond | Mardi 19 janvier 2016

Les Chevaliers blancs

Qu’il situe ses histoires dans le cadre intime d’une famille en train de se disloquer (Nue Propriété, À perdre la raison) ou, comme ici, au sein d’un groupe gagné par le doute et miné par les tensions, Joachim Lafosse suit film après film des shémas psychologiques comparables : il décrit des relations excessives, où un dominateur abusif exerce une subjugation dévastatrice sur son entourage. Cette figure charismatique n’est pas toujours ab initio animée d’intentions malveillantes : le personnage que joue Lindon dans Les Chevaliers blancs est mu par une mission humanitaire qu’il considère comme supérieure à toute autre considération, toute contingence, y compris la sécurité des membres de son équipe. La poursuite orgueilleuse de son idéal va le faire glisser dans une spirale perverse. Hors de tout manichéisme, Lafosse ne réduit pas ce mentor déviant aux seuls effets de sa malignité : sans chercher à l’exonérer, il le montre dévoré par de sincères souffrances ; pareil au Drogo du Désert des Tartares, écrasé par la chaleur, l’attente, l’impatience — plus éprouvé et manipulé en s

Continuer à lire

Notre petite sœur

ECRANS | ​De Hirokazu Kore-eda (Jap, 2h08) avec Haruka Ayase, Masami Nagasawa, Kaho…

Vincent Raymond | Mardi 27 octobre 2015

Notre petite sœur

Trois sœurs décident d’héberger dans la demeure familiale leur jeune demi-sœur, orpheline à la suite du décès de leur père. Chronique douce-amère de cette sympathique cohabitation… On pourrait parler de tranches de vie, voire de tranches de gâteau : il n’est pas de séquence qui ne montre ou ne parle de nourriture ! Le repas est à Notre petite sœur ce que le sexe est au cinéma pornographique : un acte ordinaire consommé dans des proportions tellement orgiaques et inhumaines (par des créatures filiformes de surcroît) qu’il en devient un rite obscène. Cette obsession de Kore-eda pour l’assiette rend malheureusement le reste de son film anecdotique : le parcours de ses personnages, pourtant attachants, s’écoule en arrière-plan. Certes, quelques plans ravissants sur des cerisiers en fleurs et des parties de foot mixtes offrent un bref dérivatif, mais on peste un peu de sortir de cette comédie dramatique en restant, c’est le comble, sur sa faim…

Continuer à lire

Cinéma : une rentrée en Force

ECRANS | Cette rentrée 2015 ressemble à une conjonction astronomique exceptionnelle : naines, géantes, à période orbitale longue ou courte, toutes les planètes de la galaxie cinéma s’alignent en quelques semaines sur les écrans. Sortez vos télescopes ! Enfin… chaussez vos lunettes. Vincent Raymond

Vincent Raymond | Mardi 1 septembre 2015

Cinéma : une rentrée en Force

C’est l’étoile Jacques Audiard, tout de Palme laurée, qui a annoncé la fin de la trêve estivale en mettant Dheepan en orbite le 26 août — une précocité qui n’égale pas celle de Winter Sleep l’an passé : le film de Nuri Bilge Ceylan avait jailli début août sur les écrans. Dans son sillage, l’intégralité (ou presque) du palmarès cannois va se révéler : Mon roi de Maïwenn (Prix d’interprétation féminine pour Emmanuelle Bercot) et Chronic de Michel Franco (Prix du scénario) le 21 octobre, The Lobster de Yorgos Lanthimos (Prix du Jury) le 28, Le Fils de Saul de László Nemes (Grand Prix) le 4 novembre. Si l’on excepte Maïwenn, il y a là un étonnant tir groupé ; comme si les jeunes cinéastes étrangers distingués sur la Croisette s’étaient ligués pour tenter d’exister commercialement. Car la concurrence en salle sera rude : d’abord, les poids lourds écartés de Cannes mais chouchous du public préparent leur revanche. Youth, nouvelle méditation mélancolique sur l’âge et le temps qui file signée Paolo Sorrentino, réunissant

Continuer à lire

Dheepan

ECRANS | Jacques Audiard a décroché une Palme d’or avec un très bon film qui n’en avait pourtant pas le profil, même si cette histoire de guerrier tamoul cherchant à construire une famille en France et se retrouvant face à ses vieux démons est plus complexe que son pitch ne le laisse croire. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Samedi 18 juillet 2015

Dheepan

Prenons une métaphore footballistique : si Un prophète était dans la carrière de Jacques Audiard un tir cadré et De Rouille et d’os un centre décisif, Dheepan fait figure de passe en retrait… Ce qui ne veut pas dire qu’elle ne conduira pas à un but, et c’est bien ce qui est arrivé à Cannes, puisqu’il est reparti avec une Palme d’or qui a surpris tout le monde. Mais c’est peut-être le propre des grands films que d’apparaître sous un jour fragile tout en laissant la sensation d’assister à quelque chose de fort qui nous accompagnera longtemps après. Dheepan s’ouvre sur la préparation d’un bûcher où l’on va brûler des cadavres. Nous sommes au Sri Lanka et la guerre civile se termine, soldant la défaite des Tigres tamouls. Parmi eux, Dheepan observe les dépouilles de ses compagnons avec résignation ; la guerre est derrière lui, mais que lui réserve l’avenir ? C’est une femme, Yalini, qui lui offre une porte de sortie : elle traverse le camp de réfugiés à la reche

Continuer à lire

Valley of Love

ECRANS | De Guillaume Nicloux (Fr, 1h32) avec Gérard Depardieu, Isabelle Huppert…

Christophe Chabert | Mardi 16 juin 2015

Valley of Love

«Putain, la chaleur !» dit Gérard (Depardieu) transpirant sous le soleil californien lorsqu’il retrouve son ex-compagne Isabelle (Huppert). Qui sont-ils et que viennent-ils faire là ? La première réponse est la plus complexe : Depardieu et Huppert sont comme des hybrides du couple qu’ils formèrent à l’écran à l’époque de Loulou et des comédiens qu’ils ont été ensuite. Ce mélange-là, entre ce que l’on sait de leur vie — étalée et commentée pour Depardieu, plus discrète pour Huppert — et les rôles que leur fait jouer Guillaume Nicloux, est la meilleure idée de Valley of Love, son mystère le plus persistant. Il repose sur l’idée que certaines stars ont un besoin minimal de fiction pour exister à l’écran, charriant leur légende avec elles. Cette fiction a minima répond à la deuxième question et s’avère plus problématique : convoqué post-mortem par un fils gay, exilé aux États-Unis et récemment suicidé, le couple traverse le désert en attendant un signe de cet enfant disparu qui leur promet de revenir. On sent que Nicloux aimerait retourner aux sources atmosphériques et inquiétantes de ses premiers polars — notamment le beau

Continuer à lire

Un Moi(s) de cinéma #6

ECRANS | Chaque mois, Le Petit Bulletin vous propose ses coups de cœur cinéma des semaines à venir en vidéo.

