Cannes jour 7 : Leos Carax' Holy Grail

ECRANS | Killing them softly d’Andrew Dominik. Le Grand soir de Gustave Kervern et Benoît Délépine. Holy Motors de Leos Carax.

Christophe Chabert | Mercredi 23 mai 2012

En cours d'après-midi, le soleil est enfin revenu sur la Croisette, et ça tombe bien car à la fatigue, logique après une semaine de festival, s'ajoutait une petite déprime liée à la pluie incessante et au ciel bouché. Sans parler de cette compétition maudite qui commençait insidieusement à nous taper sur le système — on a vraiment eu du mal à digérer le téléfilm de Ken Loach mais aussi les réactions complaisantes d'une partie de la presse et du public à sa présentation.

L'éclaircie, d'ailleurs, est d'abord venue ce matin avec la présentation de Killing them softly, nouveau film d'Andrew Dominik qui reforme avec Brad Pitt la paire de L'Assassinat de Jesse James. Disons-le, on aime bien le film, qui pourtant ne fait rien pour être aimé et lance régulièrement de gros fucks aux spectateurs. Exemples : vous venez voir la star du film ? Patientez donc une bonne vingtaine de minutes avant de la voir se pointer à l'écran. Vous avez envie d'assister à un bon polar ? L'intrigue est alambiquée, et quand on la pose à plat, paraît bien banale. Vous voulez de l'action ? Il n'y en aura quasiment pas, et le seul meurtre spectaculaire du film est désamorcé par un usage très arty du ralenti.

Killing them softly s'intéresse avant tout à la hiérarchie du crime, mais prise à sa base plus qu'à son sommet, invisible dans le film. Tout part d'un casse minable dans un entrepôt clandestin orchestré par un petit mafieux qui ne quitte jamais son fauteuil dans son bureau pourri. Il envoie deux voyous plutôt incompétents pour faire le travail, espérant faire porter le chapeau au propre patron de l'entrepôt, qui s'était auto-dévalisé quelques années avant. Pour mettre de l'ordre dans ce foutoir, on demande à un tueur méthodique d'intervenir, Cogan. Mais son truc, c'est plutôt de bavasser sans fin dans une voiture avec l'avocat délégué par les pontes du crime organisé, négociant qui va faire quoi, quand et surtout à quel prix.

C'est là où Dominik livre le vrai projet de son film. Dès le générique, on entend un discours d'Obama pendant la campagne de 2008. Puis, c'est George W. Bush qui prend le relais, expliquant que le politique doit se mettre au service de l'économie pour la sauver de la crise financière. Et ça continue avec tout un tas d'extraits radio et télé qui dessinent l'arrière plan politique de l'action. Il n'y a pas de mystère : le scénario du film est à relire sans cesse à l'aune de cette métaphore filée. Le but, c'est de rétablir la confiance dans une économie (criminelle) qui a été bouleversée par un tricheur que l'on a eu la faiblesse de laisser à son poste plutôt que de le mettre au rencard. Ce qui a ouvert la porte à une grande dérégulation où toutes les fripouilles espèrent taper dans le gâteau. Le moment le plus impressionnant de Killing them softly, c'est la poignée de séquences entre Brad Pitt et James Gandolfini, qui joue un tueur vieillissant, dépressif, alcoolique et obsédé par les prostituées. Déjà, la rencontre entre les deux comédiens est monstrueuse, produisant un véritable vertige de jeu — le film tout entier est porté par la virtuosité de son casting ; surtout, Gandolfini incarne en transparence ces traders bouffis d'orgueil, qui ne sont plus bon à rien sinon sombrer dans leurs addictions, incapables de sentir le monde s'écrouler autour d'eux. Face à lui, Pitt est l'homme avisé qui a compris que la puissance de l'argent ne disparaîtra pas, mais qu'elle doit, si elle veut se faire pardonner ses excès, faire profil bas, se faire oublier pour mieux venir réclamer en bout de partie son dû. Le speech final, d'un culot politique hallucinant, envoie tout valser, et ce drôle de film se conclut par la plus cinglante des répliques : «Paie-moi !»