Christophe Chabert | Mercredi 3 juin 2015

Un Moi(s) de cinéma #6

Au sommaire de ce sixième numéro : • Cannes 2015 : bilan rapide • Loin de la foule déchaînée de Thomas Vinterberg • Vice Versa de Pete Docter • Une seconde mère d'Anna Muylaert

Continuer à lire

Cannes 2015, jours 8 et 9. Love, love, love

ECRANS | "Youth" de Paolo Sorrentino. "The Assassin" de Hou Hsiao-Hsien. "Mountains May Depart" de Jia Zhang-ke. "Dheepan" de Jacques Audiard. "Love" de Gaspar Noé.

Christophe Chabert | Dimanche 24 mai 2015

Cannes 2015, jours 8 et 9. Love, love, love

Dur dur quand même ce festival de Cannes. Comme d’habitude, nous objecte notre petite voix intérieure. Oui, enfin, un peu plus que ça, lui répond-on, agacé. C’est parce que tu as la mémoire courte, renchérit-elle. Non, les pieds en feu et les yeux cernés surtout, tentons-nous pour couper court au débat. Sur quoi on se dit que si l’on en est à écrire ce genre de conversations imaginaires, c’est qu’effectivement il y a comme une forme de surchauffe intérieure et qu’on n’est pas loin de crier, proximité de l’Italie oblige : «Aiuto !» Youth : la grande mocheté de Sorrentino À moins que cet appel à l’aide ne soit la conséquence de l’accueil délirant réservé au dernier Paolo Sorrentino, Youth, qu’on considère pourtant clairement comme une horreur, sinon une infamie. C’est à ne plus se comprendre soi-même, tant on était resté sur le souvenir, émerveillé, de sa Grande Bellezza il y a deux ans, où il portait son cinéma rutilant et excessif vers une forme d’absolu, sillonnant les rues romaines avec une caméra virtuose et élégiaque dans un h

Continuer à lire

Cannes 2015, jour 7. Exercices de style

ECRANS | "Sicario" de Denis Villeneuve. "Cemetery of Splendour" d’Apichatpong Weerasethakul. "Le Tout nouveau testament" de Jaco Van Dormael.

Christophe Chabert | Jeudi 21 mai 2015

Cannes 2015, jour 7. Exercices de style

Après la parenthèse enchantée de Vice Versa offerte (à vie) par les studios Pixar, retour à la dure réalité cannoise avec des films qu’on qualifiera gentiment d’inaboutis, pour des raisons somme toute très diverses. Prenons Sicario de Denis Villeneuve… Tout laissait à penser que le cinéaste québécois allait donner à ce polar sur fond de lutte contre les narcotrafiquants mexicains la même classe que celle insufflée à son superbe Prisoners. Le film démarre d’ailleurs très bien avec un assaut mené contre un repère de gangsters soupçonnés de détenir des otages. À la place, et après avoir soigneusement dégommé les habitants peu fréquentables du lieu, les agents découvrent un véritable charnier de cadavres étouffés dans des sacs plastiques puis dissimulés dans les murs de la maison. Vision d’horreur puissante qui permet aussi de mettre en avant la protagoniste du film : Kate (Emily Blunt), jeune recrue idéaliste du FBI, vite débauchée par un groupe d’intervention d’élite emmené par un type aussi débonnaire qu’inflexible (Josh Brolin) assoc

Continuer à lire

Cannes 2015, jour 6. Et Pixar fût…

ECRANS | "Vice Versa" de Pete Docter

Christophe Chabert | Mercredi 20 mai 2015

Cannes 2015, jour 6. Et Pixar fût…

Lundi matin, 11h. Alors que commençait la deuxième moitié du festival sous le signe d’interrogations diverses et variées résumables en : «Est-ce que c’est un bon cru, cette édition 2015 ?», la lumière est apparue sur l’écran du Théâtre Lumière, et tout a soudain été bouleversé. Nous en premier, en sanglots durant les quinze dernières minutes du film, puis systématiquement lorsqu’on l’évoquait aux gens qui ne l’avaient pas encore vu ; mais aussi l’ordre d’un festival qui, jusque-là, manquait singulièrement de hiérarchie. La lumière, c’est celle de Vice Versa (Inside Out) de Pete Docter, dernier-né des studios Pixar, et c’est peu de dire qu’il s’agit d’un événement considérable, un classique instantané du cinéma et une date dans l’histoire de l’animation. Surtout, c’est le genre de choc dont on ne se remet pas, une projection qui restera à jamais gravée dans nos mémoires, petite bille bleue et jaune stockée quelque part au fond de notre conscience que des mains agiles iront régulièrement ressortir pour nous refoutre le frisson, les larmes aux yeux et le sourire aux lèvres. Car ce que raconte Vice Versa, dans un élan méta-phys

Continuer à lire

Cannes 2015, jour 5. Oh ! Carol…

ECRANS | "Carol" de Todd Haynes. "Mon roi" de Maïwenn. "Plus fort que les bombes" de Joachim Trier. "Green Room" de Jeremy Saulnier.

Christophe Chabert | Lundi 18 mai 2015

Cannes 2015, jour 5. Oh ! Carol…

Il fait beau et chaud sur Cannes, et tandis que les plagistes ont les pieds dans l’eau, les festivaliers continuent de macérer dans une mare de sueur, brûlant au soleil de files d’attente désespérées, rabrouant les resquilleurs, espérant secrètement découvrir de beaux films. À la mi-temps du festival, on est encore dans l’expectative. Il faut dire que des films, on n’en voit moins que les années précédentes, et surtout que l’on se concentre sur les films événements. A perdre chaque jour entre trois et cinq heures à attendre, on doit forcément sacrifier la part de découverte pourtant essentielle à la manifestation. D’où l’impression d’assister à une grande preview des films importants de l’automne, plus qu’à une compétition en bonne et due forme. Carol : Tood Haynes sublime le mélodrame Si toutefois on devait jouer le jeu des pronostics, on dirait que Carol de Todd Haynes ferait une très belle Palme d’or. Ce n’est pas ce qu’on a vu de mieux dans ladite compétition — Le Fils de Saul a notre préférence — mais il marque une étape décisive dans la carrière d’un cinéaste plutôt rare, dont chaque œuvre était jusqu’ici pétrie de contradic

Continuer à lire

Cannes 2015, jour 4. La mère des songes.

ECRANS | "The Sea of Trees" de Gus Van Sant. "Mia Madre" de Nanni Moretti. "Les Milles et une nuits, volume 1" de Miguel Gomes.

Christophe Chabert | Dimanche 17 mai 2015

Cannes 2015, jour 4. La mère des songes.