On s'attendait dans la foulée à se prendre une autre beigne politique avec le nouveau Kervern et Delépine, Le Grand soir. Les cinéastes grolandais se sont construits jusqu'ici une filmo impeccable, et le sujet de celui-ci (deux frères, l'un punk, l'autre vendeur de literie font chacun à leur manière l'expérience de la «crise» et décident ensemble de rentrer en lutte contre le système) s'y prêtait d'évidence Pourtant, Le Grand soir est une immense déception, Kervern et Delépine tombant dans le piège qu'ils avaient jusque-là, parfois de peu certes, réussi à éviter : leur goût de la vignette, du scénario ouvert à l'improvisation et aux accidents, de la guest venue faire un petit tour dans leur manège cinématographique… Le film cherche non seulement sa forme, mais aussi son discours : parti comme une comédie sociale très Hara Kiri, il patine en son centre dans un psychodrame familial auquel les deux auteurs ne semblent pas croire une seconde, avant de s'achever sur un cruel constat d'impuissance de leur part, puisqu'ils reviennent sans véritable raison à leur genre de prédilection, le road-movie, avec Les Valseuses en énorme surmoi.

Rien ne fonctionne vraiment dans Le Grand soir, à commencer par le couple Poelvoorde-Dupontel, dont les personnages n'acquièrent jamais de véritable épaisseur. Ils ressemblent à des caméos que l'on retrouverait de séquence en séquence — tout l'inverse, donc, de Depardieu dans leur précédent Mammuth. Même la rage qui irriguait leur œuvre, ce désespoir lucide face à leur impuissance à changer le monde ou à en infléchir la connerie, disparaît complètement au profit d'un regard éculé sur la médiocrité de la société de consommation (le film se déroule en grande partie dans un centre commercial). Un gros gâchis, et on ne s'y attendait vraiment pas.

Il a donc fallu attendre la fin de journée pour se prendre cet uppercut inattendu mais espéré depuis le début du festival, le film qui soudain illumine la compétition par son audace et sa nouveauté. Pas le plus abouti de Cannes 2012 (Haneke tient fermement cette place, et il y a peu de chance qu'on le déboulonne), mais celui qui se situe le plus à la pointe de ce qu'est le cinéma d'aujourd'hui, qui le pose en art vivant et aventureux, loin de toute formule.

Ce film, c'est Holy Motors, et c'est Leos Carax qui le signe. Il est bon, à ce point, de rappeler le parcours de Carax, non seulement parce qu'il aidera à comprendre la surprise éprouvée face à son dernier film, mais aussi parce que ce parcours est clairement la matière même d'Holy Motors. Découvert dans les années 80 avec Boy meets girl et Mauvais sang, singulier condensé de l'esprit Nouvelle vague et de la génération des cinéastes ayant été nourri à toutes les formes d'image, il avait ensuite vécu le calvaire du tournage sans fin des Amants du Pont-Neuf, arrêté trois fois, ayant englouti une fortune et ruiné deux producteurs, avant de se solder par un semi-échec en salles. La traversée du désert commença alors et, cerise sur le gâteau, celle qui était sa compagne et sa muse, Juliette Binoche, le quittait peu de temps après la sortie. Il tenta, sept ans plus tard, un come-back raté avec l'incertain Pola X, nouvel échec et nouvelle disparition de 13 ans, avec comme seul fait d'arme sa participation au film à sketch Tokyo, qui esquissait un Carax nouveau, rageur et conquérant, drôle et percutant.

Holy Motors, c'est une visite de Carax à l'intérieur de son œuvre et de sa vie, avec comme guide son alter-ego Denis Lavant, qui réendosse tous les personnages qu'il avait précédemment incarnés chez le cinéaste — et même celui qu'il n'avait pas joué, le Pierre de Pola X. Lavant est Monsieur Oscar (rappelons que le pseudo de Carax est formé de son vrai prénom, Alex, et de l'Oscar que le jeune et ambitieux qu'il était espérait peut-être décrocher un jour — il se contentera donc provisoirement de la Palme d'or), un homme qui monte dans une limousine blanche et va s'acquitter chaque jour de missions étranges sous différentes identités. C'est un acteur, mais un acteur qui vivrait ses rôles au lieu de les jouer. Banquier arrogant, tueur, vieillard, créature monstrueuse, père et amant : Lavant est un homme cinéma qui s'épuise à ne plus faire de nouveaux personnages, de nouveaux films. C'est aussi Carax lui-même, qui apparaît par ailleurs au début dans son propre rôle, cinéaste hagard qui se réveille dans une chambre inconnue et se retrouve dans un cinéma digne du Club silencio de Mulholland drive.

Carax ne cache pas son amertume : le cinéma est en train de mourir, et lui se meurt avec lui, ne pouvant plus tourner mais seulement ressasser son œuvre inachevée. Ce discours sur la fin du cinéma est vieux comme Serge Daney, et il ne nous concerne pas plus que cela. Mais ce qui est grandiose dans Holy Motors, c'est que le film démontre tout le contraire : chaque nouvelle séquence est un chant d'amour au cinéma contemporain, un appel joyeux à en explorer tous les possibles et à le faire avec l'appétit d'une mise en scène constamment inspirée. Ce que crie Carax tout au long de Holy Motors, ce n'est pas seulement le génie (relatif, d'ailleurs) de son œuvre passée, mais son envie de l'emmener vers de nouveaux horizons : la motion capture, la comédie, le drame intimiste, la comédie musicale, le film de genre… On est littéralement sidéré par l'énergie extraordinaire avec laquelle le cinéaste produit en permanence de la grâce cinématographique : un dialogue entre un père et sa fille dans une voiture, les retrouvailles, vingt ans après, des amants du Pont-Neuf dans une Samaritaine fantôme (Kylie Minogue remplace Binoche, mais l'enchantement reste le même), ou encore ce stupéfiant ballet où Lavant, recouvert d'une combinaison noire parsemée de capteurs fluorescents, dessine à lui tout seul un futur possible pour les chorégraphies martiales de l'ère numérique. Le cinéma est mort, mais Carax le ressuscite à tous les plans, et si la fin est désespérée, c'est aussi un immense rire noir qui l'accompagne : les machines se mettent à se parler entre elles, l'homme s'épanouit au milieu des singes, et la vie continue. Avec Holy Motors, Carax entre dans le XXIe siècle, et, le temps de deux heures, on a eu le sentiment que celui-ci lui appartenait, et pour longtemps.

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Saint Amour

ECRANS | Le millésime 2016 des plus illustres cinéastes grolandais est arrivé, et il n’a rien d’une pochade : derrière son nez rouge de clown, Saint Amour dissimule une histoire d’amour(s) tout en sobriété.

Vincent Raymond | Mercredi 2 mars 2016

Saint Amour

Pour un réalisateur seul, jongler les yeux bandés avec un baril de pétrole ouvert et un flambeau doit certainement se révéler plus sécurisant que diriger la paire Depardieu-Poelvoorde partant en goguette sur la route des vins. Sur le papier, Kervern & Delépine n’étaient donc pas trop de deux face au fameux duo. Cela dit, les risques étaient limités pour les compères, étant donné leur proximité avec les comédiens (déjà pratiqués dans Mammuth et Le Grand Soir) ; ils partageaient en outre leur science du jus de la treille. Cette… “communion d’esprit” explique comment et pourquoi les auteurs ont pu mener leur barque sans dériver, en nochers précis. Spirituel ou spiritueux Mais Saint Amour ne se limite pas à son germe éthylique : l’essence de ce road movie, c’est le voyage de quelques centimètres que vont parcourir un père et un fils l’un vers l’autre. Un rapprochement sensible et enivrant — facilité par leur hâbleur de chauffeur — donnant l’occasion d’apprécier Depardieu, plus fragile qu’un roseau dans son corps de chêne, lorsqu’il tente avec une maladresse rustaude de parler à son Bruno de fils,

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Holy Motors

ECRANS | Étonnant retour en grâce de Leos Carax avec Holy motors, son premier long-métrage en treize ans, promenade en compagnie de son acteur fétiche Denis Lavant à travers son œuvre chaotique et un cinéma mourant. Qui, paradoxe sublime, n’a jamais été aussi vivant que dans ce film miraculeux et joyeux. Critique et retour sur une filmographie accidentée. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Jeudi 28 juin 2012

Holy Motors

Dans Boy meets girl, premier film de Leos Carax, Alex (Denis Lavant, déjà alter-ego du cinéaste au point de lui emprunter son vrai prénom) détache un poster dans sa chambre et découvre une carte de Paris dessinée sur le mur où chaque événement de sa vie a été relié à une rue, un monument, un quartier. Ce plan, c’est celui de la Caraxie, cet étrange espace-temps construit à partir des souvenirs personnels et cinématographiques du cinéaste, celui qu’il a ensuite arpenté jusqu’à en trouver le cul-de-sac dans son film maudit, Les Amants du Pont-Neuf. Au début d’Holy motors, Leos Carax en personne se réveille dans une chambre, comme s’il sortait d’un long sommeil. Sommeil créatif, pense-t-on : cela fait treize ans qu’il n’a pas tourné de long-métrage. Le voilà donc qui erre dans cette pièce mystérieuse qui pourrait aussi, si on en croit la bande-son, être la cabine d’un bateau à la dérive ; et ce qu’il découvre derrière un mur n’est plus une carte, mais une porte qui débouche sur une salle de cinéma où des spectateurs sans visage regardent un écran où l’on projette ce film que Carax ne pouvait plus réaliser. Près de trente ans après, la Caraxie n’es