Cannes 2015, de l’avis général, c’est l’enfer. Après les exploitants, c’est au tour de la presse, et notamment de son lumpenprolétariat, de râler sévère contre l’organisation. Il fallait en tout cas arriver deux bonnes heures à l’avance, cuire tel un poulet au four en faisant la queue et réciter une prière aux dieux du cinéma pour espérer voir les projections du Gus Van Sant et du Todd Haynes, du moins si l’on ne faisait pas partie du gotha de la critique. De plus en plus terrible année après année, cette répartition engendre qui plus est des comportements particulièrement rustres, les copains se gardant des places dans les queues puis dans les salles, histoire de s’assurer que l’on ne finisse pas le cul sur les marches — dans le meilleur des cas — ou le bec dans l’eau — dans le pire. Bref, une réforme de ce fourbi paraît inéluctable, et on rêve que tout cela se termine à la loyale : premier arrivé, premier servi, quitte à ce que, telles des groupies avant un concert de rock, certains en soient à planter leur tente devant les barrières pour être sûrs de dégotter le précieux sésame. The Sea of Trees : Van Sant se fait hara kiri Évidemment, la rage

Continuer à lire

Cannes 2015, jour 3. Au cœur de l’irrationnel

ECRANS | "Le Fils de Saul" de László Nemes. "L’Homme irrationnel" de Woody Allen. "The Lobster" de Yorgos Lanthimos.

Christophe Chabert | Samedi 16 mai 2015

Cannes 2015, jour 3. Au cœur de l’irrationnel

Appliquant la règle berlinoise dite de l’embargo jusqu’à la projection officielle d’un film, on se laisse parfois 24 heures — un luxe ! avant de causer de la compétition, ce qui fait qu’à l’heure où vous découvrirez ces lignes, vous saurez déjà en allant fureter sur les réseaux sociaux qu’une bronca spectaculaire s’est levée sur The Sea of trees, le nouveau Gus Van Sant. Pour savoir ce que l’on en a pensé, patience jusqu’à demain, donc. Le Fils de Saul / Le Fils de l’homme On a aussi attendu pour dire à quel point Le Fils de Saul, premier long-métrage du Hongrois László Nemes, fut le grand choc de ce début de festival — en espérant que ce ne soit pas le seul. S’il y a une raison d’endurer le cirque cannois, c’est bien pour se retrouver nez à nez avec des œuvres pareilles, surgies de nulle part mais, une fois la projection terminée, inscrites de manière indélébile dans notre mémoire. On pourrait penser que cela tient exclusivement au sujet du film : la description d’un camp d’extermination nazi à travers les yeux de Saul, un membre du Sonderkommando, ces prisonniers chargés de participer à la solution finale en conduisant les juifs dans les

Continuer à lire

Cannes 2015, jours 1 et 2. Le festival se la raconte…

ECRANS | "Tale of tales" de Matteo Garrone. "L’Étage du dessous" de Radu Muntean. "L’Ombre des femmes" de Philippe Garrel.

Christophe Chabert | Jeudi 14 mai 2015

Cannes 2015, jours 1 et 2. Le festival se la raconte…

Voilà, Cannes, 2015, c’est parti, dans un foutoir qui ferait le charme du festival s’il n’était pas une source considérable d’épuisement pour celui qui le subit onze jours durant. Au menu cette année : un plan Vigipirate renforcé qui crée un gigantesque périmètre de sécurité devant l’entrée du Palais, obligeant les centaines de festivaliers à s’agglutiner le long des barrières lorsqu’ils sortent et provoquant des queues monstres quand ils veulent pénétrer à l’intérieur ; des exploitants furibards devant la réforme de leur système de tickets, prêts à mener une action en haut des marches histoire d’exprimer leur mécontentement ; et un grand Théâtre Lumière rénové de fond en comble, du double escalier en hélice à la salle elle-même, bien plus confortable que dans sa configuration précédente. Comme d’habitude, les couacs sont nombreux au démarrage, à commencer par des séances presse tellement étroites qu’il était quasi-impossible d’assister aux projections du dernier Kore-Eda, Notre petite sœur ; pas grave, on se le gardera pour les séances de rattrapage le dernier dimanche, juste avant le palmarès. Ou encore ces publicités pour le moins menaçantes de la Ville de

Continuer à lire

Les Grandes ondes (à l’ouest)

ECRANS | De Lionel Baier (Suisse-Fr, 1h24) avec Michel Vuillermoz, Valérie Donzelli…

Christophe Chabert | Mardi 11 février 2014

Les Grandes ondes (à l’ouest)

1974. Fatigué d’entendre des mauvaises nouvelles sur ses ondes, le nouveau patron de la Radio Suisse Romande convoque le directeur des programmes pour lui intimer l’ordre de positiver l’antenne avec des reportages montrant à quel point la Suisse rayonne à travers le monde. Une jeune animatrice féministe, un vieux briscard souffrant de pertes de mémoire et un technicien roublard partent donc dans un Portugal encore sous la dictature pour mesurer l’aide suisse au développement du pays. L’argument est picaresque et Lionel Baier en tire d’abord une comédie farfelue et sarcastique emmenée par un Michel Vuillermoz excellent — en revanche, Donzelli rapatrie les insupportables tics de comédienne hérités de ses propres films… Peu à peu, le centre névralgique des Grandes ondes bouge avec l’Histoire en marche et la Révolution des œillets dans laquelle les protagonistes se retrouvent plongés malgré eux. Le film est alors nettement plus brouillon, mais son anarchie scénaristique et formelle fait finalement corps avec les événements racontés. Avec cette ode à la liberté sous toutes ses formes, Baier pense sans doute interroger notre actualité contemporaine et ses renoncements

Continuer à lire

Tel père, tel fils

ECRANS | De l’argument, popularisé par Étienne Chatiliez, de l’échange d’enfants entre deux familles opposées socialement, Hirokazu Kore-eda tire une comédie douce-amère où il revisite son thème de prédilection : la transmission entre les générations. Qui ne souffre que d’une demi-heure en trop… Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mercredi 18 décembre 2013

Tel père, tel fils

Un enfant, dans les yeux d’un père, cela peut être aussi bien la correction de tout ce que l’on a raté dans sa vie, ou une extension joyeuse de ses propres valeurs. Quoiqu’il arrive, c’est une affaire de transmission, simple ou tortueuse… Voilà en substance ce que raconte Hirokazu Kore-eda, cinéaste de l’enfance et de la famille, au cœur de tous ses deniers films, de Nobody knows à I wish. Avec Tel père, tel fils, il part d’un quiproquo qui, il y a vingt-cinq ans, avait fait la fortune d’Étienne Chatiliez dans La Vie est un long fleuve tranquille : un échange d’enfants malencontreux à la maternité, que l’administration hospitalière décide de corriger dix ans plus tard, mais qui conduit le fils unique d’une famille de parvenus rigides et glacés à aller vivre dans une famille populaire, nombreuse et peu regardante sur les convenances, et inversement. Sauf que chez Kore-eda, cet argument ne débouche pas sur une satire sociale renvoyant dos-à-dos les riches et les pauvres dans un même sac de clichés, mais sur une approche respectueuse des deux bords, s

Continuer à lire

La Religieuse

ECRANS | De Guillaume Nicloux (Fr, 1h54) avec Pauline Étienne, Louise Bourgoin, Isabelle Huppert…

Christophe Chabert | Mercredi 13 mars 2013

La Religieuse

Pour avoir beaucoup défendu Guillaume Nicloux dans ces colonnes, on sait aussi à quel point les échecs répétés (et souvent injustes) de ses films dans les salles l’ont rendu amer et méfiant. Cette nouvelle adaptation de La Religieuse montre en effet un cinéaste qui, sans mauvais jeu de mots, ne sait plus à quel saint se vouer pour séduire le public, et lorgne ouvertement vers le triomphe de Des hommes et des dieux. Comment expliquer autrement sa quasi démission dans la mise en scène, qui confond austérité et académisme, à la lisière du téléfilm, embourbée dans l’uniforme grisaille des murs et des habits sacerdotaux, les chuchotements du cloître et le silence de sa religieuse incapable de se révolter contre les injustices qu’elle subit ? Le problème, c’est que si Beauvois affichait une empathie (contestable) pour ses moines, Nicloux doit faire avec l’anticléricalisme du roman de Diderot, qu’il tente de désamorcer jusqu’au contresens. Il faut attendre l’arrivée d’Isabelle Huppe

Continuer à lire

Main dans la main

ECRANS | De et avec Valérie Donzelli (Fr, 1h25) avec Jérémie Elkaïm, Valérie Lemercier…

Christophe Chabert | Mardi 11 décembre 2012

Main dans la main

Ceux qui ont sacralisé le tandem Donzelli / Elkaïm sur la foi de leur il est vrai correcte Guerre est déclarée vont en être pour leurs frais. Avec Main dans la main, c’est retour à la case départ, celle de leur premier film, ce navet indescriptible qu’était La Reine des pommes. L’argument (un danseur du dimanche tombe en «synchronicité» avec une prof de danse de l’Opéra Garnier) s’épuise en trente minutes et ne donne même pas lieu à une quelconque virtuosité physique ou gestuelle : tout est approximatif et ruiné par un surdécoupage qui traduit une réelle absence de point de vue. On assiste alors à un film entre potes (Lemercier, pièce rapportée, semble paumée au milieu de la bande) dont les blagues ne feront rire personne au-delà du XVIe arrondissement parisien et où l’amateurisme est presque une condition pour faire partie du club (pourquoi avoir donné un tel rôle à Béatrice De Staël, absolument nulle d’un bout

Continuer à lire

M@cbeth

MUSIQUES | L’opéra ouvre sa saison sur l’un des titres verdiens les plus difficiles à mettre en scène, à chanter et à diriger. Le pari était osé mais tout était réuni pour que spectacle soit total. La Première a cependant laissé un goût amer. Pascale Clavel

Pascale Clavel | Dimanche 14 octobre 2012

M@cbeth

Côté fosse, le compte est bon ; Kazushi Ono à la baguette obtient de l’orchestre un jeu d’une souplesse et d’une élégance incomparables. Avec sa lecture toute enflammée, Ono appose le cachet de l’authentique grandeur verdienne : la musique est mise en valeur jusque dans les moindres recoins, dans les nuances les plus fines comme dans les explosions les plus folles. Les chœurs, un peu ridiculisés par des costumes à l’avenant, gris bleu, sévères et serrés (n’est pas Pina Bausch qui veut), ont été quant à eux d’une belle homogénéité et d’une précision toute remarquable. La distribution, qui fait appel à des artistes plutôt confidentiels pour les rôles titres, est assez hasardeuse : Evez Abdulla incarne un Macbeth honnête sans plus et Iano Zanellato campe une Lady Macbeth crédible sur le plan scénique, moins sur le plan vocal. Tous deux ont mis plus d’un quart d’heure à trouver leur voix et se sont régalés tour à tour dans ces vocalises dont seul Verdi a le secret.  Des écrans très plats Ivo van Hove voudrait nous faire croire qu’il adopte une véritable audace – qui n’en est vraiment plus une : celle de transposer l’intrigue de Macbeth dans une age

Continuer à lire

Después de Lucía

ECRANS | De Michel Franco (Mex, 1h43) avec Tessa Ía, Hernán Mendoza…

Christophe Chabert | Mardi 25 septembre 2012

Después de Lucía

Parfois, un centimètre de recul dans le cadre, une poignée de secondes de trop dans le plan traduisent la mauvaise distance d’un cinéaste par rapport à ce qu’il filme et en disent long quant à son regard sur l’humanité. Michel Franco appartient à cette catégorie de metteurs en scène qui se croient moralistes (dans la lignée d’Haneke, qui a depuis dépassé ses propres scories), mais ne sont que moralisateurs. Les sujets traités (le kidnapping de classe et l’inceste dans son précédent Daniel & Ana, le deuil, le harcèlement moral et la vengeance dans Después de Lucía) ne sont que des prétextes pour accabler le spectateur, rendu complice d’un malaise entretenu par le cinéaste. L’usage systématique du plan séquence dédramatisé met ainsi tout le monde au même niveau : bourreaux et victimes, groupe et individus. Sous couvert de froideur et de neutralité, ce cinéma-là n’est en fait que du voyeurisme crapoteux (c’est l’adjectif qui vient spontanément en tête face au cinéma de Franco) et n’a en définitive qu’une finalité : créer de la culpabilité chez celui qui le

Continuer à lire

De rouille et d'os

ECRANS | Définitivement dans le cercle des meilleurs cinéastes français en activité, Jacques Audiard arrive à ne presque pas décevoir après Un prophète tout en abordant, avec une intelligence constante de la mise en scène, les rivages du mélodrame. Un grand et beau film. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Vendredi 18 mai 2012

De rouille et d'os

On se disait que le crescendo qu'a connu la carrière de Jacques Audiard ne pouvait que marquer le pas après cette bombe qu'était Un prophète. De fait, si De rouille et d'os ne reproduit pas l'effet de sidération du film précédent, c'est surtout par son abord plus modeste : pas de grande narration à épisodes, mais une structure classique, en trois actes ; pas de relecture d'un genre transmuté par la réalité des corps et des enjeux de la France contemporaine ; et pas d'apparition d'un acteur jusqu'ici inconnu, même si Matthias Schoenaerts, authentiquement génial, n'a connu qu'une gloire récente et limitée auprès du noyau dur de la cinéphilie avec Bullhead. Et pourtant, dans un cadre plus étroit, avec un sujet casse-gueule (la rencontre entre une dresseuse d'orques amputée des jambes et un agent de sécurité s'occupant tant bien que mal de son gamin de cinq ans), Audiard évite tous les écueils, prend des risques, pense tout en termes de mise en