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Le Grand Soir

ECRANS | Comme s’ils étaient arrivés au bout de leur logique cinématographique, Gustave Kervern et Benoît Delépine font du surplace dans cette comédie punk qui imagine la révolution menée par deux frères dans un centre commercial. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Vendredi 1 juin 2012

Le Grand Soir

Dans Mammuth, le cinéma de Kervern et Delépine semblait toucher son acmé : leur colère froide, leur art de la mise en scène à l’humour très noir, leur goût pour le road movie, tout cela était transcendé par la rencontre avec Gérard Depardieu, à la fois grandiose et nu, dans l’abandon à son personnage et la réinvention de sa légende. Avec Le Grand Soir, c’est l’inverse qui se produit : le sujet était taillé pour eux (deux frères, l’un punk, l’autre représentant dans un magasin de literie, vivent les ravages de la mondialisation depuis un centre commercial) et l’idée de réunir Benoît Poelvoorde et Albert Dupontel, acteurs géniaux qui n’avaient jamais tourné ensemble, ressemblait à un coup de génie. Le film débute d’ailleurs par une séquence qui aurait pu être d’anthologie : face à leur paternel incarné par un impassible Areski Belkacem, les deux se lancent dans une logorrhée croisée où aucun n’écoute l’autre. En fait, on touche

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Cannes : l’Amour dure 15 jours

ECRANS | Palmarès décevant pour festival décevant : Cannes 2012 a fermé ses portes le dimanche 27 mai, laissant une poignée de beaux films, une Palme logique et quelques figures récurrentes d’un film à l’autre. Dernier bilan. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Jeudi 31 mai 2012

Cannes : l’Amour dure 15 jours

La semaine dernière, on promettait la Palme d’or à Leos Carax et à son Holy motors. On y croyait, persuadés que Nanni Moretti allait être sensible à cette ode enthousiaste à un cinéma finissant, dont les relents autobiographiques n’étaient pas sans rapport avec son Journal intime. Finalement, c’est l’incontestable Amour de Michael Haneke qui l’a emporté, le film le plus abouti de la compétition, un chef-d’œuvre certes mais qui paraissait presque trop attendu dans ce rôle. Après Oncle Boonmee et Tree of life, on rêvait à nouveau d’un film hors norme au sommet d’un festival 2012 beaucoup trop normé. Ce que le reste du palmarès, pas loin d’être indigne, n’a fait que souligner : surestimation d’œuvres imparfaites (Au-delà des collines, Reality), sacre de cinéastes dans une mauvaise passe (Reygadas, dont la sorcellerie a viré au charlatanisme, Loach et son téléfilm paresseux)… Seule la Caméra d’or au fabuleux Beasts of the southern wild n’a pas fait un pli. Le jury a même oublié un très beau film surgi au dernier jour du festival : le magnifique

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Cannes 2012, le palmarès : Et maintenant, on va où ?

ECRANS | Pendant tout le festival de Cannes, nous avions en tête l’édition 2010, «l’édition de la mort» comme on a pris la peine de l’appeler, celle où la compétition (...)

Christophe Chabert | Lundi 28 mai 2012

Cannes 2012, le palmarès : Et maintenant, on va où ?

Pendant tout le festival de Cannes, nous avions en tête l’édition 2010, «l’édition de la mort» comme on a pris la peine de l’appeler, celle où la compétition avait été particulièrement médiocre. Cette année-là, le Palmarès de Tim Burton et de son jury avait sauvé les meubles en récompensant Oncle Boonmee d’Apichatpong Weerasethakuhl. Ce n’était pas le meilleur film de la compétition — selon ses goûts, on pouvait préférer Poetry, Another year ou Des hommes et des Dieux ; mais c’était celui qui ouvrait le plus de perspectives sur le cinéma du futur. En 2012, la compétition, faiblarde, comportait tout de même à l’arrivée plus de grands films qu’en 2010. On en a compté cinq : Amour, Holy Motors, Mud, De rouille et d’os et Moonrise kingdom. Il y avait donc largement de quoi confectionner un palmarès qui allait laisser un bon souvenir de cette édition. Mais Nanni Moretti a réussi l’exploit jusqu’au bout, c’est-à-dire jusqu’aux raisons avancées pour la remise d’une Palme pourtant logique, de souligner au contraire à quel point le festival avait failli cette année. Commençons donc par cette