Continuer à lire

I wish

ECRANS | D’Hirokazu Kore-Eda (Jap, 2h08) avec Koki Maeda, Oshirô Maeda…

Christophe Chabert | Mercredi 4 avril 2012

I wish

Après la parenthèse ratée d’Air doll, Kore-Eda revient à ce qu’il sait le mieux faire : le mélodrame ténu fortement connecté avec le présent de son pays. Ainsi raconte-t-il l’histoire de deux enfants séparés par le divorce de leurs parents, en situant l’action au moment de l’inauguration d’une ligne TGV reliant les deux frères. Mais comme le billet est trop cher, ils décident de se retrouver à mi-chemin, et de faire un vœu au moment où les premiers trains se croiseront. Ils emmènent dans leur périple des camarades de classe qui ont eux aussi des désirs secrets à exaucer. Remarquablement écrit, I wish ne prend jamais de haut ses jeunes protagonistes et, à l’image des adultes du film, plutôt largués et eux-mêmes en quête d’un nouveau rêve pour relancer leurs vies, préfère les laisser aller au bout de leur projet aussi dérisoire que magnifique. En cela, rien de plus beau que cette capacité à toujours retourner les obstacles par une complicité et une solidarité enfantine indéfectible. Ce joli film tout public ne souffre que d’un petit quart d’heure de trop, et d’une image te

Continuer à lire

Chronicle

ECRANS | Surfant plus ou moins habilement sur la mode du faux documentaire en l’hybridant avec le film de super-héros, Chronicle hume l’air du temps hollywoodien où le cinéma tente de rivaliser avec la série télé. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Dimanche 19 février 2012

Chronicle

Hollywood doit faire face à une double crise : la fuite de ses cerveaux vers la télévision et ses machines narratives, et celle de la désaffection, inéluctable, des spectateurs, qu’on ne sait plus comment retenir dans les salles. Chronicle est presque aussi intéressant par ce qu’il représente que par ce qu’il est sur l’écran. Son opportunisme manifeste qui consiste à marier économie (le tournage, peu coûteux, en caméra embarquée façon faux documentaire) et concept dans l’air du temps (des teenagers qui se découvrent des super-pouvoirs) évoque une foule d’autres films récents. Le nouveau venu Josh Trank a tout vu et Chronicle souffre, entre autres, de ce côté compilation, notamment quand il s’agit d’inventer des sources d’images qui ne soient pas issues de la fiction. La base, c’est le lycéen qui s’achète une caméra pour documenter sa vie ; mais en cours de route, téléphones portables, caméras de surveillance et images télé sont aussi mis à contribution pour raconter l’histoire — Cloverfield,

Continuer à lire

Les Crimes de Snowtown

ECRANS | Sorte de pendant crapoteux d’"Animal Kingdom", le premier film de Justin Kurzel revient sur une série de meurtres ayant traumatisé l’Australie des années 90, et enfonce douloureusement le clou de son contexte social hardcore. François Cau

Dorotée Aznar | Vendredi 16 décembre 2011

Les Crimes de Snowtown

Bienvenue dans la banlieue d’Adelaide, ses taudis à peine vivables, son climat tout en nuances de gris, ses parents absents, ses voisins pédophiles, sa violence toujours prête à exploser… Dans ce no man’s land peuplé de laissés-pour-compte aigris, l’arrivée de John, figure paternelle brutale mais rassurante, va dans un premier temps réconforter Jamie, un ado mutique jusque-là condamné à subir les abus répétés de son entourage. Mais au fil de leçons de morale de plus en plus radicales, John révèle rapidement sa nature d’odieux sociopathe. Hasard des calendriers de tournage et de distribution, Animal Kingdom et le film de Justin Kurzel, à quelques mois d’écart, revisitent l’histoire criminelle australienne récente en adoptant le même point de vue, celui d’un jeune adulte pas tout à fait sorti de l’enfance, surface émotionnellement plane sur laquelle se reflète des exactions de plus en plus inconfortables. Mais là où le film de David Michôd instaurait de ce fait une balise d’identification au spectateur avant de la détourner, la démarche de Kurzel

Continuer à lire

Cuvée cinéma 2011

CONNAITRE | Festival / Pour leur seizième édition, les Rencontre du cinéma francophone en Beaujolais (organisées par Les 400 coups de Villefranche-sur-Saône jusqu’au 13 (...)

Dorotée Aznar | Vendredi 4 novembre 2011

Cuvée cinéma 2011

Festival / Pour leur seizième édition, les Rencontre du cinéma francophone en Beaujolais (organisées par Les 400 coups de Villefranche-sur-Saône jusqu’au 13 novembre) affichent une programmation à l’éclectisme revendiqué. Parmi les événements de la manifestation, la venue de Marjane Satrapi le mercredi 9 pour soutenir (il en a, hélas ! un peu besoin…) son beau Poulet aux prunes, et celle de Stanislas Merhar, acteur fétiche de Chantal Ackerman dont il présentera le dernier film en avant-première (La Folie Almayer). Jean-Jacques Jauffret accompagnera son premier film, Après le sud, sorti discrètement sur les écrans il y a un mois et le festival se terminera avec l’avant-première du Havre de Kaurismaki (film pour lequel on éprouve une sympathie modérée ici). Le meilleur, cependant, ne relève pas de l’actualité, mais d’une rencontre autour du "métier" de critique cinéma avec Éric Libiot, plume sympathique de L’Express. Il a choisi d’illustrer son propos par la projection de Regarde les hommes tomber, première œuvre déjà fulgurante d’un certain Jacques Audiard. Un excellent choix — et on ne dit pas ça par solidarité confraternelle

Continuer à lire

La Guerre est déclarée

ECRANS | De et avec Valérie Donzelli (Fr, 1h40) avec Jérémie Elkaïm, Frédéric Pierrot…

Christophe Chabert | Mercredi 24 août 2011

La Guerre est déclarée

Le premier film de Valérie Donzelli, La Reine des pommes, avait été couronné par nos soins "pire film de 2010" et comparé à un Ed Wood du cinéma d’auteur à la française. Comment expliquer que La Guerre est déclarée, sa deuxième réalisation, soit aujourd’hui un des événements de la rentrée, salué par des torrents d’applaudissements et de larmes à chaque projection depuis Cannes ? On y trouve pourtant des défauts rappelant le foirage précédent : un dialogue chanté musicalement désastreux, des affèteries de style et de dialogue, Jérémie Elkaïm (moins mauvais qu’à l’accoutumé, certes), des balourdises allégoriques (lui Roméo, elle Juliette, leur fils Adam), une reconstitution d’époque jamais assumée (le film se déroule au début de la guerre en Irak, d’où le titre), des scènes de fête hors sujet… Et pourtant, quelque chose résiste à cet auteurisme étouffant : le sujet, poignant et renforcé par sa dimension autobiographique, où un couple doit faire face au cancer qui menace leur enfant. Donzelli trouve la bonne distance entre émotion brute et pure observation, à l’image des deux personnages qui tentent de résister à leur douleur de parents pour faire bloc av

Continuer à lire

Cannes jour 7 : Du nouveau

ECRANS | Le Havre d'Aki Kaurismaki. Take shelter de Jeff Nichols. Snowtown de Justin Kurzel.