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Cannes jours 10 et 11 : In the Mud for love

ECRANS | Mud de Jeff Nichols. L’Ivresse de l’argent de Im sang-Soo. Thérèse Desqueyroux de Claude Miller.

Christophe Chabert | Dimanche 27 mai 2012

Cannes jours 10 et 11 : In the Mud for love

Si c’était un scénario, ce serait un coup de théâtre ; si c’était un match de foot, on parlerait de but dans les arrêts de jeu ; mais nous sommes au festival de Cannes, et la présentation de Mud de Jeff Nichols le dernier jour de la compétition, à 8h30, a vraiment tout bouleversé. Ce film-là, c’est celui qu’on n’attendait plus, celui qui vient remplir un vide criant jusque-là : la grande œuvre américaine, romanesque et ample, n’ouvrant aucun horizon nouveau dans le cinéma mais prolongeant ce qui est peut-être sa ligne la plus essentielle, passant par Moonfleet, La Nuit du chasseur, Cyclone à la Jamaïque ou plus récemment True Grit… C’est une petite surprise de la part de Jeff Nichols. S’il n’en est qu’à son troisième film, on avait déjà quelques idées arrêtées sur son œuvre : Shotgun stories et Take shelter laissaient deviner un cinéaste ambitieux, cherchant à

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Cannes jour 9 : Grillés

ECRANS | The Paperboy de Lee Daniels. Dans la brume de Sergeï Loznitsa.

Christophe Chabert | Vendredi 25 mai 2012

Cannes jour 9 : Grillés

Il sera temps, d’ici le palmarès dimanche soir, de tirer un bilan définitif de ce Cannes 2012, mais on affûte déjà nos couteaux, tant les jours qui viennent de s’écouler ne plaident pas en sa faveur. Reste un (immense) espoir demain avec le Mud de Jeff Nichols — on vient de voir le Im Sang Soo, pas mal mais quand même très mineur, on en reparlera demain ; mais il faut le dire, arrivé à un tel stade de désillusion globale, on préfère ne plus s’attendre à rien. Au moins pourra-t-on être agréablement surpris. Car depuis jeudi soir, toutes les personnes croisées, journalistes, exploitants ou simples cinéphiles faisaient le même constat : «Vivement que ça se termine !». À la traditionnelle fatigue du marathon cannois s’ajoutait ainsi un certain agacement quant à la longue série de mauvais films vus en compétition, et ce n’est pas pour rien si le rythme des projections s’est spectaculairement ralenti pour nous : deux films et demi jeudi, deux ce vendredi, au lieu des quatre ou cinq quotidiens pendant le reste du festival. À un moment, plus rien ne suit : ni le corps, ni l’esprit, et cela conduit même à de fâcheuses situations, comme la projo de

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Cannes, entre la panne et le moteur

ECRANS | Curieuse édition du festival de Cannes, avec une compétition de bric et de broc pleine de films d’auteurs fatigués et dont le meilleur restera celui qui annonça paradoxalement la résurrection joyeuse d’un cinéma mort et enterré. Du coup, c’est le moment ou jamais de parler des nouveaux noms que le festival aura mis en orbite. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Vendredi 25 mai 2012

Cannes, entre la panne et le moteur

Comme il y a deux ans, le jour férié nous oblige à boucler avant la fin du festival de Cannes et la remise de la Palme d’or. Mais comme il y a deux ans, on a déjà hâte que l’affaire se termine, tant la compétition aura été laborieuse, et même parfois pénible à suivre. Surtout, sa diversité n’a pas été payante. En quelques heures, on pouvait passer d’un navet faussement personnel et vraiment putassier (le redoutable Paperboy de Lee Daniels, qui mérite des tomates après son déjà horrible Precious) à un sommet d’académisme moderniste à base d’acteurs inexpressifs, de dialogues séparés par d’interminables et grossiers silences et de plans sous tranxène sur des gars qui marchent dans les bois (le soporifique Dans la brume de Sergeï Loznitsa, qui mérite des œufs pourris après son déjà pontifiant My joy). Et on n’oubliera pas dans la liste le très Vogue Homme Sur la route de Walter Salles, où la beat generation réduite à un clip publicitaire sur la mode des hipsters, ou encore le téléfilm de Ken Loach, La Part des anges, d’une fainéantise hallucinante que ce

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Cannes jour 8 : Suicide mexicain

ECRANS | Post Tenebras Lux de Carlos Reygadas. Elefante blanco de Pablo Trapero.

Christophe Chabert | Jeudi 24 mai 2012

Cannes jour 8 : Suicide mexicain

Cette huitième journée cannoise restera comme la première journée post-Holy Motors. Il est vrai que le film de Carax a tellement retourné les festivaliers (à quelques exceptions près, comme les rédacteurs de Positif, étrangement agressifs à son encontre) que toute la journée, en plus d’y repenser — hier, par exemple, on a complètement omis de préciser qu’on y voit à l’intérieur une séquence appelée à devenir mythique, celle dite de l’entracte — on n’imaginait plus que le film puisse repartir sans la Palme d’or. Hier soir après la projection, le festival avait l’air de commencer enfin. Mais dès ce matin, il avait surtout l’air d’être fini. Bizarre. Ce n’est pas le pénible Sur la route qui allait dissiper cette impression. On en parle ailleurs, donc pas besoin de disserter ici sur ce monument de cinéma culturel, académique et scolaire. Mais le deuxième film de la compétition ce jour, signé Carlos Reygadas, nourrissait de sérieux espoirs de rajouter un bon film pour relever le niveau. Il ne faut pas longtemps pour comprendre que cette question (bon

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Cannes jour 6 : Le Crépuscule des vieux

ECRANS | No de Pablo Larrain. Vous n’avez encore rien vu d’Alain Resnais. La Part des anges de Ken Loach

Christophe Chabert | Mardi 22 mai 2012

Cannes jour 6 : Le Crépuscule des vieux

Dans ce journal quotidien (ou presque) du festival, on n’a pas le temps de parler de tout ce que l’on voit au fil des projections (déjà 23 films au compteur, quand même). Parmi les oublis que l’on ne se pardonne pas, il y a le formidable No de Pablo Larrain, présenté à la Quinzaine des réalisateurs, et qui restera comme un des sommets de cette édition. Larrain aborde pour la troisième fois consécutive les années Pincochet après Tony Manero et Post mortem, films certes forts et pertinents, mais un brin auteurisants et fermés sur leur dispositif formel. Avec No, le cinéaste chilien passe une sacrée vitesse, puisque ledit dispositif se résume en une seule idée : No ressemble à une vieille VHS des années 80, avec ses couleurs baveuses et son écran 4/3. Coquetterie moche ? Pas du tout, mais alors pas du tout. Dans No, Larrain raconte la campagne autour du plébiscite pro-Pinochet de 1988, signe d’ouverture démocratique qui devait théoriquement conforter le pouvoir du dictateur vieillissant. En adoptant la forme télévisuelle de l’époque, il peut donc intégrer toutes les archives, véridiques quoique souvent a

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Cannes Jours 4 et 5 : Les yeux (et tout le reste) mouillés

ECRANS | Lawless de John Hillcoat. Jagten de Thomas Vinterberg. Like someone in love d’Abbas Kiarostami. Amour de Michael Haneke.

Christophe Chabert | Lundi 21 mai 2012

Cannes Jours 4 et 5 : Les yeux (et tout le reste) mouillés

Ce festival de Cannes restera sans doute dans les mémoires pour au moins une raison : la météo particulièrement capricieuse. La journée de dimanche aura été pour le moins agitée : traversée épique de la Croisette sous des bourrasques qui retournaient les parapluies et faisaient s’effondrer les barrières, queue interminable dans des files d’attente de gens frigorifiés et trempés jusqu’à l’os (et sans rouille), arrivée dans le Palais surpeuplé transformé en camps de réfugiés connectés (les réseaux sont saturés cette année, chacun étant venu minimum avec un ordi, un smartphone et une tablette !) et patinoires à l’entrée des salles lorsque tout le monde referme son pépin, créant une mare glissante pour les festivaliers. Le plan vigipirate draconien en a volé en éclats : plus personne ne fouillait rien du tout, tellement la situation devenait critique. Mieux vaut en rire, d’autant plus que la compétition continue clopin clopant. Ce fut d’abord le redoutable Lawless de John Hillcoat. Pour ceux qui se demandaient après le raté La Route