Dorotée Aznar | Mercredi 18 mai 2011

Cannes jour 7 : Du nouveau

La vision au saut du lit de Le Havre, le nouveau Kaurismaki qui concourt sous bannière finlandaise alors qu'il a été tourné en France et en français, nous a ramené une année en arrière, quand la compétition cannoise alignait des œuvres faibles de cinéastes mineurs, peu soucieux de soigner la forme et paresseux dans leur propos. Le Havre a une odeur de fin de règne pour Kaurismaki. Son comique neurasthénique, sa direction artistique ringarde, ses acteurs monocordes, son absence de rythme, tout devient plus flagrant une fois transposé dans un contexte français et une langue qu'il ne maîtrise visiblement pas. Les comédiens, dont on ne doute pas du talent (André Wilms ou Jean-Pierre Darroussin, quand même), sont ici livrés à eux-mêmes, se débattant avec un texte impossible à base de « as-tu », « veux-tu » et « peux-tu ». Le film cherche à se raccrocher aux branches en brodant une fable très contemporaine autour d'un jeune noir sans-papier qui veut traverser la Manche pour se rendre en Angleterre. Mais Kaurismaki commet un contresens total en filmant son histoire dans une France purement folklorique faite de bistrots, d'é

Continuer à lire

Holiday

ECRANS | De Guillaume Nicloux (Fr, 1h30) avec Jean-Pierre Darroussin, Judith Godrèche…

Christophe Chabert | Samedi 4 décembre 2010

Holiday

Dans la meilleure scène de Holiday, un architecte nain et sa femme partouzeuse proposent au couple Darroussin-Godrèche un «strip-Scrabble». En fait, le nouveau Guillaume Nicloux, le plus réussi depuis Cette femme-là, est plutôt un strip-Cluedo. Dans ce château chabrolien où se croise une galerie de personnages loufoques et sexuellement détraqués (de la frigidité à l’obsession), un meurtre sera commis, mais il ne s’agit pas tant de connaître la victime ou le coupable ; il faut plutôt se laisser aller à l’humour noir et lubrique du film, au mélange des genres et des sexes. La mécanique narrative n’est pas toujours parfaite, et Darroussin en met une couche de trop dans la déglingue blasée, mais Nicloux retrouve son sens de la mise en scène atmosphérique en y associant un vrai tempo comique. On se croirait en train de regarder un Agatha Christie dialogué et filmé par le Bertrand Blier de la grande époque — beau compliment, non ? Christophe Chabert

Continuer à lire

Jouer avec la nourriture

SCENES | Théâtre / Ça cherche, ça vit, ça propose, ça joue et ça joue bien. La toute jeune Compagnie Xi, programmée au Théâtre de l’Élysée, ne manque pas d’audace. Le collectif (...)

Dorotée Aznar | Lundi 13 septembre 2010

Jouer avec la nourriture

Théâtre / Ça cherche, ça vit, ça propose, ça joue et ça joue bien. La toute jeune Compagnie Xi, programmée au Théâtre de l’Élysée, ne manque pas d’audace. Le collectif propose une version culottée de Macbeth, invitant les spectateurs à prendre place autour d’une grande table pour participer à un banquet trash où l’on joue avec la nourriture et avec les codes du théâtre, dans un brouhaha réjouissant. L’idée du travail collectif, largement exploitée, permet aux acteurs de changer de rôle en enfilant simplement la veste d’un autre. L’énergie et l’envie sont au rendez-vous, notamment celle de proposer un rapport différent entre la scène et la salle, par les choix de scénographie, le jeu multipliant les adresses (subtiles) au public et la volonté de prolonger l’expérience à la fin du spectacle. On regrette simplement que cette volonté soit quelque peu sabotée par la forme même du spectacle ; en proposant une version très condensée de la pièce, le risque est aussi d’exclure ceux qui n’ont pas révisé leurs classiques avant de venir et de produire, finalement, du théâtre qui s’adresse exclusivement aux initiés… Mais laissons du temps à ce collectif prometteur ; si Presque Macbeth a les déf

Continuer à lire

Air doll

ECRANS | D’Hirokazu Kore-Eda (Jap, 1h56) avec Bae Doona, Arata…

Christophe Chabert | Vendredi 11 juin 2010

Air doll

Le très beau Still walking posait son réalisateur Kore-Eda en garant d’un cinéma de qualité japonaise héritier d’Ozu. Peut-être conscient de cette menace patrimoniale au-dessus de sa tête, il négocie un virage à 180° avec Air doll, fable fantastique et philosophique autour d’une poupée gonflable qui prend vie et découvre les sentiments humains. Le film la promène dans les rues de Tokyo, puis l’invite dans un vidéo-club — belle idée que cette éducation sentimentale et existentielle par le cinéma — où elle trouve l’amour, avant de faire l’expérience de la cruauté des hommes. Kore-Eda essaye par sa mise en scène d’épouser le regard innocent de sa drôle d’héroïne (magnifiquement incarnée par Bae Doona, actrice coréenne vue chez Bong Joon-Ho) et de filmer l’invisible (l’air, la naissance des sentiments). C’est justement ce côté élégiaque, voltairien et un brin naïf qui empêche Air doll de s’envoler, le film dissimulant son programme de départ sous une joliesse formelle et un scénario faisant largement penser au AI de Spielberg. On est toutefois très curieux de

Continuer à lire

Daniel & Ana

ECRANS | De Michel Franco (Mexique, 1h30) avec Dario Yatzbek Bernal, Marimar Vega…

Dorotée Aznar | Lundi 19 avril 2010

Daniel & Ana

S’inspirant d’une histoire vraie, Daniel & Ana avait tout pour être une nouvelle claque du cinéma mexicain après La Zona. Deux ados, frère et sœur issus des classes supérieures, sont kidnappés par une bande organisée. Pendant leur détention, les ravisseurs les obligent à coucher ensemble et filment leur relation sexuelle. Libérés, Daniel et Ana doivent faire face à cette révélation brutale d’une sexualité jusqu’ici ignorée. Les deux scènes-choc du film sont en effet plutôt choquantes, même si Franco adopte une neutralité absolue pour les mettre en scène, loin de tout voyeurisme. Mais cette neutralité, en définitive, est surtout une démission globale de la part d’un cinéaste qui, le reste du temps, ne filme que des temps morts et du rien dans des plans laids, longs et sans le moindre point de vue. Daniel & Ana, c’est du cinéma d’auteur dans le pire sens du terme, un Haneke qui serait allé boire un coup au café du coin pendant que sa caméra tourne. Christophe Chabert

Continuer à lire

Désirs d'évasion

ARTS | Michel François, artiste belge étrangement méconnu en France, présente sa première grande exposition monographique à l'IAC de Villeurbanne. Et s'empare des espaces du musée avec brio et une très grande liberté. Jean-Emmanuel Denave

Jean-Emmanuel Denave | Jeudi 8 avril 2010

Désirs d'évasion

Quelque chose bat, palpite, à l'Institut d'art contemporain. Comme un cœur avec ses afflux et ses reflux, comme un organisme avec ses mouvements d'air et d'eau... Quelque chose croît dans les salles de musée, comme un lierre ou une herbe qui pousserait par le milieu, creusant, ouvrant des lignes de fuite et des lignes de vie dans les cloisons comme dans le regard du spectateur... Qu'il fasse des photographies, des vidéos, des installations ou des sculptures, Michel François affirme rester fondamentalement un sculpteur. Il donne naissance à des volumes, des environnements, des blocs d'affects, il donne souffle à la matière. Son travail voisine, par ses intensités libres et organiques, avec ces petits chefs-d'œuvre du cinéma que sont "Les Roseaux sauvages" d'André Téchiné ou "Les Herbes folles" d'Alain Resnais. Mêmes sensations d'être au milieu d'un flux, d'un processus, d'un devenir. À la lettre, les œuvres de Michel François se situent dans le domaine du virtuel, comme la graine contenant virtuellement l'arbre à venir. L'artiste sculpte donc aussi, d'une certaine façon, le temps. Temps en suspens d'un mouvement en cours de réalisation, de métamorphose... Tel un geste dansé, Michel

Continuer à lire

Michel François, bio express

ARTS | 1956 : Naissance à Saint-Trond en Belgique. Aujourd'hui, Michel François vit et travaille à Bruxelles.1980 : Première exposition à Bruxelles, «Appartement à (...)

Jean-Emmanuel Denave | Jeudi 8 avril 2010

Michel François, bio express

1956 : Naissance à Saint-Trond en Belgique. Aujourd'hui, Michel François vit et travaille à Bruxelles.1980 : Première exposition à Bruxelles, «Appartement à louer» : six artistes transforment une galerie en appartement loué par un couple qui reçoit les visiteurs jour et nuit pendant trois semaines.1992 : Participe à la Documenta de Kassel.1996-97 : Pendant un an, travaille dans un TBS (centre de détention clinique aux Pays-Bas, soignant des criminels multi-récidivistes) de Rotterdam.1998-2008 : Projet évolutif du «Bureau augmenté» qui contamine les fonctions administratives des institutions qui l'accueillent et se laisse contaminer par elles.1999 : Participation à la 48e Biennale de Venise ; partage le pavillon belge avec Ann Veronica Janssens. 2000 : «La Plante en nous» désigne deux expositions (à Munich et à Bern) et un livre, réunissant des éléments liés à l'alcool, les hallucinations, les espaces troués, la vie végétative... L'expression est tirée d'une phrase de Carlos Castaneda : «L'ivresse comme apparition triomphale de la plante en nous». 2009-10 : «Plans d'évasion», exposition présentée successivement au SMAK de Gand, puis à l'IAC de Villeurbann

Continuer à lire

«Une œuvre rhizomatique»

ARTS | Entretien / Michel François, artiste belge exposant ses «Plans d'évasion» à l'IAC de Villeurbanne. Propos recueillis par JED

Jean-Emmanuel Denave | Jeudi 8 avril 2010

«Une œuvre rhizomatique»

L'expositionEn travaillant en amont sur les plans de l'Institut d'art contemporain, j'ai été frappé par la symétrie du musée et par son aspect labyrinthique. Ma manière de créer est souvent la suivante : je reprends des choses déjà exploitées pour les revisiter, les redéployer autrement. Je réactive des pièces qui peuvent devenir jumelles, et, pour cette exposition en particulier, j'ai intensifié ces sensations de labyrinthe et de symétrie. Ma méthode de travail est rhizomatique... Je travaille tous les matériaux et les médiums artistiques, avec une pratique permanente de la photographie qui complète mon activité en atelier. Clefs formellesLa question de la contamination et celle de la dissémination sont centrales chez moi. Je suis très attentif au mouvement qui part d'une masse dense, obtuse, repliée sur elle-même, et qui va vers l'éparpillement, l'explosion ou même la disparition. Le mouvement entre un objet et sa possible disparition pourrait être une clef formelle de mon œuvre. Une autre dimension importante est celle des limites et de leur transgression. Enfin, il y a l'importance des traces : les choses comprises comme résidus d'une activité, comme res

Continuer à lire

La Reine des pommes

ECRANS | De et avec Valérie Donzelli (Fr, 1h24) avec Jérémie Elkaïm…

Christophe Chabert | Mardi 16 février 2010

La Reine des pommes

À ceux qui pensent avoir tout vu concernant le cinéma français, on recommande la vision masochiste de La Reine des pommes. Jusqu’ici, c’est-à-dire tant qu’elle n’était qu’actrice, on aimait bien Valérie Donzelli. Mais là, elle vient de commettre ce qu’on peut appeler le Plan 9 from outer space du cinéma d’auteur hexagonal : un film tourné en DV entre un appartement et un parc d’un amateurisme criminel, exploitant un sujet ô combien éculé (comment se remettre d’une rupture amoureuse) avec des idées toutes plus mauvaises les unes que les autres. Exemple définitif : donner à Jérémie Elkaïm, acteur nullissime, tous les rôles masculins du film. Une sensation d’incrédulité gagne le spectateur à la vision du film : grosse blague à prendre au millième degré ? Énorme ratage que l’on n’a pas osé ranger pudiquement dans un tiroir ? Petit film entre amis parisiens désœuvrés ? Et surtout, comme dirait l’autre : what the fuck ?! Christophe Chabert

Continuer à lire

Prophète en son pays

ECRANS | Cinéma / Pour la première année depuis l’existence de ce classement annuel, un film fait l’unanimité entre la rédaction et les lecteurs du Petit Bulletin, et il est français : "Un prophète" de Jacques Audiard. Bilan surprenant d’une année passionnante. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Jeudi 17 décembre 2009