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Cannes jour 3 : Par-delà les limites

ECRANS | Au-delà des collines de Cristian Mungiu. Laurence Anyways de Xavier Dolan. Beasts of the southern wild de Benh Zeitlin

Christophe Chabert | Dimanche 20 mai 2012

Cannes jour 3 : Par-delà les limites

Les projections s'enchaînent à la vitesse de l'éclair, confirmant que si Cannes 2012 n'a pas encore prouvé qu'il était un bon cru, il s'avère particulièrement riche en propositions, au risque de ne plus savoir où donner de la tête. Commençons par la compétition qui, pour l'instant, ne décolle pas vraiment. On misait gros sur le nouveau film de Cristian Mungiu, récipendiaire de la Palme pour son excellent 4 mois, 3 semaines, 2 jours. Mais Au-delà des collines est une déception, et si on ne participera pas au lynchage qui a commencé à la fin de la projection de presse, force est de reconnaître que le cinéaste a sans doute pêché par excès d'orgueil. Le pêché est au centre du film, qui raconte les retrouvailles entre deux filles, amantes lorsqu'elles vivaient ensemble dans le même pensionnat et qui se sont séparées temporairement. Alina est allée travailler comme serveuse en Allemagne ; Voichita a trouvé refuge dans un monastère orthodoxe isolé sur une colline au-dessus de la ville. Alina revient en Roumanie espérant emmener avec elle Voichita, mais celle-ci tergiverse, visiblement tiraillée entre sa foi nouvelle et son ancienne amoureuse.

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Beaucoup d’amour, peu d’érections

ECRANS | Le 65e festival de Cannes arrive déjà à mi-parcours de sa compétition, et celle-ci paraît encore bien faible, avec ce qui s’annonce comme un match retour de 2009 entre Audiard et Haneke et une forte tendance à la représentation du sentiment amoureux. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Dimanche 20 mai 2012

Beaucoup d’amour, peu d’érections

Serait-ce la nouvelle loi cannoise ? Pour une année de compétition passionnante, la suivante serait forcément décevante ou mineure. Le cru 2009 était exceptionnel, celui de 2010 fut cauchemardesque ; l’édition 2011 était brillante, celle de 2012 a démarré piano. Tout avait pourtant bien commencé avec un film d’ouverture extraordinaire, Moonrise kingdom de Wes Anderson, et la projection du Audiard, De rouille et d’os. Puis vint le temps des désillusions : par exemple Après la bataille de Yousri Nasrallah, qui se complait dans une forme de soap opéra ultra-dialogué alors qu’il avait manifestement l’envie de retrouver le lustre des grands mélodrames égyptiens. Évoquant la Révolution récente, le cinéaste tombe dans le piège du cinéma à sujet, didactisme balourd que l’intrigue sentimentale ne vient pas alléger, au contraire. Nasrallah veut aborder tous ses enjeux en même temps, mais oublie complètement de les mettre en scène. Catastrophe aussi avec Paradis : Amour d’Ulrich Seidl, où la misanthropie du réalisateur éclate à tous les plans. Fustigeant à la fois les vieilles Autrichiennes qui vont au Kenya pour se payer une tranche de tourisme sexuel e

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Cannes jour 2 : La réalité et ses doubles

ECRANS | Reality de Matteo Garrone. Paradis : Amour d'Ulrich Seidl.

Christophe Chabert | Samedi 19 mai 2012

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Alors que la pluie commence à s'abattre sur les festivaliers, la compétition dessine peu à peu ses enjeux. Les sentiments sont à vifs cette année, pour le meilleur et pour le pire. Le meilleur, c'est Moonrise kingdom et De rouille et d'os ; le pire, c'est Après la bataille et l'affreux Paradis : Amour d'Ulrich Seidl, qui a pris tranquillou la place du film à détester de la sélection. Comment pourrait-il en être autrement quand le cinéaste autrichien, creusant un sillon qui ne semble plus intéresser que lui, déballe d'entrée toute sa misanthropie, le temps d'une séquence insupportable où des handicapés mentaux se rentrent dedans avec des auto-tamponneuses, la caméra vissée au pare-brise pour insister sur leurs visages grimaçants. Ulrich Seidl déploie ensuite sa haine envers ses compatriotes avec quelques scènes en famille où la laideur le dispute à l'enfer du quoti

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Cannes jour 1 : Woody et les chevaux

ECRANS | Woody Allen : un documentaire. Après la bataille.

Christophe Chabert | Vendredi 18 mai 2012

Cannes jour 1 : Woody et les chevaux

Le film d'ouverture de Cannes est-il un bon présage de la sélection à venir ? Si oui, alors Cannes 2012 devrait être exceptionnel, tant le Moonrise kingdom de Wes Anderson nous a littéralement enchanté. On en parle ailleurs, donc pas la peine de s'appesantir sur le sujet. Mais pour revenir à la question de l'ouverture comme signe annonciateur de la qualité globale, il faut se souvenir qu'en 2010, qualifiée par les festivaliers qui l'ont vécue d'annus horribilis, avait débuté avec le lamentable Robin des bois de Ridley Scott, et le reste avait été à l'avenant.  En revanche, le bon cru de 2011 avait été lancé par l'excellent Minuit à Paris de Woody Allen, qui restera par ailleurs comme un des meilleurs souvenirs de l'ex-première dame de France - on s'égare. Or, avec une certaine malice, Thierry Frémaux a choisi de proposer aux festivaliers non pas le Woody Allen annuel (To Rome with love, privé de Cannes pour cause de sortie avancée en Italie), mais un documentaire consacré au cinéaste prolifique. E

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Moonrise kingdom

ECRANS | Poussant son art si singulier de la mise en scène jusqu'à des sommets de raffinement stylistique, Wes Anderson ose aussi envoyer encore plus loin son ambition d'auteur, en peignant à hauteur d'enfant le sentiment tellurique de l'élan amoureux. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mercredi 16 mai 2012

Moonrise kingdom

Revoici Wes Anderson, sa griffe de cinéaste intacte, dès les premiers plans de Moonrise kingdom. Sa caméra explore frontalement une grande demeure comme s'il visitait une maison de poupée dont il découperait l'espace en une multitude de petits tableaux peuplés de personnages formidablement dessinés. Au milieu, une jeune fille aux yeux noircis au charbon, cousine pas si lointaine de Marion Tenenbaum, braque une paire de jumelles vers nous, spectateurs. Ce n'est pas un détail : d'observateurs de ce petit théâtre, nous voilà observés par cette gamine énigmatique, dont on devine déjà qu'elle a un train d'avance sur les événements à venir. L’art de la fugue Par ailleurs, la bande-son se charge, via un opportun tourne-disque, de nous faire un petit cours autour d'une suite de Benjamin Britten. Où l'on apprend que le compositeur, après avoir posé la mélodie avec l'orchestre au complet, la rejoue façon fugue en groupant les instruments selon leur famille. Là encore, rien d'anecdotique de la part d'Anderson. Cet instant de pédagogie vaut règle du jeu du film à venir, où il est question d'enfance (qui n'est pas un jeu), de fugue (qui n'est pas musicale)

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Cannes 2012 : J-1…

ECRANS | Cette année, le festival de Cannes s’annonce musclé : pas seulement à cause de sa compétition, face à laquelle on nourrit quelques sérieux espoirs, mais aussi grâce à ses sections parallèles, particulièrement alléchantes. Christophe Chabert

Christophe Chabert | Mardi 15 mai 2012

Cannes 2012 : J-1…

Comme on dit dans les films : nous voilà arrivés sur site. Accréditation retirée, premières mains serrées, programme étudié à la loupe et c’est déjà les starting blocks pour découvrir demain matin, à peu près en même temps que vous lecteurs, Moonrise kingdom de Wes Anderson, film d’ouverture de ce 65e festival de Cannes. C’est la particularité de cette édition, et c’est loin d’être une mauvaise chose : les spectateurs pourront découvrir en synchrone avec les festivaliers, quatre œuvres parmi les plus attendues de la compétition… Moonrise kingdom donc, mais aussi De rouille et d’os, le nouveau Jacques Audiard, Sur la route que Walter Salles a adapté de Jack Kerouac, et Cosmopolis, que David Cronenberg a lui tiré de Don De Lillo. Les 17 autres films de la compét’ procurent quelques beaux frissons d’excitation, à commencer par le quatuor «américain» (même si deux cinéastes sur quatre sont d’origine australienne !) : Killing them softly d’Andrew Dominic avec Brad Pitt, Lawless de John Hillcoat avec un putain de c

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