Prophète en son pays

On l’a pris une première fois en pleine tronche à Cannes ; une deuxième lors de la venue de son réalisateur Jacques Audiard à Lyon ; et encore une troisième lors de sa sortie en salles. Pas de doute possible : "Un prophète" aura été l’événement cinématographique de l’année, et le retrouver au sommet de notre classement, mais aussi du vôtre, est à peine surprenant. Et pourtant… Qui aurait dit qu’un jour, ce serait un film français qui, pour la première fois depuis l’existence de ce classement, nous mettrait tous d’accord ? Car on en a passé des années à se morfondre sur la production hexagonale, ses comédies merdiques, ses films de genre piteux, son cinéma d’auteur sclérosé, son opportunisme lamentable (c’est la mode du biopic ? En voilà, du biopic… Y a un polar qui a marché ? Allez, tout le monde va faire des polars…) et sa détestable manière de courir après le lièvre américain à coups d’imitations serviles. Mais voilà : 2009 restera comme un cru exceptionnel pour le cinéma français. Les bonnes nouvelles sont arrivées sur tous les fronts : de la comédie, avec l’incroyable suite d’"OSS 117", une série qui vient faire de la résistance dans un cinéma populaire étouffé par les desid

Continuer à lire

Un cinéaste très discret

ECRANS | Jacques Audiard, réalisateur d’Un prophète, remet les pendules à l’heure du cinéma français en assumant une démarche libre, intègre et «politique». Christophe Chabert

Christophe Chabert | Lundi 24 août 2009

Un cinéaste très discret

Jacques Audiard n’a tourné que cinq films, et pourtant il figure déjà comme un des plus grands cinéastes que ce pays ait connus. Par quel prodige le fils du célèbre dialoguiste, d’abord scénariste pour des films inégaux (il en y a de remarquables : Mortelle randonnée, Poussière d’ange, Baxter… et d’autres piteux, comme le grotesque Fréquence meurtre) a réussi à supplanter tous ses homologues et se retrouve, à 57 ans, couronné au festival de Cannes pour un météore sublime, Un prophète ? Réponse en trois actes. Acte 1 : liberté Son père était donc un homme du verbe et du mot. De cet héritage, Jacques Audiard a conservé en interview quelque chose d’essentiel : la précision. Il le reconnaît en le regrettant : «j’ergote». On lui parle de son «panthéon» de cinéastes, de «l’exigence» de sa «direction d’acteurs», mais tous ces mots lui paraissent flous ou inappropriés. Alors il reprécise, explique, affine sa pensée… Chaque film naît ainsi de longues discussions préalables avec ses collaborateurs sur ce que doit être un film ici et maintenant, avant même que celui-ci se matérialise dans un sujet ou une histoire. Démonstration avec Un p

Continuer à lire

Un prophète

ECRANS | Choc (et Grand Prix) du dernier festival de Cannes, le cinquième film de Jacques Audiard ose une fresque somptueuse et allégorique où un petit voyou analphabète se transforme en parrain du crime. Après ce Prophète, le cinéma français ne sera plus jamais comme avant… Christophe Chabert

Dorotée Aznar | Jeudi 9 juillet 2009

Un prophète

Un cercle de lumière vient faiblement éclairer une partie de l’écran, comme une ouverture à la lampe de poche en lieu et place de l’antique ouverture à l’iris. Il vient éclairer quoi ? Les gestes désordonnés d’un jeune garçon dans un fourgon… Il planque maladroitement dans sa chaussure un billet de cinquante francs. Quelque part dans un XXe siècle finissant, Malik el Djebena s’est fait serrer une fois de trop par la police, pour ce qu’on devine être une agression sauvage lors d’une rixe — on verra plus tard d’impressionnantes cicatrices sur son dos. Ce n’est donc sûrement pas un tendre, mais certainement pas un caïd non plus. Phrasé hésitant, corps voûté, yeux en panique : Malik, papillon nocturne aux ailes brûlées prématurément, s’apprête à passer six longues années en prison. Une condamnation lourde pour ce petit voyou récidiviste, aller simple vers l’enfer des vrais mafieux et des criminels endurcis. Lui qui parle à peine français, qui ne sait ni lire ni écrire, s’avère donc une proie facile pour les affranchis qui l’entourent. Leçons de vie en prison Un prophète, le nouveau et fabuleux film de Jacques Audiard, est donc un

Continuer à lire

Still walking

ECRANS | Une famille se réunit chaque année pour célébrer la mort d’un fils. Derrière son classicisme élégant, le nouveau film de Kore-Eda est une peinture très cruelle des relations familiales, sociales et humaines. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 14 avril 2009

Still walking

Depuis son deuxième film au titre programmatique, After life, le Japonais Hirokazu Kore-Eda revient comme un aimant vers le thème qui hante son œuvre : le deuil impossible. Dans Still walking, c’est celui d’un fils, mort noyé en voulant sauver un autre garçon. Pour commémorer cette disparition, sa famille se réunit une fois par an autour d’un repas au long cours, dont le point d’orgue est la visite sur la tombe du défunt. En anglais, «still» signifie à la fois la persistance et l’immobilité (nature morte, par exemple, se dit «still life»). «Still walking», dans le film de Kore-Eda, c’est à la fois une chanson populaire qui fait remonter le souvenir embarrassant d’un bref adultère, mais c’est aussi la promenade du patriarche à travers les rues de Yokohama, preuve qu’il est toujours en vie et toujours en forme malgré sa canne et sa démarche hésitante. Ce pourrait être aussi la métaphore de cette famille figée dans le deuil, dont les membres tentent malgré tout de mouvoir le gouvernail de leur existence. Mobile dans l’élément immobile Filons la métaphore du point de vue esthétique : le classicisme appar

Continuer à lire

Macbeth au pays des horreurs

SCENES | Théâtre / Attention, c’est du lourd. Le metteur en scène grenoblois Pascal Mengelle, à la tête de sa compagnie La Saillie, s’attaque au monumental Macbeth de (...)

Christophe Chabert | Mardi 20 janvier 2009

Macbeth au pays des horreurs

Théâtre / Attention, c’est du lourd. Le metteur en scène grenoblois Pascal Mengelle, à la tête de sa compagnie La Saillie, s’attaque au monumental Macbeth de Shakespeare avec un talent indéniable. Ici, le mythe est réinterprété sans jamais être dénaturé. Mengelle va farfouiller au fond du fond de cette œuvre monstre pour appréhender au mieux la nature de Macbeth, victorieux chef de l’armée écossaise qui se rêve en roi suite à la prophétie de sorcières, mais qui finira en tyran sanguinaire. En faisant preuve d’une économie de moyens pour un rendu saisissant, Mengelle ne tombe pas dans le piège de l’habillage moderniste flamboyant censé justifier une énième mise en scène du texte, ce qui fait plaisir ! Sur scène, un simple drap blanc comme seul décor, malmené tel l’esprit de Macbeth. Sur le côté, un percussionniste rythme la pièce avec des sons inquiétants. Et puis les acteurs. Cinq au total qui alternent les différents personnages. Au centre, Bertrand Barré campe un Macbeth impassible, mais qui va finir par s’ébranler. À ses côtés, Isabel Oed, toute en force, est Lady Macbeth, celle qui finira folle et se suicidera. Enfin, parti pris on ne peut plus intéressant, Mengelle a rassemblé

Continuer à lire